Goya
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ANDERS ZORN
Hace 1 semana
lunes, 9 de mayo de 2011
viernes, 6 de mayo de 2011
domingo, 1 de mayo de 2011
El tríptico “La esperanza del condenado a muerte"
El tríptico “La esperanza del condenado a muerte” es un homenaje al anarquista catalán Salvador Puig Antich, ejecutado por el método del garrote vil a finales del franquismo, por pertenecer al MIL (Movimiento Ibérico de Liberación).
Lo pinto Joan Miró el año 1974, al conocer la ejecución del anarquista catalán
Joan Miró era partidario de la republicana , como lo demuestra su participación en pabellón español de la Feria de París de 1937, junto a Picasso, Julio González entre otros.
En esta obra Miró se muestra crítico con la situación política del momento, y se posiciona en favor de la libertad y explora nuevos caminos.
El Régimen de Franco lo ignoró por completo, a pesar de su triunfo y reconocimiento internacional . Solo a partir de la exposición antológica que organizó el Ayuntamiento de Barcelona en el año 1968, empezó a romperse el cerco de silencio que se había establecido en torno a él.
Sobre el trípticos las palabras de Joan Miró recogidas en el catálogo de la exposición de la Fundación “Libertad y Esperanza”, del año 1986:
"(...) Hace años, en una gran tela había pintado un trazo, un pequeño trazo blanco; en otra, un trazo azul. Y luego, un día, sucedió... en el momento en que dieron garrote a ese pobre muchacho, catalanista, Salvador Puig Antich. Yo sentía que era aquéllo. El día que le mataron. Terminé esta tela el día en que le mataron. Sin saberlo. (...)
Su muerte. Una línea que iba interrumpirse. Es un tríptico, que llamé La esperanza del condenado a muerte. No era en absoluto una coincidencia intelectual "
Si observamos:
Miró utilizada línea como camino abierto. Es una línea que no se cierra en sí misma, que no cierra nada ni limita.
En la obra:
Joan Miró (Grandes Biografías) , editada por Ediciones Rueda J.M. S.A. en el año 2000 - Páginas 177 y 178, se recogen la palabras del artista:
“Detesto la línea cerrada, la línea que gira sobre sí misma. Un día, mirando mi último intento, me abandonó la incomodidad, que fue reemplazada por la alegría. Cogí el pincel y dibujé la línea de un solo gesto. Pero no la consideré definitiva sino hasta después de otro mes de silencio"
Para saber más, el video de TVE
Joan Miró era partidario de la republicana , como lo demuestra su participación en pabellón español de la Feria de París de 1937, junto a Picasso, Julio González entre otros.
En esta obra Miró se muestra crítico con la situación política del momento, y se posiciona en favor de la libertad y explora nuevos caminos.
El Régimen de Franco lo ignoró por completo, a pesar de su triunfo y reconocimiento internacional . Solo a partir de la exposición antológica que organizó el Ayuntamiento de Barcelona en el año 1968, empezó a romperse el cerco de silencio que se había establecido en torno a él.
Sobre el trípticos las palabras de Joan Miró recogidas en el catálogo de la exposición de la Fundación “Libertad y Esperanza”, del año 1986:
"(...) Hace años, en una gran tela había pintado un trazo, un pequeño trazo blanco; en otra, un trazo azul. Y luego, un día, sucedió... en el momento en que dieron garrote a ese pobre muchacho, catalanista, Salvador Puig Antich. Yo sentía que era aquéllo. El día que le mataron. Terminé esta tela el día en que le mataron. Sin saberlo. (...)
Su muerte. Una línea que iba interrumpirse. Es un tríptico, que llamé La esperanza del condenado a muerte. No era en absoluto una coincidencia intelectual "
Si observamos:
Miró utilizada línea como camino abierto. Es una línea que no se cierra en sí misma, que no cierra nada ni limita.
En la obra:
Joan Miró (Grandes Biografías) , editada por Ediciones Rueda J.M. S.A. en el año 2000 - Páginas 177 y 178, se recogen la palabras del artista:
“Detesto la línea cerrada, la línea que gira sobre sí misma. Un día, mirando mi último intento, me abandonó la incomodidad, que fue reemplazada por la alegría. Cogí el pincel y dibujé la línea de un solo gesto. Pero no la consideré definitiva sino hasta después de otro mes de silencio"
Para saber más, el video de TVE
Te puede interesar para entender la Guerra Civil Española
martes, 26 de abril de 2011
Rubens. Tarea
Visto el vídeo " Rubens, la eclosión del Barroco", y leída la información que aparece a continuación, realiza un resumen sobre la vida de pintor.
lunes, 25 de abril de 2011
Caravaggio
Tarea:
http://www.artehistoria.com/arte/videos/767.htm
http://www.artehistoria.com/arte/videos/767.htm
Pinchamos en el enlace, vemos el vídeo, leemos la información y analizamos la imagen siguiendo el esquema de clase
sábado, 16 de abril de 2011
Fuente de Los Peces y su gazapo. Almería
Texto:
“Fuente de Los Peces" Jesús de Perceval (1915-1985) diseñó en 1957 la Fuente de Los Peces en colaboración técnica con el también ilustre almeriense Guillermo Langle (1895-1981).
Para su diseño, se inspiró en el trono de la Virgen del Mar, Sacra Patrona de la Ciudad de Almería.
El monumento rinde homenaje al mar a través de las tres cabezas de pez que se disponen a lo largo del perímetro interior del borde y de la escultura central compuesta de seis peces distribuidos en dos plataformas a distinta altura. La sustentación de ambas plataformas recae en tres columnas de arte toscano. Para su realización se empleó mármol blanco de Macael.
La ubicación del monumento obedeció a una decisión estratégica: dar realce a la calle Real, principal arteria de tránsito y de comercio, y al único parque de Almería de aquella época.”
Si eres curioso, lees atentamente el texto, observas los elementos de la fuente y repasas lo aprendido en clase ¿Encontraras un gazapo? ¿ Cuál?
Pincha sobre el texto para ampliarlo
Jesús Pérez de Perceval del Moral, fue un pintor y escultor nacido en Almería en 1915 y fallecido 1985. Es considerado uno de los artistas almerienses importante del siglo XX, y uno de los fundadores del “ Movimiento Indaliano”
Os dejo un video sobre este movimiento artístico
martes, 12 de abril de 2011
Renacimiento Español.
Preparamos el Examen, comentando las láminas.
Recuerda seguir los pasos del esquema. Para los que anden perdidos de forma resumida seria: clasificar, analizar, enmarcar en el contexto histórico, hablar del autor y sus obras y relacionar.
lunes, 11 de abril de 2011
Escultura Barroca. Repaso
Preparamos el control del jueves analizando las tres imágenes. No olvidéis seguir los pasos del esquema.
EL ARTE BARROCO: URBANISMO Y ARQUITECTURA
jueves, 31 de marzo de 2011
La técnica del Pastel
Comencemos con un poco de historia
Algo más simple que nos puede llevar a practicar.
Algo más simple que nos puede llevar a practicar.
sábado, 26 de marzo de 2011
Rafael Sanzio. 1483- 1520
Nació en Urbino, en 1483 , en la corte del Duque Federico Monteferto.
Hijo del pintor Giovanni di Sante di Pietro con el que se inicia en los rudimentos de la pintura. Tras el fallecimiento de su padre, Rafael pasa por varios talleres hasta llegar al taller el Perugino, en Perusia, su gran maestro.
Recordemos que las obras de Perugino se caracterizaban por las composiciones simétricas, los paisajes amplios, la dulzura de los personajes, los peinados de sus vírgenes, y la sobriedad de los ropajes.
Características todas ellas acorde con el ambiente austero que predicaba Sabonarola en Florencia, y que se pusieron de moda estos años.
El ambiente artístico y cultural que impera en el Urbino de los Montefelto, la influencia de su padre y la de Perugino es lo que apreciamos en las primeras obras de Rafael .
Obra de este periodo son:
Los desposorios de la Virgen, Las Tres Gracias y el Sueño del Caballero.
Trabajos, todos, bajo la influencia de Perugino, con composiciones simétricas, estáticas y dotadas aún de cierto quattrocentismo.
Antes de continuar, realicemos un breve estudio de las obras:
Los desposorios de la Virgen.
Obra realizada al óleo sobre tabla, fue encargada a Rafael por la familia Albizzini, para la iglesia de San Francisco en Città di Castello, donde decoraría la capilla de los desposorios, en la actualidad se encuentra en la Pinacoteca de Brera en Milan.
Al observar la obra, enseguida recordamos” la Entrega de las llaves” que Perugino pinto al fresco en la Capilla Sextina
En ambas las semejanzas en cuanto a perspectiva, composición, simétrica y elegancia son claramente perceptibles, pero el alumno ha superado al maestro simplificando la composición y logrando conectar más las figuras con el espacio circundante, al colocar las figuras del primer plano en un friso horizontal con una leve curva hacia el exterior, curva que repite en la columnata del templete pero que es hacia el interior del cuadro, creando un ritmo de curva, y contra curva, que a su vez se conectan por medio de las líneas de perspectiva del pavimento, que además actúan regulando los intervalos entre las cabezas y los intercolumnios, dándonos una composición armónica
Llama la atención igualmente la presencia del templete circular al fondo de la escena, por encima de los personajes.
Templete que posee todos los rasgos de la arquitectura renacentista: planta central, arcos de medio punto, proporciones basadas en el cuerpo humano, accesibilidad e iluminación natural...
Este tipo de templo simbolizaba la perfección divina, que a su vez es la que representa la Virgen sin pecado, o el mismo sacramento del matrimonio que es el tema de la obra.
El Sueño del caballero y las Tres Gracias formarían un díptico encargado por un importante noble italiano a Rafael al poco de llegar el artista a Florencia, y que recogen una escena alegórica sobre la vida virtuosa o la vida placentera.
Las Tres Gracias:
Las tres figuras simbolizarían las Hespérides, ofreciendo la eternidad a los afortunados elegidos. Las Gracias se insertan en el paisaje, iluminadas por un potente foco de luz que acentúa la belleza de sus cuerpos, cubierto el de la derecha con un velo transparente, mientras que sus compañeras aparecen desnudas.
Las Gracias están inspiradas en las esculturas clásicas, y se presenta interpretando una danza, con la que Rafael incorpora el movimiento a la composición, alejándose del estatismo de la escuela de Umbría.
Destacar que ya se empieza a ver la in fluencia de Leonardo en la suavidad y dulzura que caracteriza a la obra
La inspiración en la elección del tema pudo estar en los camafeos o medallas antiguas, y en las escenas mitológicas que Botticelli había pintado para los Medici.
El sueño del caballero
El caballero es una figura alegórica que representaría a Escipión el Africano.
En la obra nos llama la atención:
La organización de la composición mediante de un entramado de líneas sinuosas que contrastan con la rigidez vertical del árbol central
El dibujo firme y seguro
El colorido brillante, la limpieza del aire que envuelve a los personajes y la profundidad otorgada por el paisaje muestran aun la formación umbra del artista.
Rafael en 1504 se traslada a Florencia donde permanecerá cuatro años, años decisivos en su formación, aunque no es un periodo en el que consiga grandes encargos.
Su clientela florentina, el tema que más le demanda es el de la Virgen con el Niño, convirtiéndose Rafael en el gran creador de Madonnas, creando un estilo propio, estilo que serán imitadas por diversos autores como por ejemplo el español Luís de Morales
En sus cuadros de Vírgenes vemos claramente la influencia de Leonardo, por sus composiciones triangulares, y la asimilación del sfumato
La creación más importante del período florentino es El Santo Entierro, en la que se revela impresionado por el dramatismo de Miguel Ángel y donde nos muestra ya su dominio en el arte de componer.
Pero el gran encargo público que él esperaba no le llegó, y cuando es llamado por el Papa Julio II a finales de 1508, posiblemente por consejo de Bramante, se traslado a Roma.
En Roma trabaja en la decoración de los aposentos privados del pontífice Julio II, que había elegido el segundo piso del palacio de Nicolás III, en el Vaticano, para establecer su residencia.
La Estancia de la Signatura, despacho y biblioteca del pontífice, fue la primera sala decorada por Rafael entre 1508 y 1511, en estos años Miguel Ángel trabajaba en la Capilla Sixtina.
El programa icnográfico de la sala , se relaciona con la función que tenia la sala y con la personalidad de Julio II , por lo que recoge una concordancia entre el saber antiguo y el saber logrado por la revelación cristiana.
Cuatro son las escenas pintadas al frescos en la sala : “la Escuela de Atenas” , Disputa del Sacramento, el Parnaso , y las Virtudes.
Comenzó Rafael pintando la Disputa de los Sacramentos
En ella se recoge la verdad revelada por Jesucristo, lo que es celebrado por el conjunto de los teólogos, doctores de la Iglesia y Santos que forman un semicírculo en dos zonas superpuestas
Todos los personajes intervienen animadamente lo cual supone una novedad, no menos novedosa resulta la escena de la Escuela de Atenas, donde con la presencia de filósofos y sabios de la Antigüedad se celebra la búsqueda racional de la verdad, que en aquellos años de apertura a la sabiduría antigua, se compenetraba con la verdad revelada por el cristianismo
En un marco arquitectónico inspirado en el proyecto de Bramante para el nuevo San Pedro, y en la nave central, rodeados de personajes, destacan las figuras de los dos grandes filosofor de la Antigüedad, Platón, que señala con la mano al cielo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles con ellas vuelta hacia la tierra y sosteniendo su "Ética", representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo griego: el idealismo y el realismo.
Ambos personajes dialogan y avanzan ante un grupo de figuras que forman un pasillo.
Tras finalizar Disputa del Sacramento, Rafael, recibió el título de "scriptor brevium" gracias al cual podía modificar los trabajos de pintores anteriores y decorar las Estancias a su gusto y pinto:
Sala de Heliodoro
Segunda estancia que pinta, destinada para las audiencias privadas del pontífice. El tema escogido para este ciclo de frescos es el poder protector del papado, la Iglesia como institución que impone la paz.
Sala del Incendio del Borgo
Esta tercera sala Julio II la utilizaba para las reuniones del más alto tribunal de la Santa Sede. Aunque el Incendio del Borgo se basó en el diseño de Rafael, fue ejecutado por sus ayudantes, especialmente Penni, que ejecutaron tres de los frescos tras su muerte.
Una de las facetas más desconocidas de Rafael es la de arquitecto; amigo personal de Bramante, fue el encargado de continuar las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano cuando Bramante fallecer en 1514, obras que continua Miguel Ángel y a las que pone fín Maderno.
El 6 de abril de 1520 falleció Rafael en Roma, a los 37 años.
jueves, 17 de marzo de 2011
Magdalena Abakanowicz
Gracias a Ángeles, sabemos que esta obra que vimos en la Tate Modern de Londres, es de Magdalena Abakanowicz
Magdalena Abakanowicz nació en Polonia, cerca de Varsovia.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, 1950-1955. Es Doctora honoris causa por la Royal College of Art de Londres y la Academia de Bellas Artes en Lodz, Polonia.
Comenzó a trabajar como pintora, aunque destaca como escultora, en sus obras trabaja con tejidos de fibras naturales, arcilla, madera, el bronce ... Son grupos escultoricos con figuras de gran tamaño que se las denomina "Abakans".
Cuelgo un video donde podéis ver sus obras. Cuando conozca más la vida y obra de Magdalena , lo publicare.
viernes, 11 de marzo de 2011
La pintura Veneciana
"La bacanal" TizianoAl estudiar la pintura del Renacimiento Italiano no nos podemos olvidar del desarrollo artístico de Venecia, una de las ciudades más prósperas de la época. Ciudad que gozaba de un enclave comercial estratégico, con una supremacía absoluta en los intercambios comerciales entre Oriente y Occidente, y con una burguesía acaudalada que controlaba los destinos de la ciudad.
En este contexto de prosperidad y desarrollo, es en el que tenemos que estudiar la pintura Veneciana.
En la Pintura Veneciana podemos enunciar tres elementos comunes en sus pintores:
Primero, el abandonando paulatino de la tabla como soporte para pintar , y su sustitución por el lienzo, encontrándonos desde mediados de siglo XV con el óleo aplicado sobre el lienzo ya prácticamente generalizado.
En la Pintura Veneciana podemos enunciar tres elementos comunes en sus pintores:
Primero, el abandonando paulatino de la tabla como soporte para pintar , y su sustitución por el lienzo, encontrándonos desde mediados de siglo XV con el óleo aplicado sobre el lienzo ya prácticamente generalizado.
Segundo, la búsqueda del espacio tridimensional en el cuadro mediante la perspectiva lineal en el siglo XV, que se ira sustituyendo por la perspectiva aérea a lo largo del XVI.
Por ultimo, la característica más destacada de los pintores del renacimiento venecianos es, sin duda , la importancia que dan al color, que suele aplicarse con pincelada gruesa y pastosa y preferentemente con tonos luminosos, muy cálidos, acordes con la peculiar luz de la ciudad, “ luz veneciana”.
martes, 8 de marzo de 2011
domingo, 6 de marzo de 2011
¿Su autor?
Se expone en la Tate Modern, Londres. No consigo recordar al autor, si por casualidad veis la entrada y lo conocéis, decírmelo, me gustaría aprender algo de su obra. Gracias
viernes, 4 de marzo de 2011
Anish Kapoor, en Kensingto Gardens
Los días en Londres nos traen a todos imágenes y recuerdos, ¿os acordáis?
En la foto la obra de Anisk Kaoor titulad "Sky Mirror, Red 2007" (Cielo de espejo, rojo), tomada en el Kensington Gardens .
Forma parte de la Exposición "Invirtiendo el Mundo"
Anish Kapoor (Bombay, India, 1954) es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de los 70, cuando se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.
Os dejo un comentario de José Marin Medina ,sobre la obra.
"En las esculturas soberbias y misteriosas (especialmente por sus espacios ambiguos, dotados de una imprecisa e hipnótica profundidad), esculturas realizadas en acero, aluminio, madera, fibra de vidrio, pintura para automóviles, goma, cera y grasas, Kapoor nos sitúa ante unos universos redondos, ante unos mundos circulares que se declaran en permanente aurora o estado de creación, y cuyas formas resultan al mismo tiempo telúricas, mecánicas y, en especial y sorprendentemente, orgánicas. Ese raro carácter orgánico queda subrayado por la tonalidad uniforme de su color, el rojo cereza o rojo sangre, que hace referencia a otro de los símbolos preferentes de la poética de su autor: el interés por el cuerpo humano y su interior, así como por las heridas, que para Kapoor equivalen a “fracturas” o lugares de especial revelación del subconsciente humano -que se debate entre las sensaciones y las emociones-, sitios en que la intimidad del cuerpo y de la persona se abre a la experiencia exterior, pública. "
También vimos obras Anish Karpoor, en la Tate Britaiin
En la foto la obra de Anisk Kaoor titulad "Sky Mirror, Red 2007" (Cielo de espejo, rojo), tomada en el Kensington Gardens .
Forma parte de la Exposición "Invirtiendo el Mundo"
Anish Kapoor (Bombay, India, 1954) es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de los 70, cuando se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.
Os dejo un comentario de José Marin Medina ,sobre la obra.
"En las esculturas soberbias y misteriosas (especialmente por sus espacios ambiguos, dotados de una imprecisa e hipnótica profundidad), esculturas realizadas en acero, aluminio, madera, fibra de vidrio, pintura para automóviles, goma, cera y grasas, Kapoor nos sitúa ante unos universos redondos, ante unos mundos circulares que se declaran en permanente aurora o estado de creación, y cuyas formas resultan al mismo tiempo telúricas, mecánicas y, en especial y sorprendentemente, orgánicas. Ese raro carácter orgánico queda subrayado por la tonalidad uniforme de su color, el rojo cereza o rojo sangre, que hace referencia a otro de los símbolos preferentes de la poética de su autor: el interés por el cuerpo humano y su interior, así como por las heridas, que para Kapoor equivalen a “fracturas” o lugares de especial revelación del subconsciente humano -que se debate entre las sensaciones y las emociones-, sitios en que la intimidad del cuerpo y de la persona se abre a la experiencia exterior, pública. "
También vimos obras Anish Karpoor, en la Tate Britaiin
Todos nos reflejamos y nos divertimos
De la obra me llamo la atención, los reflejo metálico, que nos impiden saber con exactitud la dimensión, el principio y final del volumen, y que realmente no sabremos diferenciar entre lo reflejado y metal.
De regreso, "que felices", nos gusto a todos.
martes, 1 de marzo de 2011
Donato Bramante 1444-1514
Nació el año 1444 cerca de Urbino, en aquel momento, Urbino, era un señorío independiente en una Italia formada por un sinfín de micro-estados, muy distinta a la que hoy conocemos.
Al principio se formó como pintor.
En 1482 se instaló en Milán y comienza su carrera como arquitecto.
Su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Satiro (1488, Milán) es novedoso, pues consiguió resolver las dificultades que presentaba el solar, creando la ilusión de espacio (coro) con un juego de perspectiva o trampantojo , que falsea las proporciones de la iglesia y crea una sensación de profundidad insólita ( por primera vez en arquitectura).
Santa Maria es un edificio de tres naves con bóveda de cañón y cúpula en el cruce.
Otra obras importante, realizada en Milán, es la cabecera de la Iglesia de Santa María delle Grazie (1492-1495), donde muestran la influencia de Leon Battista Alberti y del renacimiento florentino, pero sobre todo la de Leonardo da Vinci, del que tomó las plantas centralizadas rescatadas de la antigüedad como modelos ideales para el nuevo clasicismo humanista.
En 1499 tras la caída del duque Ludovico Sforza Bramante se traslada a Roma, donde trabaja para el papa Julio II.
En Roma influenciado por las ruinas de la antigüedad clasica, evoluciona hacia un estilo más monumental y austero.
En 1499 tras la caída del duque Ludovico Sforza Bramante se traslada a Roma, donde trabaja para el papa Julio II.
En Roma influenciado por las ruinas de la antigüedad clasica, evoluciona hacia un estilo más monumental y austero.
Una de sus primeras obras romanas es el Templete de San Pietro in Montorio (1502)
Al año siguiente (1503) es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y el proyecto de la nueva Basílica de San Pedro del Vaticano
Al año siguiente (1503) es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y el proyecto de la nueva Basílica de San Pedro del Vaticano
El proyecto para la basílica de San Pedro consistía en un gran templo centralizado de planta cuadrada, cubierto por una cúpula central, cuatro cúpulas en los ábsides y cuatro torres en las esquinas. Proyecto que solo llegó a comenzar y que sería más tarde continuado y modificado por Rafael y Miguel Ángel, para ser concluido en el s. XVII por Carlo Maderno que extendiendo la nave de acceso hasta generar una planta de cruz latina, siguiendo la ideología litúrgica de la contrarreforma, pero echando a perder la armonía del espíritu bramantino.
Bramante consiguió fundir con éxito los ideales de la antigüedad clásica y los de la cristiandad, al tiempo que su grandeza, su expresividad y su dramatismo espacial seran los cimientos del barroco del siguiente siglo.
Bramante consiguió fundir con éxito los ideales de la antigüedad clásica y los de la cristiandad, al tiempo que su grandeza, su expresividad y su dramatismo espacial seran los cimientos del barroco del siguiente siglo.
Murió en Roma el 11 de marzo de 1514
SAN PIETRO IN MONTORIO
En 1502 los Reyes Católicos, para conmemorar el fin de la Reconquista con la toma de Granada (1492), le encargan la realización de un templete en el patio de un convento franciscano que se levantaba en la colina del Janículo de Roma.
El templete señalaría el lugar exacto en el que, según la tradición medieval, había sido crucificado San Pedro. Hoy se sabe que esa tradición era errónea y que el primer Papa fue crucificado junto al circo de la colina del Vaticano.
Grabado de alzado, planta y sección. Se puede ver la cripta bajo el templete
Bramante diseño un templete circular sobre una cripta inferior en la que se conserva la roca con el hueco en el que se suponía que fue encajada la cruz de San Pedro. Se inspiró en los martyria clásicos y paleocristianos que había estudiado.
Es un pequeño edificio, con función conmemorativa y religiosa, realizado en granito
Una columnata de orden toscazo arranca de un podio, sobre la crepidoma, y sostiene un entablamento de orden dorico, donde el friso está decorado con triglifos y metopas con los emblemas y las armas del Papado, y rematado por una balaustrada.
Es un pequeño edificio, con función conmemorativa y religiosa, realizado en granito
Una columnata de orden toscazo arranca de un podio, sobre la crepidoma, y sostiene un entablamento de orden dorico, donde el friso está decorado con triglifos y metopas con los emblemas y las armas del Papado, y rematado por una balaustrada.
El muro de la cella, de dos cuerpos, esta articulado por medio de nichos de remate semicircular decorados con concha de venera, que se alternan con vanos dintelados, separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.
La cella, está cubierta por una cúpula de media naranja.
La cella, está cubierta por una cúpula de media naranja.
Desde el punto de vista simbólico:
La columnata circular simboliza la iglesia militante
La crepidoma con sus tres escalones representan las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.
La cúpula simboliza la Iglesia Triunfante.
La cripta simboliza el martirio del apóstol.
Esta obra, con sus superficies desprovistas de ornamentos, representa el momento culminante de la arquitectura del renacimiento, y en ella Bramante se acerca como nadie al espíritu clásico, combinando los ideales romanos de severitas y dignitas con la elegancia y la vitalidad del cinquecento italiano.
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