Orfismo. 1911-1914.

Es una corriente estética que surge entre las múltiples vanguardias de comienzos del siglo XX, y se adscribe al movimiento abstracto.

 

Sera un movimiento artístico muy corto, de 1911-1914, pero de gran trascendencia para el arte abstracto en general.

 

Con el nombre de Orfismo lo bautiza, en 1912, el poeta Guillaume Apollinaire, término que alude a Orfeo, personaje que en la mitología griega se asocia a la música y la poesía. El término lo utilizó Apollinaire para englobar a un grupo de pintores que ,1912, exponen en la galería Der Sturm de Berlín : Delaunay, Kupka, Léger, Duchamp,Picabia, Kamdinsky. En los que se observaba como característica común, que habían introducido en el cubismo nuevas reglas relacionadas, sobre todo con la fragmentación de la luz y el color.

 

 

Sonia Delaunay-Terk.

 

 

 El orfismo se podría definir como un arte puro, capaz de relacionar el papel estético y el contenido sublime y poético de la obra de arte con la investigación científica.

 

El Orfismo, además de ser un antecedente de la Pintura Abstracta es precursor también del Arte Óptico. El uso de los colores en contrastes simultáneos hace que se generen vibraciones ópticas y así se produce un efecto de movimiento.

 

Robert Delaunay nos dice que el Orfismo es “una pintura que no tiene técnicamente más que color, contrastes de color, que se desarrollan en el tiempo y se perciben simultáneamente, de un solo golpe”.

 

No olvidemos recordar que el Orfismo es en realidad una derivación y modificación del estilo cubista en su camino a la abstracción. Comienza cuando el cubismo ha llegado a su fase sintética con el regreso al color, y se trata, en un principio de una imitación bastante superficial del mismo.

 

Con los pintores Robert y Sonia Delaunay el Orfismo evolucionara hacia formas geométricas sin ninguna referencia a la realidad.

 

Se caracteriza por:

 

• Ser una pintura abstracta que sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.
• Se interesa por la exaltación del color puro. Principalmente utiliza tintas planas con colores puros y con grandes contrastes.
• Se contraponen los colores primarios con sus complementarios para conseguir gran luminosidad en el cuadro.
• Se inclina por las formas circulares que imprimen movimiento a la composición.
• El objetivo es, mediante la forma geométrica y la asignación estudiada del color en cada una de las secciones conseguir el mayor dinamismo posible causando, incluso, sensación de movimiento en el espectador.
• No les interesa la identificación del espacio pictórico.

 

 

 

 

Portuguesa. Robert Delaunay. 1916.

 

En esta obra los elementos figurativos conviven con los abstractos al servicio del dinamismo del color.

 

Robert Delaunay (1885-1941) y Sonia Terk (1885-1979), son dos figuras fundamentales de la vanguardia que formularon un nuevo y original lenguaje abstracto, ajeno a cualquier otra tendencia, a principios de la segunda década del siglo XX.

 

 

Robert Delaunay. París, 1885-Montpellier, 1941.

 

 

Autorretrato. 1908.

 

Robert Delaunay es considerado uno de los pioneros del arte no figurativo contemporáneo.

 

 

Nace en París en 1885, comienza su trayectoria artística vinculado a la escenografía teatral, pero pronto se siente atraído por el uso del color de pintores neo-impresionistas como el puntillista Georges Seurat y por las teorías sobre del color de Chevreul.

 

Participa en los inicios del cubismo, si bien su interés por los contrastes de color y la disolución de la forma a través de la luz marcarían una nota diferente que Guillaume Apollinaire clasificaría como Orfismo en 1912.

 

Inspirado en las teorías sobre el color de Chevreul y el ejemplo de Cezanne pero sobre todo de un Kandinsky en las mismas puertas de la abstracción, realizara cuadros de gran formato dominados por las formas circulares en donde las distintas bandas se trabajan con colores intensos y contrastados, ya plenamente abstractos.

 

 

 

Esta composición, compuesta por una serie de discos de colores que entran en movimiento por la mera acción física de mirarlos dándole ritmo a la composición. Si observamos detenidamente vemos que la visión de uno se activa mediante una interacción de curvas y contracurvas, discos con círculos concéntricos de varios grosores que actúan uno contra el otro y, sobre todo, contrastando colores complementarios (rojo / verde, azul / naranja) y colores discordantes (rojo / azul, rosa / rojo, y así sucesivamente).

 

Llegar a este lenguaje de color puro fue un largo proceso que alcanzo, como venimos diciendo, por las influencias del neoimpresionismo, el fauvismo, de Cézanne, del cubismo...

 

También Delaunay se hace eco de una problemática común a muchos artistas de la época: la preocupación por la visión simultánea de los objetos, el carácter dinámico de la ciudad, el movimiento aéreo...

 

Delaunay articula una síntesis de todos estos aspectos para llegar a una nueva visión, su pintura de color puro.

 

Las series La iglesia de Saint-Séverin, La Torre Eiffel y Las ventanas simultáneas marcaron este camino que acabaría desembocando en la abstracción.

 

 

Saint Severin. 1909.

 

 

En esta obra del interior de la iglesia, se preocupa por el estudio de los elementos arquitectónicos y del espacio deformado por la vía del constructivismo y por la combinación de perceptivas y puntos de vista.

 

Vemos algunas referencias de descomposición geométrica, el suelo trabajado en facetas, y un color sobrio, cubismo analítico.

 

 

Torre Eiffel 1911.

 

 

“Esa estructura sólida, rígida de hierro, se descompone y se desmorona por la aplicación de la descomposición geométrica. Pero sobre todo por la presencia de una atmósfera que se va imponiendo a las formas. Estos desmoronamientos le valieron el nombre de periodo destructivo. Composiciones dinámicas que están en movimiento. Y que contrastan con ese carácter estático el cubismo analítico, que en este momento ya está en su fase hermética. Esa atmósfera contribuye a la descomposición, a la desintegración de esas estructuras arquitectónicas. Este va a ser el punto de partida del orfismo. Va a ir trabajando de manera progresiva, incorporando cada vez más facetas y otorgando mayor protagonismo a esa atmósfera, a esa luz, en detrimento de las formas. Ese mismo efecto destructor de descomposición de la realidad la va a llevar también al paisaje urbano.”

 

 

La villa de Paris 1910.

 

 

Si observamos la composición, vemos una representación de las tres gracias, tema tan repetido a lo largo de la historia del arte pero que en este caso se nos muestra en una visión caleidoscópica con luz intensa, brillante, trabajada en facetas como los propios elementos del cuadro.

 

Esa multiplicación cada vez se hace más intenta hasta situarnos en las puertas de la abstracción.

 

Y llegamos a “ Ventana” 1911

 

 

 

La multiplicación de facetas va a ir desintegrando el motivo, el objeto representado.

 

 

Recordar que el elemento más característico de las obras de Delaunay es el disco. Y será en 1912, fecha en la que se realizó el cuadro “ La alegría de vivir”, cuando lo incluya por primera vez.

 

 

 

Observamos forma curva, lo cual ya le diferenciaba mucho de las tendencias cubistas donde predominaban las rectas y los ángulos. Y por otro lado, lo tonos de color también se alejan del Cubismo y están más cerca de los colores empleados por los futurista, aunque sin duda la pintura de Delaunay y, en general el Orfismo, es un estilo mucho más abstracto que el Futurismo.

 

Por ultimo decir que uno de los rasgos definitorios de la pintura de Delaunay es que él solía pintar de forma improvisada sobre el lienzo, ya que pensaba que la estructura del cuadro se va creando a sí misma. Creía que la generación circular de la luz a partir de sus clásicos discos era el principio fundamental de todo lo existente. Y a partir de ella él iba creando y pintando estructuras de color densamente entrelazadas.

El futurismo. 1909 – 1916.

Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer tercio del S. XX. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en "Le Figaro", el 20 de Febrero de 1909 ,el Manifiesto Futurista.

 

 

Retrato de Marinetti. Enrico Prampolini

 

El manifiesto proclama el rechazo frontal a la tradición, y defiende un arte anticlasicista, orientado al futuro, que responda en sus formas de expresión al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

 

Al manifiesto se adhieren Umberto Boccioni, Carlo Carrà y Luigi Russolo (Milán), de Gino Severini (París) y de Giacomo Balla (Roma). Todos ellos firmaron en Milán, primero el “Manifiesto de los pintores futuristas” y posteriormente el “Manifiesto técnico de la pintura”.

 

Surge en Italia, más concretamente en la ciudad de Milán, la ciudad más desarrollada industrial y cultural de Italia; surge como un movimiento independiente, y de rebeldía, que reacciona contra la decadencia cultural en que se encontraba Italia en ese momento. En Italia el panorama artístico estaba marcado por el regionalismo y el academicismo.

 

¿ Qué circunstancias se dan en Italia para que surja aquí?

 

Italia al comienzo del siglo XX está casi estrenando su independencia y formación como nación; cuatro décadas antes, en 1861, Italia se había proclamado como nación independiente y unificada.

 

Desde unificación de la nación, la industria y el desarrollo de la economía creció vertiginosamente, y paralelamente el desarrollo social.

 

¿Pero por qué el Milán?

 

Porque las ciudades industriales del norte, con régimen liberal, como Milán Génova, o Turín , progresaron notablemente, mientras que el sur del país y las zonas las rurales se caracterizaban por la pobreza y el retraso.

 

Tenemos que tener también en cuenta que las trasformaciones técnicas e industriales cambiaron la sociedad y la cultura e impulsaron el desarrollo de las masas. Así los avances de la industria, de la ciencia y la tecnología (el teléfono, el telégrafo sin cables, los rayos-x, el cine, el automovil, el aeroplano…) cambian la mentalidad de los individuos. 

 

En definitiva este fenómeno de cambio que tuvo lugar en todo el mundo en la Italia del norte se produjo vertiginosamente. Cantidad de movimientos culturales, políticos y sociales surgen con las transformaciones tecnológicas.

 

El futurismo las utilizará precisamente como medio de expresión, primero en la literatura y después en las artes plásticas, ensalzando los valores que representan: la maquinaria, la potencia y la fuerza, la violencia y la agresividad, el dinamismo y la debacle.

 

Artistas y sus objetivos:

 

El movimiento artístico está liderado por Marinetti y por los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini.

 

Sus objetivos son crear un arte nuevo, acorde con el nuevo tiempo, la nueva mentalidad y las nuevas necesidades de la sociedad. Para ello toman como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización.

 

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre.

 

La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro.

 

 

 

 

“Dinamismo de un automóvil” Russolo. 1912

El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919.

 

Temática:

 

Querían plasmar el mundo moderno, cargado de progreso mecánico, en que la nueva sociedad urbana capitalista vivía y de la que toman su inspiración. Por ello extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. Po lo que la temática futurista fue muy variada, y en ocasiones incluso abstracta como se vemos en “La ciudad se levanta” de Umberto Boccioni.

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1910. Museo de Arte Moderno, Nueva York.

 

 

Para los seguidores del movimiento futurista lo importante no eran los temas representados sino que se representaran de los valores: agresividad, fuerza, movimiento y violencia.

 

 

 

 

"Elasticidad". Umberto boccioni. 1912.

Obra en la que apenas distinguimos figuras en el remolino de formas y colores que se representa, sino un conjunto de líneas y colores agitados.

 

Su interés por las máquinas y la tecnología les lleva a plasmar la belleza de los automóviles, las bicicletas, las factorías…

 

 

"La ciudad se levanta" Umberto Boccioni

Un tema recurrente que abarca lo formal y lo temático fue el de las deconstrucciones del movimiento, en las que prima la exhibición dinámica de un elemento cualquiera, como un ciclista o un caballo, que se agita en el entorno. Ejemplo : "Caballo rojo", de  Carlos Carrá

 

 

1913

Carrá colorea el caballo con un rojo intenso para que resalte sobre el fondo claro, mientras las líneas dispuestas como una aureola en torno al animal vislumbran la idea de la velocidad y la fuerza, tanto que se siente la vibración de la atmósfera circundante. El cuerpo del jinete aparece nítido, pero a la vez casi desmaterializado, tensado al máximo para reafirmar la potencia del corcel.

 

La figura en movimiento se descompone de forma dinámica como en una secuencia de fotogramas cinematográficos.

 

El simbolismo francés influyó mucho en el movimiento, de ahí que se haga uso de las imágenes simbólicas para expresar las emociones violentas que pasan por la mente del artista.

 

Los temas de corte político y el urbanismo también fueron frecuentes. Así mismo, empatizó con la furia de las grandes masas, la agitación popular y la revolución.

 

 

"Tumulto en la galería".1910

 

 

En esta  obra, aparece una hecatombe de personas amontonadas ante la entrada de una café. El valor del futurismo radica aquí en mostrar una situación controvertida en una calle nocturna y extraer de esa escena la agitación y la violencia, contorsionando los cuerpos y fundiéndolos con las luces urbanas, de manera que algunas de ellas se transforman en sombras violentas apiñadas.

 

 

Características estéticas del Futurismo.

 

El arte del futurismo es, en lo formal, fruto de ese deseo de expresar la energía, de deconstruir el tiempo y el espacio. Las formas y contornos, la perspectiva, la composición… están al servicio del dinamismo, de ahí que tiendan a la abstracción en el sentido en que todas los cuerpos se convierten en figuras geométricas que se agitan y vibran en un entorno indefinido.

 

La característica principal del futurismo es plasmar el movimiento.

 

 

 

El la imagen observamos como el color se halla dividido en manchas cromáticas aisladas que producen un efecto de movimiento. Balla utilizó las técnicas de descomposición del color que usaban los puntillistas para dar cuerpo a las ideas futuristas. Para retratar el movimiento, el artista repite varias veces la figura de la joven.

 

 

 

La representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

 

 

"Visión simultánea" Umberto Boccioni. 1911.

 

 

Esta pintura representa las características fundamentales del futurismo: el interés por la ciudad, la descomposición dinámica de los objetos, la relación entre la arquitectura y las figuras.

 

La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo.

La «simultaneidad» de la visión es la presencia simultánea de los objetos, figuras y fondos, todo ello puesto en movimiento, en el sentido rotatorio de un torbellino.

 

 

 

"La velocidad de una motocicleta" Giacomo Balla.

Crearon ritmos mediante formas y colores.

 

En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas.

 

 

 

El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

 

“ La calle penetra en el edificio” Boccioni. 1911

 

 

En resumen uno de las pretensiones de los futuristas , como venimos diciendo, era la captación del movimiento y el dinamismo y para ello utilizaron la descomposición de la figura; pero si el cubismo descompones la imagen en distintos planos buscando un análisis introspectivo de la realidad, los futuristas persiguen sobretodo el efecto de velocidad, de movimiento. Pero por mucho que se quiera esquematizar el movimiento sobre el lienzo de un cuadro, nunca deja de ser algo estático, con solo dos dimensiones, sobre la que se puede crear la ilusión de la tercera dimensión, profundidad, pero es muy difícil  simular una cuarta como ellos pretendían. Por ello tuvieron que matizar sus posturas y explorar la posibilidad de la línea y el punto que ya había utilizado el impresionismo y el divisionismo.

 

Y por último en el “Manifiesto Técnico de la pintura futurista” concretan que la única vía posible hacia el dinamismo era descomponer los cuerpos mediante la adición de nuevos colores y su exposición a la luz.

Gustav Klimt, 1862-1918. Secession de Viena, 1897 - 1905.

A finales del siglo XIX Viena es una ciudad cosmopolita a la que acuden artistas de todos los rincones del Imperio Austro-Húngaro. El gusto artístico que triunfa es el académico y la tradición artística, así como las novedades que van llegando del modernismo y del simbolismo francés. En este ambiente, en 1897, un grupo de artistas, de la Asociación de Artistas de las Artes Visuales de Austria,   deciden romper con el academicismo imperante en el momento, y buscan un espacio donde poder desarrollar y mostrar su arte libremente.

  ¿ Por qué la búsqueda de un espacio nuevo?

La  "Casa de los Artistas" era única asociación de artistas de Viena que organizaba exposiciones para mostrar las obras de sus miembros; exposiciones que contaban con un jurado encargado de seleccionar a los artistas que participaban y que no permitían incorporar en las muestras obras de artistas que tuvieran una visión diferente y se apartaran del academicismo , e impedían la participación de artistas extranjeros.

En 1896, en la Asamblea General de la asociación se elige presidente al pintor Eugen Felix defensor de las normas académicas, con la mitad de los votos. Estaba claro que había dos grupos claramente diferenciados en la asociación de artistas. Uno de estos grupos, formado por unos 40 artistas, entre los que estaba Klimt, Moll, Alfred Roller y Koloman Moser, en 1897, se constituyen en una organización nueva e independiente: la Asociación de Artistas Austriacos.

Este movimiento, desde sus inicios, estará apoyado por las instituciones oficiales, que piensan que podía ser un elemento de integración de las diferentes culturas del Imperio, y por la burguesía liberal que a finales del XIX viendo que no puede trasformar la vida política y social de Austria, centra sus esfuerzo en apoyar los movimientos de reforma en literatura, ciencia y arte, e impulsa a los jóvenes creadores.

Klimt fue elegido presidente de la nueva Asociación, y en palabras suyas las razones de la escisión eran:

"Es necesario establecer el espíritu de las exposiciones sobre una base puramente cultural, libre del carácter mercantil (...) y en última instancia se estimule a las esferas oficiales a que se preocupen más por el cuidado de las obras de arte"

Y los objetivos del nuevo movimiento:

"Fomentar, en primer lugar, la actividad artística, el interés por el arte en nuestra ciudad y, una vez que el mismo se haya ampliado a nivel austriaco, extenderlo a todo el Imperio"

 Objetivos del movimiento será acercar y difundir el arte moderno a los vieneses, por lo que gran parte de los beneficios obtenidos de las exposiciones se invierten en comprar cuadros de artistas modernos ,Van Gogh entre otros, y donarlos a la Galería Austriaca, así como realizar visitas guiadas a la sede de la Secession para los trabajadores los domingos por la mañana.

Al observar las pinturas de la Secessión, tal y como se lo proponían, se aprecia una ruptura casi provocativa con lo clásico. Uno de los temas recurrentes será la mujer y el erotismo, cosa que escandalizaba a la sociedad clásica de la época. Un ejemplo es el cuadros "Nuda Veritas" de Klimt (1898) en el que puede verse una provocante y expresiva desnudez. Es más, el pintar y resaltar el pelo púbico es casi una declaración de guerra al ideal clásico.

"Nuda Veritas"

El grupo pudo construirse un edificio propio , el Pabellón de exposiciones , al contar con el apoyo de importantes mecenas, entre ellos el alcalde de la ciudad, Karl Lueger, quien regaló el solar donde el arquitecto Joseph Maria Olbrich levantó el edificio de la Secessión.

El Friso de Beethoven concebido como una obra temporal para una exposición de la Secesión (1902), se exhibe hoy en día de forma permanente en la planta baja del pabellón. Las puertas de bronce de la entrada fueron diseñadas por Georg Klimt, hermano de Gustav.

Por último decir que el espíritu del movimiento se recogen con gran claridad en las palabras de su padrino intelectual Hermann Bahr:

"Queremos declarar la guerra a la rutina estéril, al rígido bizantinismo, a todas las formas de mal gusto... Nuestra Secesión no es un enfrentamiento de los artistas modernos con los viejos, sino una lucha por la revalorización de los artistas frente a los buhoneros que se las dan de artistas y que tienen interés comercial en evitar que el arte pueda florecer".

Todos estos ideales quedaron reflejados en la revista "Ver Sacrum", en ella el poeta Rilke expresaba como principios del movimiento:

"No conocemos ninguna distinción entre arte elevado y arte menor, el arte para ricos o el arte para pobres. El Arte es un bien común"

Gustav Klimt .1862-1918

Gustav Klimt nace en Viena. Hijo de un grabador y orfebre, desde niño se interesa por el arte; en 1876 ingresa en la Escuela de Artes y Oficios del Museo Austríaco de Arte e Industria, y su vida junto a la de su hermano la desarrollara en este mundo. Viajo por los países del Mediterráneo admirando el arte egipcio, griego, renacentista ..., y en Rávena se quedo impresionado por los mosaicos bizantinos y aprende su técnica.

  Al observar sus obras se ve con claridad la influencia del arte bizantino en los fondos planos, generalmente dorados,  sobre el que destacan las figuras.

La figura que más le interesa el la figura femenina a la que representa en actitudes eróticas y en la que sorprende el realismo del retrato que contracta con la exuberancia decorativas de los vestidos y la sensualidad de todo el conjunto. Su obras están marcadas por el simbolismo dentro del estilo neo impresionista, post impresionista o modernista.

Destaca en la técnica del friso, realiza obras en mosaicos y grandes vitrales todos ello dominador por el colorido que lo caracteriza y la originalidad interpretativa.

Algunas de sus obras:

"El friso de Beethoven" para la exposición Secessión de 1902.

El friso es una gran composición que narra con episodios simbólicos la salvación de la humanidad a través del arte.

Para el Friso, Klimt se inspiró en la interpretación de la Novena Sinfonía que hizo Richard Wagner en 1846 y en la letra del Himno a la alegría de Schiller, al que Beethoven puso música en el coro que cierra la obra.

"La Lluvia Dorada, Dánae"1907

Oleo sobre lienzo. Galería Welz.

 Basada en el mito griego de Dánae.

¿ Qué nos cuenta el mito?

" Danae era hija de Acrisio, rey de Argos. El oráculo había pronosticado que el hijo de Danae mataría a Acrisio, por lo que éste encerró a su hija en una torre de bronce, al cuidado de una anciana y alejada del mundo. Sin embargo, Acrisio no pudo evitar que su hija fuera seducida por Zeus, quien convertido en lluvia de oro, engendró en Danae el hijo no deseado por Acrisio. El recién nacido sería llamado Perseo y cuando el rey conoció la noticia, encerró a su hija y su nieto en un cofre y los arrojó al mar, siendo recogidos en la isla de Séfiros por Dictis, hermano del tirano Polidectes. A pesar de evitar la muerte a manos de su nieto, Perseo acabó con la vida de Acrisio, aunque fuera de manera accidental".

La representación del mito ya se había interpretado por Tiziano y Rubens.

Dánae. Tiziano.

Klimt le da una nueva interpretación, nos pinta a Dánae sola sin referencia espacial, muy sensual, misteriosa y llena encanto; rodeada de una sofisticada tela que cubre en parte su cuerpo, a su vez deja al desnudo su sensualidad y erotismo. El cabello rojo contrasta con el dorado de la piel y con el halo fascinante que representa su fecundidad. Es una mujer dormida, pero donde el erotismo está despierto.

Sorprende que estas figuras femeninas no causaran el rechazo de la burguesía vienesa J.M. Palmier nos dice:

 "La sensualidad y lo erótico están presentes por doquier en la obra de Klimt ; pero aquellas mujeres semidesnudas, aquellos cuerpos dormidos, habían sido aceptados por la burguesía y la aristocracia vienesa".

En efecto, sus cuerpos desnudos nunca provocaron polémica, si exceptuamos las obras de la Universidad de Viena y el Friso Beethoven.

Estilísticamente en esta obra encontramos las características de la obra de Klimt:

• Dibujo el minucioso.

• La línea sinuosa que domina la composición.

• Los fondos planos y la ausencia de toda referencia espacial y eliminando la sensación de perspectiva.

• El empleo de tonalidades brillantes y el contraste de la piel dorada de Danae frente a las telas oscuras que la rodean.

El resultado es una obra de gran belleza que se ha convertido en símbolo de una época.

"EL Beso" es una de sus obras más conocidas.

Oleo sobre lienzo.

La obra más famosa de Klimt , expuesta por primera vez en la Exposición de Arte de 1908 junto a " Las Tres Edades de la Mujer".

Las figuras de los amantes están representadas ante un fondo dorado y plano que recuerda los iconos bizantinos y rusos. La pareja abrazada y rodeada de una aureola dorada, se encuentra en un espacio cubierto de florecillas, que finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del abismo. El vestido, ceñido al cuerpo femenino, nos deja ver piernas, hombros y brazos. La cabeza inclinada hacia atrás y vuelta hacia el espectador se comunica con él a pesar de tener los ojos cerrados. El hombre en una postura forzada , sujeta con sus manos la cabeza de su amada, a la que envuelve con su cuerpo en actitud de dominio.

El esquema y las características estilísticamente del " El beso" se repiten en " El Amor", "La Filosofía", "el Friso Beethoven". Son obras dominada por la exuberancia decorativa, el dibujo minucioso , las líneas sinuosas, carencia de perspectiva y el dominio de los tonos dorados.

" Las tres edades de la vida". 1905

La obra recoge la representación del nacimiento, la madurez y la decadencia, y de nuevo vemos el papel preponderante   de la mujer en la vida del pintor, aludiendo a su lado femenino, lo que algunos especialistas interpretan como la rebelión de Edipo.
En esta obra se repiten las características estilísticas antes mencionadas ( dibujo minucioso, líneas sinuosas, ausencia de perspectiva ...), y observamos como propio de esta obra, tonalidades brillantes que contrastan con el fondo neutro.

" La expectación, el árbol de la vida y la satisfacción"

El industrial belga Adolphe Stoclet encargo la decoración de su villa-palacio de Bruselas a Josef Hoffman y Klimt será el encargado del diseñar de la decoración del salón comedor. Los mosaicos fueron elaborados finalmente por miembros de los Talleres de Viena.

El friso consta de nueve tablas, el motivo central del friso es el Arbol de la Vida, y además encontramos en él todos los temas que importaban a Klimt , la mujer, el amor , la muerte.... representados mediante elementos abstractos, estilizados y figurativos.

Está inspirado en los mosaicos bizantinos de Ravena y en el arte oriental.

En palabras de Klimt es "la última fase de mi etapa decorativa".

" La virgen"

En esta obra ya el tono dorado escasea y puede darse por terminada la fase dorada. Nos encontramos con un dominio de los colores azules en el vestido de la figura femenina que centra la composición, la virgen, que denota realeza, elegancia y feminidad respecto a la psicología del color .. A su lado se observa el contraste del morado con el amarillo o rubio del cabello de otra mujer que da equilibrio y brillo a la imagen.

Roy Lichtenstein. 1923 - 1997

Roy Lichtenstein pintor, artista gráfico y escultor nace en Nueva York en una familia acomodada de origen judío alemán. 

Era tímido, callado y reflexivo, y se dice que tras décadas de fama se sorprendía cuando sus obras se vendía

 .

Desde niño muestra facilidad para el dibujo, le gustan las ciencias naturales y los trabajos manuales; a menudo visita el Museo de Historia Natural con su madre. También construye numerosas maquetas de aviones. 

Su interés por el dibujo le lleva, en el verano de 1939, a matricularse en la Art Students League de Nueva York, donde tiene como profesor a Reginald Marsh.

Reginald Marsh (1898 - 1954) es un pintor estadounidense, nacido en París, su estilo se puede definir como realismo social, los temas de sus obras tratan de la vida en la ciudad de Nueva York en los años 1920 y 1930. 

 Reginald Marsh

Las clases a Roy apenas le interesan, los profesores ponen más empeño en la utilización de las técnicas pictóricas que en el proceso creativo.

De 1940-1943 estudia Bellas Artes en la Universidad Estatal de Ohio en Columbus. Tiene como profesor a Hoyt L. Sherman 

En sus obras de esta época encontramos retratos y naturalezas muertas muy al estilo de Picasso y Braque; realiza una copia de "Retrato de Gertrude Stein" (1906).

Interrumpe los estudios, de 1943-45, al ser reclutado por el ejército de los Estados Unidos para participar en la Segunda Guerra mundial.

Licenciado del el ejército, regresa a Ohio, termina la licenciatura y entra en el programa de posgrado en la Ohio State donde , más tarde, será contratado como profesor; cargo que desempeña de manera intermitente durante diez años. En estas clases pide a los alumnos que dibujen sobre papel de periódico, utilizando grandes bloques de carboncillo o ceras, objetos iluminados fugazmente, tal y como aprendió de su maestro Sherman.

Entre sus trabajos de esta época se encuentran unas esculturas de estilo precolombino, algunas talladas en piedra y otras realizadas en terracota o cerámica.

En 1950 la universidad ya no le contrata y él y su mujer Isabel se mudan a Cleveland. Ella triunfa como interiorista y él dibuja, diseña muebles, piezas mecánicas, decora escaparates… Por primera vez trabajaba con fines comerciales y entra en contacto con los objetos mundanos. En sus obras comienza a introducir contadores, válvulas, termómetros y otras piezas ajenas a los motivos canónicos.

 Estudio de la obra:

La obra de Roy Lichtenstein oscila  entre la abstracción y la figuración.

Sus primeros trabajos están determinados por el expresionismo abstracto, pero después de 1957 comienza a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas, mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Lejano Oeste . 

A partir de 1961 se dedica por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva en los que incluía personajes de Disney como Mickey, Donald o Buggs Bunny, pero en 1962 cambia su estilo para dotar a su obra de una nueva definición, mostrándose como una de las principales figuras del Pop Art. 

 Hagamos un paréntesis y recordemos brevemente ¿ Que es el Pop Art?

Es un movimiento urbano, que nace a mediados de los 50, y que se da en las ciudades más importantes del panorama artístico durante la segunda mitad del siglo XX: Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Londres, París, Düsseldorf, Roma, Milán ...

Pretende ser reflejo de la cultura de masa. De ella toma los temas, su vocabulario, sus iconos, sus recursos plásticos e incluso sus medios de difusión, convirtiendo la saturación de información y los estímulos visuales que nos asaltan a diario en el principal motor de sus trabajos. 

El Pop surge como un revulsivo al arte tradicional en su sentido más amplio (enseñanza, noción de artista, autoría e incluso la obra única) y también al expresionismo abstracto y el arte informal. 

Las técnicas que utiliza son serigrafía, el collage o el empleo de imágenes ya existentes que modifica o procesa.

Como representantes podemos destacar a Hamilton, AndyWalhol y Roy Lichtenstein.

Tras el paréntesis, decir que Lichtenstein como Warhol o Rauschenberg, también se interesa por los medios de comunicación, tomando las imágenes del cómic como punto de partida para mostrar la vida mecanizada de la sociedad. 

También se interesa por reproducir obras maestras del pasado.

Interpretación de la obra  del periodo griego helenístico " Laocoonte y sus hijos

Famoso por su aproximación irónica a la historia del arte, es en realidad un admirador de los grandes maestros del siglo XX, pero su estilo frío, cerebral y sofisticado se había desgajado de la mística de la pintura, creando un estilo francamente inconfundible.

 

En ese espíritu realizó en los 70 la serie sobre el estudio del artista, inspirada en el Estudio Rojo y el Estudio Rosa de Matisse.

 

La influencia más grande que se ve en sus obras es la de Picasso, de quien aprende sobre la forma y la composición, no se puede separar de la obra de Lichtenstein el conocimiento analítico de la forma que absorbe del cubismo.

Al analizar sus obras se observa el paso desde la pincelada emocional y espontánea de su juventud, a la simulación de los mecanismos industriales que producirian un estilo de arte  diferente que no dejaria huella, seria anónima. Para ello empleaba imágenes tomadas de revistas y libros a través de una técnica de impresión tipográfica. Al principio, copiaba, con pequeños pero significativos cambios, reproducciones de trabajos tomadas de fuentes impresas, las proyectaba en una pantalla gigante sin ninguna clase de claroscuro y así las pintaba. Lo de la huella anónima no lo consiguió. Es imposible no reconocer inmediatamente una obra suya. 

 

También señalar que el ingenio y la sutileza técnica de su trabajo como grabador, en combinación con su exquisito dibujo lineal, contribuyó en gran medida a su creciente reputación.

Lichtenstein fue el primer artista, mucho antes que Andy Warhol, que desarrolló una teoría estética que proponía transformar una copia en una obra original.

" Su viuda, Dorothy, aclara que a su marido nunca le gustó especialmente el cómic de niño. Y tampoco la etiqueta de pop. «No era un fan del cómic ni de los dibujos animados, lo que le atraía era la naturaleza del dibujo -lo más alejado de una pintura artística que puedes imaginar- y la posibilidad de transformarlo en una pintura formal con apenas unos cambios menores".

 Recorrido por algunas de sus obras:

"Look Mickey"  (1961)

Fue la primera pintura en la que se alejó por completo del expresionismo abstracto y el inicio del Lichtenstein pop

 Öleo sobre lienzo

 La obra muestra a Pato Donald y Mickey Mouse pescando en una escena que el artista cogió de un libro ilustrado sobre personajes de Disney que leía a sus hijos.

Un imperfecto pato Donald hablando al ratón Mickey de trazos dubitativos, provoca en el artista un deseo de ruptura con todo lo que había pintado antes y será precursor de un estilo que trato temas banales y adoptó los métodos de reproducción mecanizada: las tramas de puntos utilizadas en la imprenta, los colores básicos de la paleta en su versión más estridente y tan comunes en los anuncios comerciales de la época, los gruesos contornos que suelen delinear las clásicas figuras del cómic.

 ¿ Cómo nos dicen que lo realizaba? 

En las primeras obras los pinta a mano, pero después adopta un sistema de plantillas. A partir de un dibujo dado, de un cómic, hace un boceto con las formas básicas y los colores, lo traslada con un proyector sobre un lienzo de gran tamaño y, una vez allí, utilizando las tintas de la imprenta, la cuatricromía de amarillo, rojo, azul y negro sobre blanco, hace primero los puntos, después las zonas de color y, por último, los contornos, con un ayudante, como hacían los clásicos.

  "Drowning girl"

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Es una obra de 1963, pintada sobre tela al óleo y pintura de polímero sintético.

Nos narra el drama de la chica luchando entre las olas y vemos sus pensamientos en un globo de dialogo al estilo de los libro de cómic tan populares en los EE UU a de principios de los sesenta . 

Se considera que se encuentra dentro del movimiento artístico conocido como arte pop

Al observar detenidamente la imagen vemos que también nos recuerda " La gran ola" de Kanagawa 

 

 Lichtenstein reconoció que la ola es una adaptación de " La gran ola" de Kanagawa.

" Whaam" (1963)

Parodia el estereotipo de las historias de cómic de la Segunda Guerra Mundial, tan populares en la postguerra.

 "'Whaam!' se basa en una imagen de 'All American Men of War ", publicado por DC Comics en 1962.

"A lo largo de la década de 1960, Lichtenstein se baso con frecuencia en fuentes de artel comercial como imágenes o anuncios cómicos, atraídos por la forma en que el materia altamente emocional podría representarse mediante técnicas independientes. Transferido a un contexto pintura, Lichtenstein podría presentar escenas cargadas de fuerza de una manera impersonal, dejando al espectador descifrar los significados por sí mismos. Aunque tuvo cuidado de mantener el carácter de su origen, Lichtenstein exploró también las cualidades formales de las imágenes y técnicas comerciales. En estas obras como en 'Whaam! ", se adaptó y desarrolló la composición original para producir una pintura intensamente estilizada. " TEXTO TATE MODERN

 «Lo que le interesa es copiar modos mecánicos de reproducción: ni siquiera cuando pinta desnudos usa modelos, coge las figuras femeninas de cómicas y las desnuda, quiere pintar pinturas que parezca que están impresas o realizadas mecánicamente aunque, en realidad, siempre se ve la mano del autor» Tate Modern 

 En 1961 Lichtenstein empezará a usar una pantalla de metal hecha a mano y un rodillo de pintura para obtener el efecto de los puntos Benday.

 Abandona el tema de los dibujos de Disney y empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domésticas. 

La obras las presenta en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. 

Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras.

"The Engagement Ring", "Girl with Ball" o "The Refrigerator" fueron parte de esta nueva colección en que comienza a transformar las fórmulas del cómic en un lenguaje pictórico. 

  "Girl with ball" (1961)







 Óleo sobre lienzo

Lichtenstein tomó la imagen de la muchacha con la bola directamente desde un anuncio de un hotel. Transformó la imagen fotográfica, dándole la versión de un pintor de cómic.

La producción de obra colorista inspirada en las historietas del cómic durara tres años de su carrera, aunque su proyección sigue muy viva en la cultura popular de nuestros días.

 "Golf ball" (1962)

 


" La mujer en el baño" 1963

 Mujer en el baño, del Museo Thyssen-Bornemisza, fue pintada en 1963, inspirándose seguramente en alguna secuencia sacada de folletines amorosos. 

El tema de la mujer en el baño,es  frecuente en la historia del arte en forma de Baño de Venus, y fue una imagen habitual entre los artistas pop. La figura de la mujer, con los perfiles delimitados por unas gruesas líneas sobre fondo blanco, está pintada con un cromatismo elemental de colores primarios azul, amarillo y rojo, aplicados con los característicos puntos benday.

 "Head with blue shadow" (1965)

En 1965 el interés por la sombra y la luz, que le llevó a esculpir cabezas de cerámica. 

Sobre ello en 12967 decía:

 “Siempre quise caracterizar a alguien como en un cómic. Iba a maquillar a una modelo con líneas negras alrededor de los labios, puntos en la cara y una peluca teñida de amarillo y negro. Estaba interesado en llevar los símbolos de las dos dimensiones a un objeto en tres dimensiones”.

La mujer protagonizo gran parte de la producción pictórica de Lichtenstein a mediados de los sesenta . Las representa en diferentes actitudes: unas veces como amas de casa, en ese papel que acepta sonrientes en un mundo dominado por los hombres; otras, como protagonistas de dramas pasionales en los que reflejan expresiones de ansiedad, nerviosismo y miedo. Con esa imagen no pretende más que reflejar plásticamente su necesidad de acercarse a un nuevo ideal:

 «Las mujeres se pintan así; haciendo uso del verdadero maquillaje. Se ponen los labios de una cierta manera y peinan su pelo para parecerse a un cierto ideal». 

 El estudio de sus admirados Picasso, Matisse o Monet se traduce en aproximaciones artísticas que incorporan elementos del futurismo, el surrealismo o el impresionismo, sin abandonar esos puntos que se convirtieron en su enseña y que siguen presentes, aunque menos nítidos, en los desnudos que realizo en los años noventa, cuando recupera  aquellas heroínas del cómic, aunque en una pose más sensual e incluso erótica.

 En 1974 realiza los primeros trabajos influenciados por el Futurismo italiano. Entre 1971 y 1976 realiza  serie de ‘Entablatures’, usando colores metálicos y mezclando la pintura con arena para destacar la textura superficial

El entablamento es un elemento arquitectónico que se coloca en posición horizontal por encima de las columnas de un edificio. Con origen en la arquitectura de la antigua Grecia. A pesar de la aparente referencia a la arquitectura griega antigua estas obras son muy personales y lo apartan de todo lo que hasta ese momento había realizado.

En los setenta, los ochenta y los noventa  se dejo influirpor el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. Destacan la serie de pinturas basadas en obras de autores surrealista como Dalí, Ernst o Magritte.

 La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como:

 "Landscape in fog" (1996).





"Landscape with Boat" 1996



 

 En estas litografías siguiendo la tradición china de la Dinastía Song hacer su propia composición y nos pinta un paisaje. En Landscape with Boat, puedes ver un pequeño barco. Es muy conmovedor por la escala desproporcionada entre el mar y la figura. Por otro lado, esta imagen es de verdad bastante abstracta.

 Por último hablar de la serie pincelada:

"Brushstroke" (Pincelada)

 

 Es de 1996, realizada en aluminio y pintura. Técnica: Soldadura

Brushstroke (Pincelada) es una escultura monumental que trata el tema del oficio de pintor, como el título indica, vinculada a la rerie de pinturas que Lichtenstein realizó en 1965 en referencia al Action Painting a través de la pincelada gestual que caracteriza al expresionismo abstracto. 

 A partir de los años ochenta, Lichtenstein adapta la temática del brochazo a las tres dimensiones mediante maquetas, esculturas de medio tamaño y formatos monumentales.

Mediante esta obra, erige un gran signo plástico que parodia, de forma irónica, un estilo pictórico caracterizado por la introspección, el subjetivismo y el gesto personal y espontáneo del pintor. En la escultura monumental este gesto queda desnudado, mecanizado y reducido a su mínima expresión como signo. Por otro lado, la obra documenta la tendencia monocroma, en contraste con el cromatismo asociado al arte pop, del último período productivo del artista.