Orfismo. 1911-1914.

Es una corriente estética que surge entre las múltiples vanguardias de comienzos del siglo XX, y se adscribe al movimiento abstracto.

 

Sera un movimiento artístico muy corto, de 1911-1914, pero de gran trascendencia para el arte abstracto en general.

 

Con el nombre de Orfismo lo bautiza, en 1912, el poeta Guillaume Apollinaire, término que alude a Orfeo, personaje que en la mitología griega se asocia a la música y la poesía. El término lo utilizó Apollinaire para englobar a un grupo de pintores que ,1912, exponen en la galería Der Sturm de Berlín : Delaunay, Kupka, Léger, Duchamp,Picabia, Kamdinsky. En los que se observaba como característica común, que habían introducido en el cubismo nuevas reglas relacionadas, sobre todo con la fragmentación de la luz y el color.

 

 

Sonia Delaunay-Terk.

 

 

 El orfismo se podría definir como un arte puro, capaz de relacionar el papel estético y el contenido sublime y poético de la obra de arte con la investigación científica.

 

El Orfismo, además de ser un antecedente de la Pintura Abstracta es precursor también del Arte Óptico. El uso de los colores en contrastes simultáneos hace que se generen vibraciones ópticas y así se produce un efecto de movimiento.

 

Robert Delaunay nos dice que el Orfismo es “una pintura que no tiene técnicamente más que color, contrastes de color, que se desarrollan en el tiempo y se perciben simultáneamente, de un solo golpe”.

 

No olvidemos recordar que el Orfismo es en realidad una derivación y modificación del estilo cubista en su camino a la abstracción. Comienza cuando el cubismo ha llegado a su fase sintética con el regreso al color, y se trata, en un principio de una imitación bastante superficial del mismo.

 

Con los pintores Robert y Sonia Delaunay el Orfismo evolucionara hacia formas geométricas sin ninguna referencia a la realidad.

 

Se caracteriza por:

 

• Ser una pintura abstracta que sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.
• Se interesa por la exaltación del color puro. Principalmente utiliza tintas planas con colores puros y con grandes contrastes.
• Se contraponen los colores primarios con sus complementarios para conseguir gran luminosidad en el cuadro.
• Se inclina por las formas circulares que imprimen movimiento a la composición.
• El objetivo es, mediante la forma geométrica y la asignación estudiada del color en cada una de las secciones conseguir el mayor dinamismo posible causando, incluso, sensación de movimiento en el espectador.
• No les interesa la identificación del espacio pictórico.

 

 

 

 

Portuguesa. Robert Delaunay. 1916.

 

En esta obra los elementos figurativos conviven con los abstractos al servicio del dinamismo del color.

 

Robert Delaunay (1885-1941) y Sonia Terk (1885-1979), son dos figuras fundamentales de la vanguardia que formularon un nuevo y original lenguaje abstracto, ajeno a cualquier otra tendencia, a principios de la segunda década del siglo XX.

 

 

Robert Delaunay. París, 1885-Montpellier, 1941.

 

 

Autorretrato. 1908.

 

Robert Delaunay es considerado uno de los pioneros del arte no figurativo contemporáneo.

 

 

Nace en París en 1885, comienza su trayectoria artística vinculado a la escenografía teatral, pero pronto se siente atraído por el uso del color de pintores neo-impresionistas como el puntillista Georges Seurat y por las teorías sobre del color de Chevreul.

 

Participa en los inicios del cubismo, si bien su interés por los contrastes de color y la disolución de la forma a través de la luz marcarían una nota diferente que Guillaume Apollinaire clasificaría como Orfismo en 1912.

 

Inspirado en las teorías sobre el color de Chevreul y el ejemplo de Cezanne pero sobre todo de un Kandinsky en las mismas puertas de la abstracción, realizara cuadros de gran formato dominados por las formas circulares en donde las distintas bandas se trabajan con colores intensos y contrastados, ya plenamente abstractos.

 

 

 

Esta composición, compuesta por una serie de discos de colores que entran en movimiento por la mera acción física de mirarlos dándole ritmo a la composición. Si observamos detenidamente vemos que la visión de uno se activa mediante una interacción de curvas y contracurvas, discos con círculos concéntricos de varios grosores que actúan uno contra el otro y, sobre todo, contrastando colores complementarios (rojo / verde, azul / naranja) y colores discordantes (rojo / azul, rosa / rojo, y así sucesivamente).

 

Llegar a este lenguaje de color puro fue un largo proceso que alcanzo, como venimos diciendo, por las influencias del neoimpresionismo, el fauvismo, de Cézanne, del cubismo...

 

También Delaunay se hace eco de una problemática común a muchos artistas de la época: la preocupación por la visión simultánea de los objetos, el carácter dinámico de la ciudad, el movimiento aéreo...

 

Delaunay articula una síntesis de todos estos aspectos para llegar a una nueva visión, su pintura de color puro.

 

Las series La iglesia de Saint-Séverin, La Torre Eiffel y Las ventanas simultáneas marcaron este camino que acabaría desembocando en la abstracción.

 

 

Saint Severin. 1909.

 

 

En esta obra del interior de la iglesia, se preocupa por el estudio de los elementos arquitectónicos y del espacio deformado por la vía del constructivismo y por la combinación de perceptivas y puntos de vista.

 

Vemos algunas referencias de descomposición geométrica, el suelo trabajado en facetas, y un color sobrio, cubismo analítico.

 

 

Torre Eiffel 1911.

 

 

“Esa estructura sólida, rígida de hierro, se descompone y se desmorona por la aplicación de la descomposición geométrica. Pero sobre todo por la presencia de una atmósfera que se va imponiendo a las formas. Estos desmoronamientos le valieron el nombre de periodo destructivo. Composiciones dinámicas que están en movimiento. Y que contrastan con ese carácter estático el cubismo analítico, que en este momento ya está en su fase hermética. Esa atmósfera contribuye a la descomposición, a la desintegración de esas estructuras arquitectónicas. Este va a ser el punto de partida del orfismo. Va a ir trabajando de manera progresiva, incorporando cada vez más facetas y otorgando mayor protagonismo a esa atmósfera, a esa luz, en detrimento de las formas. Ese mismo efecto destructor de descomposición de la realidad la va a llevar también al paisaje urbano.”

 

 

La villa de Paris 1910.

 

 

Si observamos la composición, vemos una representación de las tres gracias, tema tan repetido a lo largo de la historia del arte pero que en este caso se nos muestra en una visión caleidoscópica con luz intensa, brillante, trabajada en facetas como los propios elementos del cuadro.

 

Esa multiplicación cada vez se hace más intenta hasta situarnos en las puertas de la abstracción.

 

Y llegamos a “ Ventana” 1911

 

 

 

La multiplicación de facetas va a ir desintegrando el motivo, el objeto representado.

 

 

Recordar que el elemento más característico de las obras de Delaunay es el disco. Y será en 1912, fecha en la que se realizó el cuadro “ La alegría de vivir”, cuando lo incluya por primera vez.

 

 

 

Observamos forma curva, lo cual ya le diferenciaba mucho de las tendencias cubistas donde predominaban las rectas y los ángulos. Y por otro lado, lo tonos de color también se alejan del Cubismo y están más cerca de los colores empleados por los futurista, aunque sin duda la pintura de Delaunay y, en general el Orfismo, es un estilo mucho más abstracto que el Futurismo.

 

Por ultimo decir que uno de los rasgos definitorios de la pintura de Delaunay es que él solía pintar de forma improvisada sobre el lienzo, ya que pensaba que la estructura del cuadro se va creando a sí misma. Creía que la generación circular de la luz a partir de sus clásicos discos era el principio fundamental de todo lo existente. Y a partir de ella él iba creando y pintando estructuras de color densamente entrelazadas.