PICASSO y EL GRABADO

El estudio del tema " Picasso y el grabado" lo veremos en varias entradas, comenzando  con un análisis de la biografía, influencias y evolución.

Biografía,influencias y evolución:

 Picasso pintor y escultor español, es considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

 Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. 

El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro. 

                                                                        " Ciencia y caridad"

Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse­ Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. 

                                                       " Habitación azul"

El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.

 Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). 

                                                         
                                            " Familia de acróbatas"

En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor. En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. 

                                        
                                                       " Retrato de Gertrude Stein"

El retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de máscara.

  La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo -la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado- que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento.

 

 Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.

 Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de "pequeños cubos", imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art Institute, Chicago). 

                                     
                                                   " Retrato de Danil Henry Kahnweiler"

En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color juega un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva.

 Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollcrd (Metropolitan Museum of Art), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominigue Ingres.

De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917 

El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales 

 También realizó conjuntos -como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso, París)­ formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960.

 Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Oiga Koklova, con la que se casó poco después. 

Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología como Las flautas de pan (1923, Museo Picasso, París). 

                                               " Tres mujeres en la Fuente"

Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno). 

                                    
                                                                   " Vañista sentada" 

Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérése Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérese. retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). 

                                                     " Muchacha ante el espejo"

En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937 

El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, yola imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España; aquí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid.

 El estallido y posterior desarrollo de la 11 Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. 

                                                                        " El osario"

"El osario" Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Wesfalen, Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). 

 Conoce por entonces a la pintora Frnncoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Palomay Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

 Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros d,el pasado como Diego Velázguez, Gustave Courbet, Eugene Delacroix y Edouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot. 

Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero (1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago.

 En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

 A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.

 Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins.

Catedral de La Valletta . Malta

De estilo barroco . Fue construida como iglesia conventual para la Orden de los Caballeros Hospitalarios de San Juan.

 Los caballeros de la Orden eran nobles de las familias más importantes de Europa, y su misión era proteger la fe católica de los ataques de los turcos otomanos. Tras defender la pequeña isla de Malta de los otomanos en el Gran Sitio de 1565, Malta se convirtio en una fortaleza que correspondía a la orden militar y construyó una nueva capital digna de los nobles, La Valletta. En el centro de La Valletta construyeron su Iglesia.

 Proyectada por arquitecto maltés Gerolamo Cassar en el último tercio del XVI. Es un edificio de una sola nave con capillas entre los contrafuertes. En el exterior sin apenas elementos decorativos, destaca la fachada muy austera, franqueada por dos torres campanario de planta cuadrada. 

Si observamos la imagen, vemos que el espacio entre las torres está diseñado en dos pisos y compartimentado por pilastras en calles; en la calle central la portada , donde la puerta con arco de medio, está enmarcada por columnas exentas de orden toscano que sostienen un entablamento, también toscano, y sobre él, en el segundo piso, un gran arco de medio punto con vano interior adintelado, rematando el conjunto un frontón triangular.

 El interior de una sola nave con capillas entre los contrafuertes. La nave central está cubierta con bóveda de cañón sobre arcos fajones decorada con fresco.

Las capillas laterales de planta cuadrada, están adscritas a las diversas procedencias de la Orden. Hay por tanto una capilla de Francia, de Italia, de Provenza, de Auvernia, de Aragón, de Castilla, León y Portugal... Cada una con el santo patrón correspondiente y los enterramientos de los Grandes Maestres. 

                                                                   Capilla de Aragón

Cuando entramos en el edificio observamos un gran contraste entre la sobriedad decorativas del exterior y la exuberante decoración interior, uno de los más claros ejemplos del " horror vacui". Las paredes están completamente talladas con emblemas de la orden, y los techos y lienzos pintados o decorados con pinturas y esculturas.. 

Hasta el suelo es un completo mosaico de enterramientos decorados con los escudos de los caballeros en mármoles de colores. 

No hay un lugar que no esté ornamentado, con motivos a base de madera doradas, mármol, piedra, frescos en los techos y los suelo, lo más llamativo de la Catedral, está compuesto por más de 400 lápidas de distinguidos caballeros de la Orden de San Juan. En casi todas aparece la cruz de Malta, símbolo típico del país.

 Responsables de esta exuberancia decorativa fueron, el Gran Maestro Cotoner que ordenó la decoración del interior de la Iglesia, el deseo de los caballeros de la orden por competir con las grandes iglesias de Roma y que donaron objetos y costearon las obras , y el gusto artístico de la época.

 Al frente del proyecto el artista calabrés Mattia Pretri. Pintor tenebrista influenciado por la obra de Caravaggio, que trabajó en Italia y en Malta. 

Preti transformó el interior de la con-catedral de San Juan en La Valletta, con una gran serie de cuadros sobre la vida y el martirio de Juan el Bautista (1661-1666).

 En sus diseños las paredes lisas de la nave y capillas fueron talladas con motivos complejos característicos de la ornamentación barroca transformando las paredes en un derroche de dorados follaje, flores y ángeles. 

¿ La Orden?

 La Orden, que se conoce como los Caballeros Hospitalarios de San Juan de Jerusalén, de Rodas y de Malta, datan de alrededor de 1050, cuando la República de Amalfi obtuvo permiso de califa Ali az-Zahir de Egipto para construir un hospicio en Jerusalén, junto con una iglesia y un convento, y ofrecer tratamiento y atención a los peregrinos de cualquier fe o raza.

Después de la Primera Cruzada, y bajo la dirección de su fundador la orden fue aprobada por una Bula Papal emitida por el Papa Pascual II en 1113.

En la actualidad la Orden sigue a siendo una organización católica, con el estatuto de observador permanente en las Naciones Unidas.

 En el museo de la catedral, se encuentra la obra de arte más famosa y valiosa de la iglesia, el cuadro de La Decapitación de San Juan Bautista, del pintor  Caravaggio. 

Feliz Navidad.

Con el bonito boceto  de Miguel Ángel, os deseo:

 "Que en estas fiestas, la magia sea vuestro mejor traje, las sonrisa el mejor regalo, vuestros ojos el mejor destino, y vuestra felicidad mi mejor deseo". 

 Datos sobre la obra:


 

Oscar Niemeyer.

A una semana de cumplir 105 años fallece el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer. 

 

“No es el ángulo recto lo que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el cuerpo de la mujer preferida. De curvas es hecho todo el universo, el universo curvo de Einstein.”

 Oscar Niemeyer. 

En esta frase se resume las bases de su arquitectura, que entiende como el fin de la búsqueda de" libertad y poesía".

 Al observar sus obras vemos: 

1º Que se interesa por la libertad plástica, la imaginación, las formas nuevas y la belleza antes que de la simple funcionalidad.

 2º.- Que sus edificios son proyectos orgánicos marcados siempre por ondulantes y funcionales forma. 

3º.- Que sus obra arquitectónicas crean emociones. Su base es la sorpresa, la invención: «Quiero que quien vea uno de mis edificios sienta que es diferente a los otros, no una copia».

 4º.- Como material de construcción explora al máximo el potencial creativo del hormigón armado, «un producto que ofrece posibilidades ilimitadas».

 A lo largo de su carrera el arquitecto brasileño ha realizado todo tipo de proyectos: casas, oficinas, teatros, fabricas, escuelas, plazas, auditorios, museos, etc.; el equilibrio entre funcionalidad y sensibilidad, técnica y estética son el rasgo que las caracteriza.

Su nombre va unido al de la capital de Brasil, Brasilia, Patrimonio Histórico y Cultural de la Humanidad, en la que diseñó en los años 50 los principales edificios y espacios públicos. 

Admiración es lo menos que suscitan la obra y capacidad de trabajo de Oscar Niemeyer, uno de los mejores y más prolíficos arquitectos que ha dado el siglo XX. 

 Nacido en Río de Janeiro en 1907, asegura que se dedicó a la arquitectura ante lo poco que le gustaba la que se hacía en su ciudad. Seguidor del Movimiento Moderno, trabajó con Le Corbusier, adquirió una activa conciencia social que le obligó a exiliarse a París en los 60, durante la dictadura militar, desde donde realizó proyectos por todo el mundo. En los 80 vuelve a Brasil, donde centrará el grueso de sus proyector. Premio Pritzker 1988, un año más tarde recibe el Príncipe de Asturias de las Artes 

 De su grandes proyectos destacamos:

 Museo de Arte Contemporáneo Niteroi 

Situado en el Mirador de Boa Viagem de la ciudad de Niteroi, justo enfrente de la Bahía de Guanabara de Río de Janeiro, Brasil. Desde donde se goza de una espléndida vista del Pan de Azúcar y el Corcovado. Concebido a partir de una figura revolucionaria de doble curvatura, el Museo destaca sobre el acantilado como un simbólico faro levantado frente a la bahía.

 Veamos el video " El poema de la curva" en donde Oscar Niemeyer nos emplica con claridad sus objetivos en este proyecto 

 Otro proyecto a destacar es El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer en Avilés (Asturias), única obra del arquitecto brasileño en nuestro país. 

Oscar Niemeyer, con motivo de conmemorarse los 25 años de los Premios "Príncipe de Astuarias " decidió obsequiar el diseño de un edificio para la Ciudad de Avilés, con la idea inicial de que el edificio fuera la sede institucional de la fundación para los premios, pero posteriormente debido a opiniones diversas se quedó finalmente en diseñar y construir cuatro edificios que sería el Centro Niemeyer. 

El conjunto consta de cinco espacios : el Auditorio, la Cúpula, la Torre-Mirador, el Edificio Polivalente y la Plaza Abierta. Se define como un espacio abierto a todas las artes con una programación multidisciplinar que incluye música, danza, teatro, cine y sala de exposiciones 

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Juan Bautista Mainós, ( 1851-1649).

Profesor de dibujo del príncipe Felipe, futuro Felipe IV, y uno de los protectores de Velázquez, lo podemos conocer utilizando paginas del Museo del Prado:

 Biografia
 Recordando  la exposición de la trayectoria de su obra realizo el Prado

Velázquez: "Las hilanderas" o "Fábula de Aracne".

Es un lienzo de gran formato pintado al óleo para Don Pedro de Arce, montero del rey; de don Pedro de Arce, el cuadro, paso a la colección del Duque de Medinaceli, y a principios del XVIII a las colecciones reales, y se encuentra en el Museo del Prado desde su fundación en 1819.

Si observamos el cuadro, nuestra primera impresión es que se trata de una escena cotidiana, que se desarrolla en un taller de hilatura, taller que visitan tres damas que contemplan un tapiz . Estaríamos ante el cuadro dentro del cuadro.

 El pintar un cuadro, dentro del cuadro nos recuerda los lienzos de la etapa de juventud, la etapa sevillana, en los que el tema religioso, el que da título a la obra, se relega a un segundo plano, mientras que en primer plano nos muestra escena de cocina, por ejemplo " Cristo en casa de Marta " o " La mulata". 

Si miramos con atención, vemos que una de las tres damas mira fuera del cuadro, nos mira a nosotros, los espectadores; Velázquez utiliza este recurso barroco de implicar al espectador, al que hace coparticipe de la obra, y además, amplían aun más el espacio pictórico, no solo profundizando hacia el interior del lienzo, sino que lo extiende a la sala de exposición. 

Esta interpretación realista, de lo que se cree seria el obrador de la fábrica real de tapices de Santa Isabel, se mantuvo hasta 1947. Por lo que el cuadro se denominaba " Las Hilanderas".

 Otro grupo de autores, entre ellos Angulo Íñigues, ven, en las Hilanderas, un cuadro muy complejo en su temática y composición, quizás la composición más enigmática e inteligente de Velázquez; ven un tema mitológico, que recuerda la " Fabula de Aracne" recogida en la Metamorfosis de Ovidio.

 ¿ Qué nos cuenta la fabula?.

" Aracne era una de las mejores tejedoras de toda Grecia. Era hija de un tintorero llamado Idmón y vivían en Lidia. Pero tenía un gran defecto, era en exceso vanidosa. De tal modo, le decía a todo el mundo que era la mejor tejedora del mundo. La gente, al observar sus obras, subrayaba su destreza. Cuentan que incluso las ninfas acudían a observar sus hermosos bordados. Recibía encargos de todas partes del mundo. De tal modo que Aracne cada vez se enorgullecía más y más de su trabajo, hasta que un día se comparó con la mismísima diosa Atenea, por ser diosa, a parte de la sabiduría, de las hilanderas. De tal modo que le lanzó un reto, para comprobar quien de las dos tejía mejor. Atenea quiso darle una lección a Aracne, así que aceptó el reto y descendió del Olimpo a la tierra en forma de anciana. Atenea le aconsejó que fuese más modesta y comenzaron el concurso. Ambas estuvieron tejiendo todo el día. Las dos estuvieron ilustrando en sus obras a los dioses. Mientras que Atenea los mostraba en todo su esplendor, Aracne se mofaba de ellos representándolos en episodios deshonrosos como locos y borrachos. Ante esto, Atenea se enojó con la hilandera, golpeándola y rompiéndole el tapiz. Aracne, asustada, humillada y deshonrada huyó enloquecida de la diosa con la intención de ahorcarse de una viga del techo. Ante esto, la diosa se apiadó y le salvó la vida, pero como castigo, la convirtió en araña y la condenó a tejer por el resto de los tiempos. Para algunos, no fue la deshonra a los dioses del Olimpo lo que llevó a Atenea a enojarse con Aracne, sino que comprobó que efectivamente la obra de Aracne era mejor que la suya. De tal modo que fue el orgullo de la diosa lo que la movió a convertirla en araña. Aparte de esta, existe otra leyenda sobre la transformación de Aracne en araña. En la cual, el hermano de Aracne, Falange, había aprendido de Atenea el arte de la guerra. Pero Atenea se enfureció con ambos hermanos al descubrir que entre ambos existía una relación impía e incestuosa."

 ¿ Cómo representa la fabula Velázquez?

 Lo que representa Velázquez, seria la disputa ente Minerva y Aracne ante un tapiz donde se representa el Rapto de Europa pintado por Tiziano para Felipe II, y que luego fue copiado por Rubens, durante uno de sus viajes como embajador a la Corte española. Pero Velázquez, cuando está pintando las Hilanderas y reproduce el " Rapto de Europa" de Tiziano, no se limita a realizar una simple copia como Rubens. Lo que hace es introducir la obra original de Tiziano como elemento clave en la estructura narrativa de las Hilanderas. Siendo el tapiz, algo que nos parece anecdótico, y que sin embargo es la clave interpretativa del cuadro.

 En el cuadro vemos:

 En primer término el taller en el que las tejedoras realizas las tareas cotidianas con la devanaderas, rueda del torno de hilar, los ovillos de lana..., e incluso vemos un gato semidormido entre los vellones de lana. En esta zona del lienzo, también se observa la admiración de Velázquez por el gran maestro del renacimiento Miguel Ángel, al que observo, estudio y dibujo durante sus viajes a Italia. Este homenaje lo vemos en las dos mujeres sentadas en primer término, que son casi una imitación de los dos efebos pintados junto a la Sibila Pérsica, en la bóveda de Capilla Sixtina. 

En Segundo termino, en el que se recoge la " Fabula de Aracne"

No podemos olvidar la interpretación que, del cuadro, hace Charles Tolnay ( 1949), que ve a Minerva y a Aracne interpretadas doblemente en el lienzo. Primero como símbolos de las artes manuales ( la artesanía), representada Minerva por una anciana ( delata su juventud la pierna desnuda que nos muestra), y Aracne por la joven de espalda sobre la que cae la luz; y al fondo en un tercer plano muy iluminadlo, representadas en el mundo de la pintura, defendida no ya como un oficio manual sino como un arte. En resumen podríamos decir que la luz del arte , ilumina el oficio artesanal del primer término. Defiende, en suma, aquellas enseñanzas que empezó a conocer en las tertulias de la "academia" de su suegro Pacheco.

 También decir que las hilanderas no solo es una pintura sobre la pintura, sino también, es un discurso donde se habla del aprendizaje del artista atreves de la copia de grandes maestros. Para entender estas dos ideas ve el video donde se explican con gran claridad.

 Si seguimos analizando el lienzo, vemos que Velázquez ha sabido darnos la sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca, cuyos radios no vemos, o en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. 

Ha conseguido el efecto atmosférico, es decir, darnos la sensación de que entre las figuras hay aire que diluye los contornos y hace que las figuras estén borrosas, lo que demuestra su domino de la perspectiva aérea.

Con la distribución de luces y sombras, Velázquez consigue que nuestra vista pase de la hilandera iluminada de la derecha a la de la izquierda para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra a la escena del fondo, nuevamente iluminada. 

Todo ello conseguido con pinceladas suelta, rápida, y pequeña y con manchas de color como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz. Con esta técnica de pincelada, Velázquez se anticipa en el tiempo al impresionismo del siglo XIX. Algo que también se puede apreciar en otras de sus obras como sus Vistas del jardín de la Villa Médicis. 

Amedeo Modigliani: retrato de Jeanne Hébuterne

Retrato de Jeanne Hébuterne sentada, 1918

Óleo sobre lienzo

  

 Este retrato ambientado en un interior, nos muestra a Jeanne relajada, sentada en la cama, con las manos unidas reposando en su regazo. Al analizarlo, observamos algunas de las características de los retratos del pintor: 

• Tratamiento suave y delicado de la figura.
•  Formas alargadas, sinuosas y planas.
•  Rostro ovalado, cuello alargado y los rasgos de la cara ojos, nariz y boca, muy simples pero marcando la individualidad de la persona.

 En este caso, el fondo del cuadro es una superficie de color abstracta, en la que con el ángulo de la pared, el cabecero de la cama y la mesilla nos da la referencia espacial y sensación de espacio.

 Al observar el retrato llama la atención el azul de los ojos, atreves del cuales parece darnos la personalidad de la retratada.

 ¿ Quién es Jeanne Hébuterne? 

Jeanne Hébuterne (1898-1920) es una pintora francesa, hija de un cajero de  comercio de telas y de una ama de casa. Podía haber llevado una vida tranquila en su pueblo natal, pero siguiendo a su hermano André, que quería ser pintor, se fue a Montparnasse, barrio de Paris, y llevo una vida bohemia.

Jeanne dibujaba bien y le gustaba pintar por lo que entro en la academia Colarossi. 

Su amiga Chana Orloff,escultora, en 1917 le presentó a Amedeo Modigliani. Mondigliani pintor bohemio, pobre, mujeriego, borracho, y enfermo, pero con gran personalidad era irresistible para las mujeres, y Jeanne, con 19 años, se enamora de él y se convierte en su amante y modelo. 

Autoretrato

En 1918 tendrán una hija que se criara en un orfanato, esa niña es Jeanne Hébuterne Modigliani, escribió la mejor biografía sobre su padre: “Modigliani, el hombre y el mito”. 

La vida de la pareja fue difícil y estuvo cuajada de privaciones, tras la muerte de Amadeo, Jeanne se suicida tirándose por una ventana.

 Amedeo Modigliani 

Amedeo Modigliani nace en Livorno en 1884, en una familia judía sefardí. Su padre era cambista y su madre, daba clases de idiomas a niños. Su abuelo materno le inculco el amor por la filosofía y la cábala. Se dice que era un enamorado de la lectura, leyendo a Nietzsche, Dante , Baudelaire... En París descubrió el libro " Los cantos de Maldoror " obra del conde de Lautréamont que se convirtió en su obra favorita, y la llevó en el bolsillo hasta el día de su muerte.

 En 1895 enferma de pleuresía, enfermedad que le afecto los pulmones y a lo largo de su vida la dolencia se ira agravando y sera la causa de su muerte.

Desde niño muestra  habilidad para el dibujo. Con catorce años Modigliani entró en el taller de Micheli, alumno de Fattori  y en 1902 pasó a la Scuola Libera di Nudo de Florencia y al año siguiente a la de Venecia.

 En 1906 se traslada a París. Nada más llegar se inscribió en la Académie Colarossi. Los años de París vivió del dinero que su madre le enviaba y de los cuadros y dibujos que pudo vender. 

Autorretrato de 1919

 Es el último que pintó, y en él se representa como artista, mirando al espectador y con la paleta en la mano. La expresión de su rostro demacrado por la enfermedad y el gotamiento es un resumen de la vida difícil que llevó.

Velázquez. " Los borrachos" y " La fragua de Vulcano"

El tema mitológico desde la Antigüedad ha estado presente en la pintura.

La pintura Barroca, pese a centrarse en el tema religioso, no abandona la temática mitológica y podemos encontrar importantes ejemplos realizados por los pintores y escultores barrocos. 

 Velázquez dentro de lo que se ha denominado la corriente naturalista del Barroco realiza cuadros de tema mitológico, en los que nos da:

•  Una visión naturalista de la mitología, para ello recurre a utilizar personajes de la calle, vestidos con las ropas del momento,...
•  Otra característica será la utilización de la ironía en las escenas, circunstancia que resta divinidad a las figuras acercándolas al espectador. 

 Esta características lo veremos en las dos obras que analizamos. 

 El triunfo de Baco . 

Es una obra pintada en Madrid, probablemente por encargo del rey Felipe IV, en torno a 1626, y retocada al regreso de su viaje a Italia (1631).

 El mito, ¿qué nos cuenta?

 "La leyenda nos narra que Baco ( Dionisos en la Mitología griega y Baco en la romana), era hijo de Júpiter y Semelé. Nació en la isla de Naxos y Mercurio le llevó a Arabia y lo confió al cuidado de las Ninfas de Nisa, moradoras de una gruta cuyas paredes estaban recubiertas de vides y pámpanos donde Baco creció y vivió despreocupado de cualquier problema bajo la complacencia de las Ninfas de las Horas y de los Sátiros que lo alegraban con címbalos y flautas. Un día, ya mayor, el dios cogió dos racimos de la pared de la gruta y los exprimió en una copa de oro; al beber el zumo rojizo fue presa de una dulce embriaguez y sintió aumentar su potencia divina. Había descubierto el vino y pensó en hacer partícipe a los mortales de su hallazgo. Decidió recorrer el mundo y enseñar a los hombres el cultivo de la vid. De manera que el dios que enseñó a los hombres a cultivar la vid y a elaborar el vino, llegó a pensar que ninguna otra divinidad podría igualar su obra y que la humanidad debería estarle agradecida eternamente. No era soberbia. Argumentaba Baco que habiendo regalado al hombre la bebida de los dioses, también le había dado la capacidad de soñar sin límites, el don de extender la luz ante la oscuridad, la sensación de sentirse inmortal y, en definitiva, la posibilidad de encontrar el auténtico sentido de la vida. El dios romano quiso celebrar su obra con una fiesta. A la orgía no faltaron dioses y semidiosas, ninfas, sátiros, centauros y un gran número de seres indescriptibles. Comieron, bebieron y bailaron hasta que el sueño se apoderó de ellos."

 ¿ Cómo la interpreta Velázquez?

 En la escena, Velázques, desarrolla un discurso pictórico sobre las bondades del vino y su capacidad para consolar a las gentes de las penalidades de la vida diaria.
La interpreta desde la más rigurosa cotidianidad, representando a Baco mezclado entre los mortales para darles a conocer el vino

 El cuadro de formato apaisado, donde la escena se representa en una composición en aspa, se puede dividir en dos partes claramente diferenciadas:

 En la de la izquierda, el dios del vino sentado en un tonel, semidesnudo y tocado con hojas de vid, recuerda claramente a los ambiguos y sensuales modelos de Caravaggio, corona a un joven soldado que se arrodilla a sus pies en actitud un tanto mojigata, como si lo hiciese ante un santo. 

Mientas otro joven recostado tras él, un sátiro tal vez, muestra una copa de vino en la mano y en la cabeza una corona de hiedra, planta que, al igual que el vino y el propio Baco, se asociaban a los poetas y a la inspiración poética. 

En estos personajes concentra Velázquez los colores más vivos y contrastados, el amarillo del soldado, el rojo y blanco del dios.

 Al observarla de forma detenida vemos que el dios Baco nos recuerda al joven dios adiposo pintado por Caravaggio; la copa de vino que sostiene el segundo personaje mencionado estaría muy cerca de la forma de interpretación de Tiziano.

 En la parte derecha aparecen representados seis personajes, campesinos y soldados de los Tercios. De todos ellos llama la atención el que portando una escudilla de vino, nos mira con atención invitándonos a participar el festejo. Estos personajes nos recuerdan mucho a los rostros pintados por Ribera.

Es una interpretación naturalista con un gran contracte entre la gravedad casi ritual de las figuras de la izquierda y la ironía picaresca y el realismo del grupo de la derecha. 

 En el uso de un lenguaje naturalista para abordar temas relacionados con la mitología o la historia antigua, Velázquez se aproximaba a otros artistas, como Caravaggio o su contemporáneo Ribera, que vistió de mendigos a filósofos.

Tanto el carácter fuertemente realista de los rostros como la gama cromática abundante en ocres o la extraordinaria precisión descriptiva sitúan la obra en la órbita del naturalismo caravaggista, al igual que el modelado corporal de Baco.

 Si observamos el lienzo, encontramos un conjunto de cacharros de barro o de vidrio dispersos por el cuadro que componen por sí solos un insuperable bodegón. 

Por lo que el cuadro es considerado el último bodegón de Velázquez, la última de sus cocinas, género en el que se había destacado en su etapa de formación sevillana y que le había dado fama de pintor realista. Pero es un bodegón especial y novedoso, al representar en él nada menos que una escena mitológica. 

 La fragua de Vulcano.

¿ Qué historia recoge el cuadro?

 " La historia de Hefesto dios griego del fuego y los volcanes, forjador del hierro y creador de armas para dioses y héroes (Vulcano en la versión romana) y Afrodita (Venus) comienza precisamente cuando la enorme belleza de la diosa pone en guardia a Zeus, que temeroso de las disputas que podía provocar entre los dioses, decide casarla con el más feo y deforme de todos ellos, Hefesto. Tan feo, que se dice que su propia madre, Hera, lo había arrojado del Olimpo por ello. Pero no fue una buena idea la de Zeus, porque la diosa, frustrada ante semejante matrimonio y sabedora de sus atributos, dio rienda suelta a sus deseos y fueron por ello muy frecuentes sus infidelidades. Sobre todo con Adonis, joven de una belleza equivalente a la de Afrodita y por cuyo amor hubo de rivalizar con Perséfone. Pero no fue el único, Afrodita también tuvo sus veleidades con Ares (Marte), que celoso del amor que aquella le profesaba a Adonis, será quien acabe con él disfrazado de jabalí y atacándolo salvajemente. Finalmente en uno de sus encuentros, Ares, el dios violento de la guerra, sería descubierto yaciendo con Afrodita, de lo cual informó puntualmente Helios al marido engañado, Hefesto, que se encontraba trabajando en su fragua, que algunos localizaban al fondo del Etna. Como con el tiempo la figura de Helios, dios del Sol, se identificó con Apolo, es frecuente que se represente en la iconografía de este tema, a este dios de la medicina, la poesía y el arte dándole la noticia al desconcertado Hefesto. El marido ofendido improvisó entonces una artimaña para apresar a los amantes, y así fundió una red a base de finas cadenas y la colgó en lo alto del lecho para que al menor contacto entre lo adúlteros cayera sobre ellos. Así los atrapó a los dos, y no los liberó hasta que Poseidón le prometió que Ares pagaría por lo que había hecho, pero así como levantó la red, los amantes huyeron y la promesa cayó en el olvido." 

 Velázquez ¿ que nos muestra del mito en su cuadro?

 Velázquez, del mito, representa el episodio burlesco, de marido cornudo, muy propio de la postura anti-mitología de los autores españoles del Siglo de Oro, y lo representa en el momento en que Apolo aparece en la fragua para informar a Vulcano ( Hefesto) que Venus ( Afrodita) le ha sido infiel, causando la sorpresa de todos los asistentes; y este momento culminante ( una de las características de la pintura barroca) de sorpresa, dolor e hipocresía es lo que plasma en su lienzo.

Al observar el cuadro nos llama la atención:

 Apolo, representado en su doble vertiente de dios de la poesía por lo que va coronado de laurel, y como dios sol que descubre lo oculto con su luz. Nos lo muestra como un joven rubio, casi adolescente en un desnudo nacarado, semicubierto por un manto amarillo, en medio de una aureola de rayos solares que iluminan la penumbra del taller. 

El herrero de espaldas, recuerda en su desnudo a las estatuas clásica. Esta obra junto con " La túnica de José" son las de carácter más académico de las pintadas por Velázquez. Parece como si tras estudiar, en su estancia en Italia, los relieves clásicos, las obras de los maestros renacentistas y la de sus coetáneos hubiera querido plasmar todas estas influencias en estos desnudos serenos y escultóricos. 

Llama también la atención el estudio de la luz sobre los objetos, para darnos volúmenes y calidades. Y de nuevo la multitud de cacharros propios de una fragua, que nos dan un autentico bodegón. Distribuidos por el espacio, también, para darnos con el resto de los elementos y personajes de la composición espacio pictórico.

Otras representaciones del mito: 

La versión de Velázquez no es la única, tenemos por ejemplo la obra del pintor barroco Giovanni Battista Carlone: “Venus y Marte sorprendidos por Vulcano” 

Giovanni se centra en representar el erotismo de los dos amantes, y sobre todo se centra en la burla a Vulcano, cuya espalda desnuda resalta en el centro del cuadro con el estilo típico del pintor, caracterizado por la viveza cromática y el contraste eficaz de los claroscuros.

 “Venus, Vulcano y Marte” de Tintoretto 

La obra con un fuerte componente erótico característico del temperamento de Tintoretto ,  escenifica el momento dramático en el que Vulcano descubre el pubis de Venus , mientras que Marte se esconde debajo de la cama . 

 Pero sin duda la obra más universalmente conocida para ilustrar el mito es la de Velázquez.

Aprendizaje

"Dime y lo olvido, enséñame y lo recuerdo, involúcrame y lo aprendo. "

 Benjamin Franklin (1706-1790)

Técnica:  Grabado

"Aprender sin reflexionar es malgastar la energía."

Confucio (551 AC-478 AC) Filósofo chino.

¿ Qué opinas?

Las peregrinaciones medievales. El camino de Santiago: vida y religiosidad.

En los siglos XI, XII y XIII, miles de personas, procedentes de toda la cristiandad, encaminan sus pasos a Santiago de Compostela, al igual que los venían haciendo a Roma o Jerusalén. 

¿ Por qué?, ¿ Cuáles son las razones que  llevan a estos hombres y mujeres  a abandonar sus vidas, a sus parientes,  la seguridad de su entorno,... y lanzarse a una aventura que durara meses, arriesgada y de la que no están seguros de regresar?.

Para responder a estas preguntas tenemos que tener presente la importancia de lo sagrado  en la Edad Media, en la que nadie imaginaba  que lo invisible fuera menos real que lo visible, en la que la muerte no era el fin del destino individual, y en el que, por tanto, preocupaba cuál sería la suerte en la otra vida. El viaje  a estos tres grandes centros de peregrinación se encontraba entre los muchos actos que se realizaban  para agradar a Dios y obtener sus favores.

Sigamos con las preguntas, ¿ por qué ir allí ? 

 En primer lugar , emprender el camino a un lugar santo con el fin de obtener gracia , se asociaba con dos prácticas sociales muy arraigadas en esa época: la obligación de rendir culto a los muertos ( sepulcro de Santiago ), y la obligación de rendir pleitesía a los poderosos ( Santiago apóstol de Cristo).

 En segundo lugar, había muertos muy poderosos, y Santiago lo es, Dios los escucha e interceden por los hombres. Esta es una creencia que la propia iglesia difunde en los programas iconográficos que decoran al fresco los ábsides de las iglesias románicas con fines docentes: en el cuarto de esfera del ábside, lugar preferente, se pinta, al fresco, a Dios en majestad bendiciendo, y en las paredes del ábside vírgenes y santos ( hombres y mujeres que han vivido en la tierra y por sus acciones han sido glorificados) que interceden por el pueblo. 

En el siglo XI, la peregrinación para la mayoría de las gentes era una búsqueda de milagro, gracia que pretendían alcanzar al postrarse ante las reliquias o tumbas de santos , y Europa estaba llena de lugares santos, que se habían ido estableciendo desde la época carolingia, en la que se comenzó a organizarse el trafico de los cuerpos santos. Cada lugar santo tenía su especialidad. Por ejemplo, la tumba de san Gil, en Francia, tenía la especialidad de curar la esterilidad, y hacia ella se encaminan a lo largo de la Edad Media príncipes de todo Europa con problemas de descendencia.

Pero la mayor parte de las peregrinaciones son a lugares cercanos , reúnen a gentes de los alrededores, en general gentes humildes. En los documentos que recogen los milagros queda claro que la inmensa mayoría de los milagros favorecen pobres.

 Con el tiempo se establecen, en la región, fechas fijas para esta manifestaciones piadosa y en muchas de ellas coincidieran con las ferias.

 Las peregrinaciones cumplen otra función : la de experiencia purificadora, un castigo que se imponían a los pecadores por el bien de su alma, tras cometer una falta grave en su entorno social , la peregrinación era una forma de exilio o de destierro. Pero podía ser también un acto voluntario. Dejar la familia, su entorno , enfrentarse a lo desconocido, ir solo por caminos, en el que le podían quitar todas sus pertenencias, era un acto de renuncia análogo al que se realiza al entrar en un convento, y por eso los peregrinos como los monjes llevan una vestimenta particular. En este caso no era la búsqueda de un milagro sino una forma de mortificación redentora.

 ¿ Por qué de los tres grandes centros de peregrinación, Jerusalén, Roma y Santiago de Compostela, Santiago es el que tiene más éxito en los siglos XI y XII?

 En primer lugar por el empeño del poder temporal, de los reyes. En la Península Ibérica, Sancho el Grande de Navarra, primero y los reyes de Castilla después , comprometidos en la lucha contra los moros, a cuya agresión resisten y responden, reconquistando poco a poco el territorio que controlaban los árabes, hacen todo lo posible por atraer, a esta contienda, a caballeros y príncipes del reino de Francia. Para ello les ofrecen regalos, les seducen con la leyenda de " Santiago matamoros" , y con beneficios espirituales si ampliaban el camino hasta el sepulcro de Santiago.

 En el siglo XII, cuando las fronteras de Al-Ándalus han retrocedido hacia el sur, los reyes cristianos se plantean la necesidad de explotar la tierras conquistadas, y creen que la peregrinación puede ser un elemento que ayude a la repoblación y de desarrollo económico. Y fomentan no solo la llegada de guerreros, sino también de trabajadores. Por ello se preocuparon de facilitar el viaje, estableciendo un sistema de franquicias y protecciones. Fomentando las rutas comerciales. Pero todas esta medidas tomadas por el poder temporal para utilizar en su beneficio la fama de Santiago, no hubieran dado el mismo resultado de no haberse asociado al poder espiritual y a la promoción de la peregrinación. 

 Las instituciones eclesiásticas y en especial la orden del Cluny van a contribuir muy eficazmente al desarrollos del flujo de peregrinos. A todo esto tenemos que sumar el desarrollo demográfico y el desarrollo económico que tiene lugar el siglo XII.

 ¿ Quiénes vienen?

 Hombres y mujeres de todos los estratos sociales y de todas las edades , que cogen su cayado, las alforjas y cosen la concha a sus vestidos y emprenden el camino en busca de la redención.

 ¿ La presencia de Santiago apóstol en la Península Ibérica?

 Juan Carlos Martin Cea en su artículo " Entre lo imaginario y lo real. El culto y la peregrinación a Santiago" nos dice, que la vinculación de Santiago al territorio hispano ya era defendida por numerosos autores grecolatinos durante los siglos VI y VII, es decir, mucho antes de que se descubriera el legendario sepulcro del apóstol en tierras gallegas. Esta idea admitida sin problema en el occidente cristiano, no tuvo eco en la sociedad visigoda reinante en la Península; en cambio a fines del siglo VIII va a surgir con fuerza en el naciente reino astur, que hace del apóstol su patrón. Es evidente que los ideólogos asturianos en su intento de legitimar su resistencia frente al Islam, optaron por recuperar el mito, no solo para afirmar sus señas de identidad y su espíritu de reconquista, sino también, para aproximarse al resto de la Cristiandad en la que aspira a integrarse.

 La "invención" de de los restos del santo, rodeada de prodigios y fantasías, como más tarde veremos, no pudo difundirse en mejor momentos, están naciendo los reinos cristianos e iniciándose el enfrentamiento con los musulmanes presentes en la península desde el 719, y la posterior reconquista del territorio de Al-Ándalus, lo que llevara a los reyes astur-leoneses, bridar todo su apoyo a la magnificación del culto.

 ¿ Cómo se incorpora Santiago a la lista de Santos medievales? 

Según cuentan las fuentes, posteriores a los hechos narrado, en las primeras décadas del siglo IX un eremita, llamado Pelayo, fue alertado por una revelación divina de que los prodigiosos fenómenos luminosos que observa en las inmediaciones de Amahia eran la prueba inequívoca de que allí reposaban los míticos restos del apóstol Santiago; Pelayo puso los hechos en conocimiento de su obispo Teodomiro quien, después de comprobar "in situ" la veracidad de los sucesos, fue conducido por las portentosas luces, en compañía de una gran muchedumbre de fieles, hasta la cueva en que se encontraba el mausoleo del apóstol. Santiago quedaba incorporado al extenso santoral medieval.

 ¿Santiago matamoros? 

 La caída y disgregación del Califato de Córdoba en 1035, fue aprovechada por los pequeños reinos cristianos y en especial por Alfonso VI rey castellano-leones, para impulsar el viejo espíritu de cruzada, y a ello se une Santiago su " patrono" y valedor; sus milagros, que lo involucran en la lucha, corren de boca en boca y se difunden por la Europa cristiana. Estas leyendas recogidas en el "Libros de los milagros" del Codex Calixtinu, nos narran cómo el apóstol libera a caballeros cristianos de prisiones musulmanas, cómo toma la espada para combatir codo a codo con los soldados, naciendo la leyenda del temible Santiago " Matamoros", que a lomos de su caballo blanco, socorre incansable a los guerreros cristianos en su cruzada contra el infiel. 

Recordar también que el "camino francés" era un "rio" por el que fluyen las distintas formas de vivir, pensar y creer de Europa.