Philip Guston. 1913 - 1980

Pintor y grabador de la Escuela de Nueva York, junto a Jackson Pollock , Willem de Kooning, Gork y Motherwel, define el expresionismo abstracto, primer gran movimiento propio en la historia de la pintura de Estados Unidos.

 

 

 

No podemos olvidar que París, durante el siglo XIX y la primera mitad del XX, fue el centro de la cultura mundial, la cuna de las vanguardias, pero el auge de los totalitarismos y la Segunda Guerra Mundial transformaron Europa, y Paris cede el testigo de capital de la cultura a Nueva York, ciudad a la que llegaron artistas, marchantes y críticos de arte procedentes de Europa, que trajeron consigo un nuevo arte, que mostraban en galerías y exposiciones y que también divulgaron ejerciendo la docencia. De entre ellos podemos destacar a Salvador Dalí, Max Ernst, André Masson , Roberto Matta, Piet Mondrian y los también exiliados Josef Albers y Hans Hofmann que a través de la enseñanza en centros de arte y universidades mostraron , a varias generaciones de pintores estadounidenses, el arte abstracto y las vanguardias europeas.

 

Como resultado, en Nueva York donde imperaba el Realismo Social, movimiento que reflejaba la vida cotidiana de los norteamericanos, se despertó el interés por el Expresionismo alemán y el Surrealismo.

 

En este mundo se en marca la obra de Philip Guston.

 

Philip Guston que había nacido en Montreal, Canadá en 1913; hijo de padres judío de origen ucraniano que tienen que salir de Europa huyendo del antisemitismo; la familia, a los pocos años, se traslada a Los Ángeles, y con catorce años Philip ingresa en la Escuela de Arte de Los Ángeles donde estudia junto a Jackson Pollock.

 

Su obra:

 

Al analizar la obra de Philip Guston, comenzaremos por la de los años 30; son obras figurativas influenciada por los grandes maestros del renacimiento (Giotto, Masaccio y Piero de la Francesca…) así como por el muralismo mejicano.

 

Philip Guston en estos años viaja por México para estudiar murales antiguerra. Esto inspira la pintura de sus propios murales figurativos, e influenciado por ellos y con la colaboración de su amigo Reuben Kadish, realiza un mural de contenido social y político en el interior del Museo Regional Michoacano de la ciudad de Morelia.

 

 

 

 

 

 

Pero no olvidar que tanto en México como en Estados Unidos, el muralismo en la primera mitad de los años treinta, se está apartando de su ímpetu crítico y revolucionario inicial.

 

 

De esta etapa destacamos:

 

Mother and Child. 1930.

 

 

 

 

 

La pinta con 17 años. Representa el momento íntimo de la madre lavando al niño.

 

Desde el punto de vista de las características se ve la influencia del muralismo Mejicano y de Picasso.

 

 

Bombardment. 1937

 

 

En formato circular, que recoge la tradición renacentista de “tondo”, representa el momento en que la población de Guernica fue bombardeada durante la Guerra Civil española. Lo que nos recuerda, en cuanto al tema, la obra de Pablo Picasso “Guernica” .

 

La escena a pesar de representar un momento de crueldad, el ataque a la población civil, está realizada con colores luminosos, entre los que resaltan el verde acido, rojo y amarillo. Es una pintura minuciosa que recoge todas las características de la pintura Renacentista: búsqueda de la profundidad, el movimiento, análisis de la anatomía….

 

A mí me recuerda por el alargamiento de las figuras, los escorzos violento y las tres manchas de color ( verde acido, amarillo dorado y rojo) la obra manierista del Greco.

Gladiator. 1938

 

 

 

Es como las anteriores de contenido social y estilo realista, y con in fluencia del muralismo mexicano Paralelo a la realización de “ Gladiator”, Guston pinta murales en Nueva York como parte de un programa de Works Progressexicano Administration (WPA).

 

¿ Que es la WPA y que papel jugo en el desarrollo cultural de Nueva York?

 

Tras el crac de 1929, para poner fin a la Gran Depresión y reconstruir la economía de EE. UU, el Gobierno organiza en 1935 la Agencia, Works Progress Administration (WPA), con el objetivo de ponen en marcha obras públicas por todo el país y crear empleo. Además, ese mismo año, se crea dependiente del WPA, el Federal Art Project (FAP), un programa de apoyo a los artistas que financia proyectos que defiendan los valores del pueblo americano: el trabajo, la comunidad y el optimismo. 

 

En esta línea se pintan murales que decoran oficinas estatales y federales, bibliotecas, aeropuertos…de todo el país. Entre los artistas que participan tenemos por ejemplo a : Arshile Gorky, Pollock, Mark Rothko y Philip Guston. Algunos de ellos se han conservado hasta hoy en ciudades como Nueva York, Chicago, San Francisco y Boston.

 

 

 

Philip Guston Guston continuaría pintando murales hasta 1942.

 

 

Finalizada la Segunda Guerra mundial 1945, El mundo queda dividido en dos grandes bloques de influencia:
 

El capitalista liderado por EE.UU. y el bloque comunista liderado por la Unión Soviética.

 

El enfrentamiento entre ambos bloque en 1947 desemboco en la Guerra Fría (1947–1991).

El miedo al potenciar armamentístico nuclear de ambos bloques, llevo los enfrentamientos al plano político, económico, cultural y propagandístico.

 

En EE.UU. a partir de este momento comienza una persecución a todo lo que fuera sospechoso de simpatizar con la política de izquierda, y esto in fluyo al mundo del arte:

 

Para un sector de la población, los jóvenes pintores Expresionistas Abstractos era un instrumento de los soviéticos para manchar la imagen del pueblo americano y se vieron perseguidos.

 

Sin embargo, para otro amplio sector de la élite intelectual del país, el Expresionismo Abstracto representaba el triunfo de la cultura libre sobre la cultura totalitaria, pues se basaba en la libertad absoluta del artista.

 Los artistas abstractos se dejaron consentir por el discurso liberal y se concentraron en producir obras modernas, libres de representación y de narrativa, carentes de discurso político y ciertamente decorativas.

 

La CIA también jugo su papel, con una maniobra sutil , al hacer de los Expresionistas Abstracto el vehículo de propaganda de la cultura estadounidense contra la soviética, promocionando y subvencionando incluso a espaldas de los propios pintores. 

 

En la misma línea trabajo el Museum of Modern Art de Nueva York, presidido por Nelson Rockefeller, adquiriendo obras, programando exposiciones por museos y salas de todo el mundo con el objetivo de difundir la cultura y el estilo de vida americano.

 

Continuando con la obra de Philip Guston:

 

En 1937 se trasladó a Nueva York, donde ya residía su amigo Jackson Pollock. Pero no fue hasta diez años más tarde cuando su pintura evoluciona hacia el expresionismo abstracto que ya venían desarrollando los pintores neoyorkinos desde el comienzo de la década de 1940.

“Porche II” 1947

A partir de 1947, en la pintura de Guston, la figura comienza a diluirse y se centra en el estudio de la mancha de color, esta etapa se extenderá hasta 1965. “

 

 

El regreso”. 1956

 

 

 

En esta pintura al óleo, observamos que sobre un fondo suave azul y rosa , Guston aplica brochazos cortos y pastosos de color marrones, rojos, azules, negras… tendiendo al centro de la composición.

 

Para la crítica con ello: “el artista ha invocado la presencia de formas, posiblemente figuras en una multitud. El efecto del movimiento se ve reforzado por los colores vivos y las pinceladas cortas y visibles, lo que hace que el color parezca parpadear sobre el lienzo. La dirección en la que se ha aplicado la pintura varía a lo largo de la superficie del lienzo y agrega una dimensión estructural a la imagen, mientras que los efectos gestuales de las pinceladas demuestran la fisicalidad de la creación de la imagen. El uso de tonalidades más pálidas de las que emergen las más oscuras sugiere una luz nebulosa difusa o la forma en que el color se desvanece en una escena de paisaje a medida que retrocede.”

 

 

 

Estos cuadros de principios de los cincuenta le valieron el calificativo de “impresionista abstracto”, por el contraste de su luminosidad frente a las obras Pollock o de Kooning.

 

 

También tenemos que recordar que en los años 50, Philip Guston realizó sus primeros dibujos de línea pura, que será el vehículo de exploración de las nuevas posibilidades expresivas de la figuración.

 

Son dibujos rápidos y fáciles de ejecutar.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1967. Carboncillo sobre papel.

 

Estas obras serán el origen de los dibujos que realiza para ilustrar el libro de poemas de su mujer, Musa McKim

 

 

 

Guston fue uno de los primeros artistas que expuso públicamente su preocupación por la importancia que se le estaba dado a la abstracción; para él se había convertido una metodología en ideología. Nos dice: “La primera obligación del artista es la de ser libre”.

 

 

A fines de la década de 1960, abandona la abstracción en favor de un nuevo lenguaje más representativo pero también caricaturesco de diversas situaciones personales, símbolos y objetos. Es uno de los pocos artistas en regresar del expresionismo abstracto a la pintura figurativa.

 

 

 

Nadie comprendió el giro que dio Philip Guston a su obra en los 60. Su regreso a la figuración horrorizo a algunos de sus seguidores que veían sus nuevas obras feas. Pero a pesar de todo Philip Guston se hizo famoso por estas nuevas imágenes.

 

 

Sera en estos dibujos donde muestra la recuperación de la figura humana y de los objetos, que presenta tanto en series como individualizados, pero siempre con un carácter de absolutos: personajes encapuchados, suelas de zapatos, planchas, edificios, libros.

 

 

Carboncillo sobre papel.

 

Los encapuchados del Ku Klux Klan son uno de sus motivos iconográficos más recurrentes en los que reflexiona sobre los aspectos más crudos de la realidad social.

 

 

 

A partir de la década de los setenta, Philip Guston convirtió el dibujo en su principal técnica, dando así lugar a una nueva forma de pintura dibujada. En la que plasma sus preocupaciones emocionales, políticas y psicológicas; y en la que todas sus figuras son un autorretrato. Se representa durmiendo, comiendo, bebiendo, pintando.

 

 

 

 

 

 

En East Coker. 1979.

 

Aparece la cabeza tumbada sobre una almohada como premonición de cercanía de la muerte que le sobrevendría a Guston tan solo un año después.

 

Son obras sin perspectiva, donde no existen las proporciones entre los objetos y donde estos tienen un marcado contenido simbólico para el autor.

 

 



En ellas se observa la influencia de la cultura popular, como las ilustraciones o el cómic, y en su referencia a un materialismo descarnado en el que los objetos pasan al estatus superior de sujetos.

 

 

Confrontación. 1974. Óleo sobre lienzo

La calle:

 

 

 

Este óleo sobre lienzo pintado en rojo, rosa brillante y gris nos muestra una composición dividida en tres bandas verticales, a la manera de los trípticos, en las que vemos comenzando por la derecha :

Un bidón de basura grande lleno de botellas vacías, tiras de madera, un zapato y otros desperdicios. 

En el centro brazos empuñando tapas de basura como escudos.

A la izquierda piernas flacas cuyos movimientos parece imposible por los zapatos de gran tamaño. 

Debajo, en la línea del horizonte, que es la calle misma, un par de grandes arañas.

 

La crítica nos dice ,que en esta representación Guston nos nuestra las tres etapas del estado del ser: decaimiento pasivo, agresión violenta y desorden total. Que con la iconografía que recoge en estas obras nos trasmite sus ideas sobre la condición humana y expresar sus propios temores y crisis.

 

 

 

 

En el verano de 1971, comienza a narrar la vida de Richard Nixon en unos ochenta dibujos. Titulado Pobre Richard, las caricaturas juegan con el carácter inquieto y autocompasivo que quiso mostrar.