“Las Meninas”, Velázquez. 

Un cuadro, una historia. 

A  este óleo sobre lienzo, fechado en 1656, en un principio se  título  “La familia” y no será hasta el primer catalogo del Museo del Prado, 1843, cuando se le dé el nombre de “Las Meninas”.

En él Velázquez  nos permite visitar su taller de pintura en el Alcázar de Madrid y nos muestra un espacio reservado a la Corte en el ámbito domestico.

Analicémoslo:

La sala taller es amplia, con ventanales en la pared de la derecha, solo por dos de ellas entra  luz del exterior y entre ellas  cuelgan cuadros. En la pared del fondo una puerta abierta da paso una escalera muy iluminada, en la que vemos la silueta de un hombre, vestido de negro, que sostiene una cortina; junto a la puerta, un espejo refleja las efigies de los reyes bajo una cortina o dosel como Velázquez pintaba sus retratos oficiales; a la izquierda del espejo una puerta cerrada similar a la anterior; en la parte alta de esta pared dos grandes cuadros indescifrables, pero que la paciencia de los investigadores han identificado como dos copias de los cuadros, “Minerva y Aracne” de Rubens y “Apolo y Pan” de Jordanens, pintados, por el alumno y yerno de Velázquez, Juan Bautista Mazo; de esta pared y de la de la izquierda de la sala no vemos más porque el espacio está ocupado por el dorso de un gran lienzo. Por último, Velázquez también nos muestras el techo de la estancia delimitando el espacio, que no se define hacia donde el pintor está mirando.  A quién observa Velázquez ¿a los reyes,  a nosotros?.  Si nos mira a nosotros, los espectadores nos convertimos en parte del cuadro, ampliando el espacio, cuarta dimensión.

Si continuamos con la observación del lienzo.

 ¿Qué vemos?

Un autorretrato de Velázquez

Don Diego Rodríguez de Silva y Velázquez se retrata ante el lienzo, de pie,  con las la paleta y los pinceles en las manos, muy bien vestido de negro y con mangas acuchilladas, en el pecho tiene pintada la cruz roja de caballero de la Orden de Santiago, concedida 1658 y mandada añadir, posiblemente después de su muerte, por el propio rey.

Y vemos  que   el pintor ha conseguido uno de sus grandes objetivos, ser nombrado pintor de Cámara, lo que tiene lugar al poco tiempo de ser llamado, en 1523,  a  Madrid por el conde-duque de Olivares para realizar un retrato de Felipe IV, rey desde hacía dos años. Quedándose y siendo nombrado enseguida pintor de cámara, lo que pone fin a su Etapa Sevillana 

 

 Velázquez se retrata, elegantemente vestido, ejerciendo su oficio de pintor, tiene esto  que ver con la polémica de los pintores del Siglo de Oro sobre el oficio de pintor. La pintura, ¿es arte o artesanía?, es decir, es un arte mecánico que requiere un esfuerzo manual o es un arte intelectual. Lo defienden como arte intelectual. La polémica se intensifica con el pleito fiscal 1626-1629 por  el que  Real Consejo de Hacienda quiso grabar a los pintores con impuestos comerciales.

Tradicionalmente los impuestos comerciales como las Alcabalas que grababa el 10% de las mercancías y transacciones comérciale, la pagaban las arte mecánicas que requerían un esfuerzo físico y exentas estaban lar arte liberaras, la medicina y la jurisprudencia.

¿Qué está pintando Velázquez?

Un retrato de la Familia Real en lo que parece una escena cotidiana, la infanta Margarita visita el taller del pintor.

La infanta Margarita, de cinco años de edad, de frente al observador ocupa centro del la composición. ¿A quién mira?  De nuevo el mismo interrogante.

Junto a ella sus dos “meninas”, María Angustias Sarmiento de Sotomayor arrodillada en postura de servicio, ofrece agua a la niña e Isabel Velazco situada a la derecha.    

Menina es un término portugués y significa “muchacha”.

En la corte de los Austrias se designaba “meninas” a muchachas de origen noble que entran en la corte para servir, acompañar a las infantas y educarlas. Formaban parte de su entorno educativo y ceremonial y aprenden las normas de etiqueta, los códigos de comportamiento y virtudes propias de una dama en la corte. Un privilegio reservado a jóvenes de alta cuna.

¿Quién es María Angustias Sarmiento?

Pertenece a la nobleza gallega, su padre es Diego Sarmiento de  Sotomayor, conde de Salvaterra y marqués de Sobroso. María Angustias  llega a la corte en 1649, como dama de compañía de la princesa Margarita. Su llegada a la corte refleja la importancia de la nobleza gallega en la corte de los Austrias en el siglo XVII.

¿Por qué es  importante la nobleza gallega en la corte de los Austrias Menores? En 1640 se produce la sublevación de Portugal para poner fin a la monarquía dual; la guerra terminara 28 años más en 1668 reinado de FelipeII, con el tratado de Lisboa que reconoce la independencia de Portugal quedándose solo España con la Ciudad de Ceuta. El territorio gallego y la nobleza gallega fue zona estratégica para la defensa y la nobleza gallega contribuyo a la defensa reclutando y financiando tropas.

Isabel de Velazco.

Continuando con los personajes, a la izquierda de la infanta Margarita, Isabel de Velazco, que a diferencia de María Angustias Sarmiento no aparece en un acto de servicio, parece que se inclina un poco y se dispone a hablar y advertir a la infanta de presencia de los reyes reflejados en el espejo del fondo. Muestra una mirada lateral y no  interpela directamente al espectador, pero tampoco permanece ajena a él. En toda su figura se percibe espontaneidad y disciplina en el entramado de su papel palaciego y su identidad personal

El servicio de palacio:

Mari Bárbola, enana de origen alemán que también mira hacia nosotros,  a su lado el enanito Nicolás de Portusanto jugando con el perro del primer plano;    detrás, casi abocetado, un hombre de negro con los brazos a quien se dirige, hablando,  doña Marcela de Ulloa que ocupa el puesto de “guarda menor de damas” desde 1643. Por último, entre luces y sombras en la puerta del fondo D. José Nieto Veláquez aposentador de la reina.

¿ Qué papel tenían los enanos en la corte?

Desde la Edad Media  las cortes de las grandes monarquías europeas tenían enanos y bufones, como signo del prestigio y magnanimidad de los reyes. Recibían un salario módico y vivían en el palacio, eran educados y vestían la con la elegancia propia de la corte como vemos en las “Meninas”. Servían para la distracción de los miembros de la familia y los visitantes.

Muchos de ellos gozaron de confianza y proximidad con los reyes.

Maribarbola, enana microcéfala cuyo rostro aparece muy iluminado en esta obra barroca puede ser el contrapese para resaltar, por contraste, la belleza de la infanta Margarita.

Marcela de Ulloa y el guarda menor de damas representa la atmósfera de vigilancia y engranaje del servicio de la corte.

El perro del primer plano, un mastín español, es símbolo de la fidelidad y la lealtad a la corona  y en la escena  representa la cotidianidad y la calma.

Por último los reyes Felipe IV y Mariana de Austria  reflejados en el espejo del fondo.

Las reina Mariana.

 Es hija de emperador Fernando III y de María de Austria, hermana de Felipe IV. Estaba destinada a ser esposa del príncipe Baltasar Carlos, su primo. Tras la  muerte del príncipe en 1664, la comprometen y la casan por poderes con su tío Felipe IV. El tenía 40 años y ella 15. Fruto de este matrimonio fue la infanta Margarita más tarde emperatriz de Austria.

Al observar el retrato de la reina Mariana vemos que la moda femenina en la corte ha cambiado, es más sencilla que en la corte de Felipe II.

 El vestido femenino consta: camisa interna, enaguas, corsé con ballenas y encima la casaca y la falda. Y cubriendo todo un gran manto. Nos llama la atención la  falda, “guarda  infantas”, que da a la figura femenina volumen en las caderas y es plana en la parte delantera y trasera.

 

Anshile GorKy. 1904- 1948. 

Un recuerdo y dos imágenes.

Nace en una familia de campesinos. Le gusta dibujar y lo hace desde pequeño. Cuando tiene siete años, su padre, para no ser reclutado, se va a América, la familia iría mas tarde. Estalla la primera Guerra Mundial y el sueño de América desaparece por el momento, será, tras la muerte de su madre, con 15 años, cuando emigra a Estados Unidos junto a su hermana pequeña.

El artista y su madre, 1926-1936

Anshile Gorky pinta este óleo sobre lienzo tomando como modelo una fotografía tomada en 1912, en la que aparecen su madre y él.

Al analizar el cuadro, vemos  sobre un fondo poco definido, algo borroso e inacabado como son los recuerdos que  tiene de su niñez, a la madre sentada de frente, con las manos separadas sobre el regazo y una prenda blanca por delante  que la hace parecer una estatua que nos recuerda una imagen religiosa medieval, el hijo, Gorky, de pie a su lado con mirada fija y tristeza en el rostro.

Las miradas fijas de los dos personajes dan a la obra un marcado carácter psicológico.

Es un lienzo que tardo años en concluir, quizás por el dolor del recuerdo de esos años de infancia y juventud  en que tuvo que huir del genocidio turco contra los armenios y la pérdida de su madre

“El abrazo” 1945

En esta obra vemos, sobre un fondo poco definido logrado mediante pinceladas con  pigmento  muy diluido, pinta manchas de color más pastosas, a las que una línea, de color negro fina y sinuosa, da forma y estructura a la composición.

Si observamos vemos:

Que las manchas de color en tonos grises, ocres, amarillo y verde crean formas orgánicas que no se someten al espacio definidos por las líneas negras si no que escapan a sus dimensiones. Lo que nos recuerda  el expresionismo abstracto.

Al observar esas manchas de color podemos interpretar el interior de una habitación  con una chimenea al fondo y dos personas que se abrazan  a la izquierda según ve el observador el lienzo; a la derecha la figura de un animal. El lirismo del conjunto y las formas biomorficas nos acercan al lenguaje surrealista de Miro.

Las manchas de color delimitadas por una fina línea negra así como esa especie de estrella que aparece en la parte inferior me llevan a pensar en la influencia de Joan Miró.

La disociación de las formas y  contornos nos recuerda a Picasso

Que observamos en esta obra:

En primer lugar, un cromatismo intenso caracterizado por colores densos que alternan con colores más diluidos; y gran sensibilidad al oponer la gama cromática de de azules, verdes y violetas de la parte superior a los tonos pajizos de la parte inferior.

En segundo lugar, un gusto por las texturas y la calidad de las pinceladas, y, es en la parte inferior del lienzo donde Gorky juega con la transparencia de una imprimación de los grisáceos.

En tercer lugar, su interés por la línea utilizada para delimitar formas imaginadas.

La obra de Gorky, de modo resumido, podemos decir que se sitúa en la línea del expresionismo abstracto iniciada por Kandinsky y Jawlensky. 

Expresionismo

 

Dos mujeres en la Corte de Felipe II: 

Isabel de Valois  y Sofonisba Anguissola. 

Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II

Retrato  pintado al óleo sobre lienzo en torno a 1561 por Sofoninba Anguisola.
Es un retrato de aparato de cuerpo entero caracterizado por la elegancia y sobriedad requerida en la Corte fe Felipe II.
Isabel de Valois, la reina, aparece de pie, apoyando ligeramente su brazo derecho sobre una columna de jade y en la mano nos muestra  un retrato   Camafeo de su esposo.   
 Pintado sobre un fondo oscuro, la reina erguida e hierática nos trasmite autoridad y poder.
 Según el protocolo de la Corte , viste  traje de terciopelo negro, cerrado de arriba abajo con alamares de perlas, las mangas abiertas y en punta, están, en varios puntos, cerradas con botones de piedras preciosas y  dejan ver unas bajomangas pespunteadas en plata y oro, rematadas con puños de encaje. Cerrando el escote la gorguera, abierta por delante, en sus puntas tiene cosidas plaquetas de oro, siguiendo la moda francesa, que introduce la reina y que se difundió por la Corte  El vestido se completa con un cinturón de  diamantes y perlas. El pelo recogido y adornado con joyas.
 El retrato realizado con una pincelada sutil, esta modelado por la luz que envuelve a la figura.
Este retrato, de la tercera esposa de Felipe II, fue durante años atribuido  a Alonso Sanchez Coello.

En este detalle,  el retrato camafeo de Felipe II, el rey viste  según el protocolo cortesano y se adorna con una cinta roja que sostiene el Toisón de Oro. Símbolo de la orden de caballería fundada en 1524 por el duque de Borgoña y de la que los reyes de España son los grandes maestrantes

Es este detalle como en el propio cuadro se aprecia  la minuciosidad del dibujo y la delicadeza de las pinceladas.

¿Quién es Isabel de Valois?

Es la segunda hija de Enrique II de Francia y Catalina de Médicis. Como era costumbre en las Monarquías Europeas, a  la princesa Isabel también se la utilizo en la Política Matrimonial de Francia.  Primero concertando su matrimonio con Eduardo VI de Inglaterra , con el objetivo de reforzar las alianzas de Francia contra la poderosa  Monarquía Hispana.  La muerte prematura del prometido en 1553,  provoca un cambio en la política  de alianzas francesa que busca el acercamiento a la Corte Hispana y se propone el   matrimonio de Isabel  con el príncipe Carlos. Los avatares políticos y las alianzas  llevan  a  la joven princesa a ser  parte del   Tratado de Cateau- Cambresis en abril 1559, y que se concierte su matrimonio y se despose,  por poderes, con Felipe II en 1560. Ella tenía 14 años y Felipe 32. 

Autorretrato con caballete. 1556. sobre un fondo negro

Sofonisba  en un retrato de tres cuarto ocupa la derecha del lienzo sosteniendo los pincelas y en la izquierda coloca  el caballete con el cuadro de tipo religioso  que está pintando. Utiliza una composición de “  obra dentro de la obra”.

Si continuamos mirando, vemos que capta un momento en que interrumpe su trabajo de pintora  y nos mira fijamente, aunando el espacio pintura observador de la obra..

En cuanto al color vemos que la artista viste de negro y se sitúa sobre un fondo negro como marca la austeridad de la moda en la corte. El espacio ocupado por la escena religiosa, es de tonos  más luminosos y coloridos, dominando rojo y azul mariano.

En este autorretrato podríamos ver una autoafirmación profesional de Sofonisma al retratarse con los pinceles y trabajando  en la elaboración  de una obra.

La Artista:

 

Nace en Cremona Italia en 1530, en una familia de la baja nobleza

Los padres, seguidores de las ideas de Castiglione sobre la educación de la mujer, la envían junto a su hermana Elena a estudiar dibujo y pintura en el taller de  Bernardino  Campi.

 ¿ Quién es Baldassare Castiglionis?

Humanista y diplomatico italiano del renacimiento coetáneo y amigo de Rafael Sanzio.  Como escritor destaca su obra "el cortesano" publicada e 1528.

Es en esta obra, en su tercer libro, Baltasar Castiglione expone su idea de educación de las jóvenes nobles. Nos dice que las jóvenes nobles no solo tienen que ser bellas y honestas sino que también tienen que tener formación en arte, pintura, literatura y música; en definitiva culta y todo ello sin ningún afán comercial.

Como hemos dicho los padres la mandan a estudiar al taller de Campi.  Cuando  Campi se traslada a Lombardia, Sofonisba entra en el taller de Bernardino Gatti, donde fue descubierta por Giorgio Varsari, que reconoció en ella la calidad como artista.

En 1559 por mediación de la Casa de Alba, es invitada a la corte de Felipe II y apartir de aquí ejerció como dama de compañía de Isabel de  Valois y maestra de dibujo de la reina

En la corte retrata al rey, a la familia real y una gran cantidad de cortesanos.

 Retratos en los que se va viendo su adaptación al retrato de corte. 

Decir también que Sofoninba en estos años no firma sus cuadros por lo que  cuadros suyos que durante mucho tiempo fueron atribuidos a otras pintores de la corte como Alonso  Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz 

Pintora de estilo clásico. Se especializó en el retrato y el autorretrato

En la corte española, trabaja con   Antonio Moro, Sánchez Coello, Pantoja de cruz y estudia  las obras de los grandes maestro de la colección real, en especial de las obras de Tiziano,  Por todo ello  en los retratos cortesanos de Sofonisba vemos la combinación de las técnicas del retrato  flamenco y la de Tiziano.

Supo mantener su propio estilo a la hora  de entender la pintura caracterizada por el modelado de las figuras a través de una pincelada sutil y una iluminación difusa que suele envolver a los personajes.

Sobre fondo plano, característica que vemos en los retratos de la Corte de Felipe, a los personajes los representa casi de frente al espectador y con una mirada directa, conectando ambos espacios.

La fama de la que disfrutó en vida no se corresponde con su reconocimiento posterior a pesar de la calidad de su trabajo.

Nunca dispuso de un taller oficial, como sí tuvieron pintores masculinos del momento, y su posición social le impidió firmar la autoría de los lienzos.

          La Reina Juana, “La Loca”. 1479- 1555.

Tres imágenes. Una historia. 

Es un retrato de reconocimiento para el contrayente,  pintado al óleo sobre tabla por   Juan de Flandes en 1496. La princesa Juana,  es una joven de dieciséis años y la pinta:

En un retrato de tres cuartos, según la costumbre flamenca, sobre fondo neutro en el que resalta, atreves del color y de la luz dirigida desde la parte superior,   una joven rubia con el cabello recogido en la nuca,  adornado con pedrería de colores, que viste un traje, sencillo, de color claro con adornos dorados.

El retrato,  con un dibujo minucioso y muy bien modelado por la luz, nos muestra ritmo y movimiento en la composición atreves de la mirada que se pierde en un punto  indeterminado a la izquierda del cuadro  mientras su   mano señala a la derecha.

¿Quién es esta joven?

Es Juana, tercera hija de Isabel de Castilla y Fernando de Aragón, los Reyes Católicos. Tercera en la línea sucesoria, pocas posibilidades de llegar a ser reina, pero acabara siéndolo; primero de Castilla en 1504, tras la muerte de su madre, y en 1516 de Aragón. El poder no lo ejerció pero del título de reina nunca fue desposeída anqué por distintas razones primero lo ejerció su marido, con el titulo de Felipe I, después su padre y por último su hijo Carlos, el emperador Carlos V.

¿Qué es un retrato de reconocimiento?

Es un retrato realista, donde el pintor intenta mostrar la realidad de los rasgos físicos  así como la personalidad e inteligencia del retratado y  su estatus social. Este que nos ocupa se encargo con motivo de los esponsales de Juana con  Felipe de Borgoña hijo de Maximiliano de Austria.  Se cree que forma pareja con el de Felipe  atribuido a Juan de Flandes. Ambos el Kursthistorisches Museum de Viena.

El retrato nos muestra a un joven con melena rubia, ricamente ataviado y luciendo el collar de la Orden del Toisón de Oro.  Orden de caballería fundada en Brujas por Felipe III el Bueno, duque de Borgoña, en1430. En la actualidad su Gran Maestre es el rey Felipe VI.

Es un retrato pintado al óleo sobre tabla, en formato tres cuarto, sobre un fondo oscuro como era la moda del retrato cortesano en Flandes a finales del XV y principios del XVI

Es un retrato realista en el que se destacan  los rasgos físicos del retratado: nariz prominente,  párpados gruesos, las pupilas de los ojos ahuecadas. Esta realizado con un dibujo muy minucioso al reproducir el  cabello, los adornos del vestido y collar, todo ello  característica de la escuela flamenca y de la pintura de Juan de Flandes.

¿Quién es Felipe el Hermoso, duque de Borgoña?

Es hijo del emperador Maximiliano de Austria.

Su matrimonio con Juana  es fruto de la política matrimonial de alianzas de los Habsburgo y Trastámara para unir fuerzas frente a los reyes de Francia.

Su padre, Maximiliano de Austria,  pactó su matrimonio con  Juana, hija de los Reyes Católicos, en el marco de la Liga Santa   que unió a la Monarquía Española con el Imperio, Portugal, Inglaterra , los ducados de Milán y Génova contra las pretensiones  hegemónicas  de Francia en Italia,1495.

¿Hermoso, por qué?

Por la frase “He aquí un hermoso  príncipe” que pronuncio el rey de Francia Luis XII, cuando la pareja en 1501, camino de Castilla, se detienen y lo visitan en el Castillo de Blois.

Anteriormente vimos que a la reina Juana nunca se las desposeyó del título de reina de Castilla y Aragón pero que nunca ejerció las funciones de reina sino que las ejerció su marido, su padre y su hijo. ¿ Por qué?. Aclaremos un poco la situación:

Isabel la Católica conocía, por sus embajadores, la intención de Felipe el Hermoso de lograr de Juana la trasmisión de los poderes reales a la muerte de su madre Isabel.

Isabel sabía también de la incapacidad de Juana para gobernar, por su enajenación mental.

 Sabía que Felipe era visto como extranjero en Castilla.

Y podría ocurrir que las Cortes Castellanas incapacitaran a Juana para reinar.

Por lo que en el testamento que dicto de octubre de 1504 estableció, que Juana seria la reina verdadera y señora natural de Castilla y reconocía a Felipe solo los honores y dignidad de consorte.

Establece también que en caso de que Juana no pudiese gobernar, bien por ausencia o bien por propia ineptitud, fuera  Fernando de Aragón, su marido, el que gobernara  en nombre de Juana hasta que su nieto Carlos (tiene 4 años) cumplirá los 20 años

 El testamento disgusto a Felipe y tras la muerte de Isabel  el 26 de noviembre de 1504.

Ese mismo día Fernando ordenaba la convocatoria de  las Cortes Castellanas, en nombre de Juana, para ser nombrado gobernador regente del Reino en nombre de su hija como recoge el testamento.

Todo esto provoca un enfrentamiento entre los partidarios de ambos hasta que en  noviembre de 1505, se firma la Concordia de Salamanca,  que  establecía que Fernando, Felipe y Juana gobernarían  el reino de castilla. Por primera vez se reconoce a Felipe como rey junto con su esposa la reina

 Ante los trastornos mentales  que se apreciaban en Juana y las presión de los partidarios de Felipe  se añade una clausula por la que el gobierno de Castilla recaería en Felipe  y  en su ausencia serian ejercidos por su suegro  Fernando de Aragón. 

Felipe es reconocido por las Cortes, como Felipe I pero muere el 25 de septiembre de 1506.

 Y hasta  que Carlos, el hijo de Juana, sea reconocido rey de los reinos de Castilla y Aragón en 1500, sucederán  varias Regencias : Cisneros y Fernando de Aragón.

 

“ Doña Juana la Loca”.1877.

Francisco Pradilla Ortiz.1848-1921

Museo del Prado 

Este Óleo sobre lienzo, recoge el momento en que la comitiva fúnebre se detiene a descansar. Es un paraje desolador y frio.  La  joven reina, tiene 26 años, vestida de luto, en el centro de la composición, de perfil, mostrando su embarazo, domina la escena.  Impasible ante el frio , vela el cadáver de su amado esposo, fallecido el 25 de septiembre de 1506. El ataúd colocado sobre unas parihuelas,  cubierto acon las armas imperiales, flanqueado en su cabecera por dos grandes velones mortuorios, a punto de apagarse por la fuerte ráfaga de viento que sopla en el paraje, levantando en la hoguera una gran humareda.

Padilla muestra en esta composición su dominio de los escenarios al aire libre, y su habilidad al diseñar la escenografía de la puesta en escena, así como su sentido rítmico. La composición se estructura en aspa (X)

Es una composición realista, con dibujo preciso, con pinceladas  precisas    y sin embargo, la técnica es libre  “Estilo Pradilla”   Es lo que podemos definir como realismo del último tercio del siglo XIX.   Pintura histórico.

Recordemos un poco de historia:

Muerto Felipe y embalsamado su cadáver por sus servidores Flamencos, es enterrado en la Cartuja de Miraflores.

Juana pasado un tiempo y recordando el deseo de su marido de ser enterrado en Granada, ordena que se desentierre, las leyes de Castilla lo prohíben cono le recuerda el Arzobispo de Burgos, ella no atiende a razones y comienza, en pleno invierno, aquel pelegrinar por los campos de Castilla.

Quizás de aquí venga el apelativo  ¡Juana la loca!.

Hércules y Ónfale. 

 Hércules, héroe mitológico de la Antigüedad Greco Romana. Es  hijo de Zeus y de los amores incestuosos con la  mortal Alcmena, lo que causo la ira de Hera. Hércules sufrirá, por ello, a lo largo de su existencia la dualidad de ser el protegido de Zeus y el que sufre la furia de Hera, que pondrá obstáculos en su camino.

El mito “ Hércules y Ónfale”   nos dice: Hércules tras matar,  de forma accidental,  a su amigo Iphitus en un ataque de locura, pide ayuda y consejo para sanarse al  Oráculo de Delfos, que lo condena a tres años de esclavitud; fue comprado por  Ónfale, reina de Lydia, que se apodero de la Maza y de la piel del león de Nemea símbolos de su valor y fuerza y lo conmino al ámbito domestico.

Ella alivió, enseguida, el castigo convirtiéndole en su amante aunque  para pasar desapercibido, el héroe debía vestir ropas de mujer, además de llevar los instrumentos de hilar.

El mito “ Hércules y Ófale” lo han recogido como tema de inspiración pintores  del Renacimiento, y, especialmente del el Barroco,  para ilustrar la idea de la dominación de la mujer sobre el hombre.

En estas composiciones, que anañlizarenos, la fuerza física es doblegada por la fuerza del deseo y la voluntad de la reina.

Pero decir que ni el héroe más fuerte puede resistirse a los encantos y la seducción de una mujer es un tópico recurrente

Analicemos algunas obras que interpreta este relato:

Hércules y Ónfale. 1 784.

Francisco de Goya.  1746- 1828

¿Qué vemos en el lienzo?

Tres personajes en un interior en penumbras,  en una composición circular. En  primer término encontramos a Hércules de perfil, sentado en  un banqueta,  enhebrado una aguja, frente a la reina Ónfale, sentada en una butaca con el costurero en la falda , cerrando el círculo una joven sostiene la espada; en primer término, a la derecha, un perro que mira directamente al espectador, algo frecuente en los cuadros de Goya.

A Hércules, el que había vencido al león de Nemea y a la hidra de Lerma, Goya lo representa de forma burlesca, y, aunque no aparece con ropas femeninas, como recoge el mito, si aparece revestido con una armadura del siglo XVI y realizando labores femeninas.

La escena está cargada de sensualidad.  Ófale , recostada en el butacón, viste un traje blanco, de tela suave y trasparente, caído y dejando al descubierto la piel blanca y luminosa de donde parece surgir la luz que ilumina la escena;  con la sonrisa  sugiere plena seguridad en su atractivo y  el poder que ejerce sobre el amante;  las piernas, entreabiertas,  las entrelaza con las de Hércules  insinuando la relación erótica entre ello. Muestra de ello es también las plumas del tocado de ambos que convergen una hacia la otra.

El cuadro se ha interpretado como una alegoría del poder de las mujeres sobre los hombres.

Tema que vemos tratado, por Goya,  en los Cartones para tapices y  en los Caprichos.

Hércules y Ónfale 1605

Pedro Pablo Rubens. 1577-1640

 Rubens, como los autores que estamos viendo,  subvierte el mito clásico.

Hércules  aparece en el centro de la composición  sentado, desnudo, sin sus armas tradicionales, entre mujeres  y  con el huso de   hilar en la mano izquierda, una tarea doméstica considerada propia de las mujeres en la época.

La reina Ónfale, sobre un pedestal, vestida de rojo, muestra  autoridad y dominio sobre el héroe  y por eso porta la piel del león de Nemea (símbolo de la hazaña heroica de Hércules) y empuña su maza, mientras con la derecha tira de la oreja de Hércules , lo que se ha interpretado como un signo de de humanización de la escena. 

 Rubens , pintor Barroco, su obras  se caracteriza por el dinamismo de la composición, la figuras exuberantes y voluptuosas llenas de vitalidad y su capacidad para mezclar lo sublime con lo terrenal.

En la escena no  exenta de cierta ironía y picardía,  un séquito de mujeres, rodean a Hércules, y  parecen divertirse con la incomodidad y la sumisión del semidiós. El dramatismo creado por el contracte de luces y sombras y la tensión muscular de los cuerpos resaltan la paradoja entre el poder y la fragilidad de la escena.

Hércules y Ónfale. 1735

Francois Boucher. 1703- 1770

Pintor  de lienzos y cartones para tapices,  grabador, escenógrafo de teatro y ópera, diseñador y decorador de interiores  en la Francia   de Luis XV

Es uno de los grandes  maestros del Rococó francés.

Escena  en un ambiente refinado y con la estética del rococó, se desarrolla  en el dormitorio de la reina donde los amantes se besan. A los pies dos amorcillos recogen la piel del león símbolo del la fuerza y valor de Hércules  y el  otro  el huso de su papel femenino, el símbolo de su cautiverio,

En una paleta de colores muy luminosa,  dominan los tonos  rosas, celestes y dorados , lo que rebaja la tensión erótica de la escena.

Influencia de Rubens,  en el tratamiento de los desnudos de ambas figuras.

Goya, 1746-1828.     Retrato femenino.

La Marquesa de Santa Cruz. 1805.

 

                                                      Óleo sobre lienzo.

                              En el Museo nacional del Prado desde 1986 

El  un formato rectangular, sobre un fondo oscuro, con una austeridad muy característica de la pintura española y por encargo de su madre la duquesa de Osuna , Goya pinta a la joven marquesa recostada sobre un diván rojo, que nos recuerda a las grandes “Venus” de la pintura. El espacio queda solo modelado por luces y sombras.

La marquesa, de  22 años de edad, viste un traje de tirantes blanco de talle alto, estilo imperio, con un generoso escote y chapines rosas. El cabello recogido con una corona de hojas y frutos aludiendo al carácter alegórico de la obra. Con la mano derecha sostiene un pañuelo blanco y con la izquierda una lira, instrumento de moda en la Europa del XVIII, aludiendo al amor de la retratada por la música.

Si continuamos la observación de la obra, tenemos que:

El vestido de gasa blanca y sin corpiño, con la utilización de luz y sombras deja intuir las formas del cuerpo, el gran escote deja casi al descubierto el pecho, el mechón de cabello rizado que cae sobre él, un chal negro que la envuelve   y el pañuelo blanco de la mano derecha, dan al conjunto un marcado carácter sensual .

Además, la marquesa nos mira de manera sensual  transmitiéndonos serenidad, ternura, inteligencia y elegancia.

En esta obra Goya:

 Ordena el espacio con planos superpuestos, definidos por el diván y el cuerpo de la retratada.

Pinta con pinceladas largas y poco empastadas, como si se tratara de una acuarela, el diván, y con más detalle y precisión la figura.

La luz que incide directamente sobre la figura crea un fuerte contracte con el fondo oscuro.

 

¿Quién es la Marquesa de Santa Cruz?

 

Doña Jpoaquina Téllez-Girón y Alonso-Pimentel, hija de los condes de Osuna. Mecenas de Goya.  Casadacon don José Gabriel de Silva- Bazan y Waldstein,marques de San Cruz.

Doña Jpoaquina Téllez-Girón y Alonso-Pimentel, hija de los condes de Osuna. Mecenas de Goya.  Casadacon don José Gabriel de Silva- Bazan y Waldstein,marques de San Cruz.

Es una joven educada,  en el seno de una familia refinada, según la filosofía de la Ilustración. Goya   ya la había pintado cuando niña en el retrato “ Los duques de Osuna y sus hijos”, donde  aparece retratada junto a su madre que la tiene cogida.

 ¿Con qué otras obras pudieron servir de inspiración?.

 

Retrato de"2 Madame Recamier de Jac – Luis Daviz

“La maja desnuda” de Goya.