Egon Schiele. 1890-1918.

Pintor expresionista, nace en 1890 en Tulln, pequeña ciudad austriaca.

 

 

 

Desde la infancia le gusta dibujar. En su edad escolar conoce al pintor Max Kahrer que le enseña diversas técnicas artísticas, y al que pinta en 1910.

 

 

"El Pintor Max Kahrer". Acuarela, pintura opaca y tiza.

Max Kahrer es un impresionista que pronto es influenciado por la " Secesión de Viena".

 

 

El gusto y aptitud para el dibujo a Egon Schiele le lleva a decantarse pronto por el arte, y en 1906 se presenta y supera el examen de ingreso de la Academia de Bellas Artes de Viena.

 

En la Academia tiene como profesor a Christian Griepenkerl, pintor académico al que le interesan los temas mitológicos y el retrato, y fue también un gran maestro de la pintura al fresco.

 

En 1909 entra en contacto con la Secesión de Viena y participa en la Muestra Internacional de Arte en la que se rinde homenaje a Gustav Klimt, padre de la Secesión. Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y Gustav Klimt influira en su obra aunque entre ellos se dan, como veremos, diferencias por ejemplo a la hora de concebir y retratar la figura femenina, en la línea de dibujo, etc...

 

Como protesta contra el academicismo que se imparte en la Escuela, funda con algunos de sus compañeros, el Neukunstgruppe (Grupo de Arte Nuevo), y en 1909, abandona la Academia.

 

Aunque hasta este momento su obra ha estado muy influida por Gustav Klimt, es ahora, 1910, cuando encuentra su propio estilo.

 

En sus obras vemos un cambio de rumbo artístico hacia el Expresionismo. Con su nuevo cromatismo expresionista, Schiele se rebela tanto contra el naturalismo como contra el dominante modernismo vienés.

Le interesa el retrato y sobretodo el autorretrato que trabaja con una técnica muy personal; el tema del desnudo será uno de sus motivos predominantes.

 

 

Autorretratos:

 

Se retrata sobre superficies lisas monocromas que, junto con las líneas del contorno del cuerpo irregulares y angulosas, le hacía conseguir una figura más expresiva, pero alejando el aspecto natural de la imagen, que aún lo conseguía más con anchas pinceladas de un cromatismo llamativo.

 

 

 

 

" Autorretrato con el ombligo al aire". 1911. Lápiz y acuarela sobre papel japonés.

 

Los rasgos más sobresalientes con los que se representaba eran la extrema delgadez de la figura, las contorsiones del cuerpo, un cabello corto y rebelde y una mímica casi tétrica.

 

 

"Desnudo masculino sentado" (autorretrato). 1910.

Si analizamos la obra vemos: que se muestra desnudo ocupando en diagonal un espacio vacío; es una figura inestable, flotante y sin pies, en la que el pintor deja claro con el trazo que no están por pintar, sino que sencillamente los ha eliminado. A toda esta confusión se le suma la inestabilidad sexual del pecho y los genitales, que no se muestran claramente masculinos del todo. El cuerpo nervudo, amarillento y retorcido con que se representa es una forma novedosa de expresar tensión.

A comenzado un estilo propio dejando atrás la influencias de Klimt y del secesionismo.

El cuadro es una de las primeras obras de las casi 100 en las que se autorretrata a lo largo de su vida.

 

 

 

Schiele utiliza expresiones faciales y posturas antinaturales, con lo que se distancia de la realidad visible para atacar al espectador con escenas perturbadoras que revelan la oscuridad del interior, los demonios personales.

 

 

 

Aunque se estudia y se pinta numerosas veces no parece orgulloso de su imagen, sino más bien nos muestra lo patético de su estado ruinoso. No son retratos académicos.

 

 

En 1911, conoce a Walburga ("Wally") Neuzil, que será su modelo favorita y su compañera hasta que el artista se case en 1915 con Edith Harms.

 

 

 

El retrato de Wally llama la atención por la expresión de sus ojos. Wally nos mirar con calma y muestra estar en paz consigo misma.

 

 

 

En este por el contrario nos mira inquisitivamente, y nos desafía con interrogantes.

 

 

Egon Schiele con el poder enigmático de estas miradas, tan parecidas y tan diferentes a las capturadas por Leonardo, convierte a Wally en una Mona Lisa moderna.

 

 

El erotismo es otro de los capítulos que tenemos que recordar de la obra de Schiele, y sobretodo el desnudo erótico femenino como "Desnudo femenino yacente con las piernas abiertas", 1914.

 

 

 

Es un desnudo de un crudo y natural realismo, en el que sobresalen, los labios rojos y los pezones anaranjados, frente al negro del cabello y las medias.

Ningún coetáneo vio la realidad sexual de un modo tan libre de prejuicios.

 

 

Si repasamos sus obras de desnudos, en general, recogen personas completamente solas, sin entornos paisajísticos, lo que permite que la atención se centre en el trazo, y nos concentremos en el "lineamiento hipersensible de la figura humana" Como podemos observar en " Muchacha desnuda con el pelo negro de pie", de 1910.

 

 

 

O en la anterior imagen " Muchacha desnuda tumbada con las piernas abiertas, de 1914 .

 

 

En todas estas obras no solo observamos la soledad de las imágenes sino también su facilidad para dibujar con de trazo rápido, duro.

 

 

 

Además sus pinturas están llenas de colores fuertes, que causan, junto con sus figuras, un violento impacto en el espectador.

 

 

 

Egon Schiele , como vemos es claro en sus formas, es provocador, erótico, y sexual. Su obsesión por el cuerpo y por el desnudo, no deja lugar a dudas.

 

 

" Amistad"

Cuando representa escenas muestran una sexualidad desprovista de moralidad, sin pudor y en actitudes impúdicas. Nos muestra a hombres y mujeres, jóvenes, niños, desde diferentes ángulos y en extrañas posiciones, cuerpos entrelazados de forma extravagante, que reflejan su deseo de rebeldía y provocación y que a la vez que están repletos de tristeza y angustia existencial.

 

 

"Abrazo". 1917. Óleo.

Lo que más llama la atención de este óleo es el sentido de unión de las figuras desnudas y deformes que se fusionan en un abrazo amoroso, intenso y desesperado.

La musculatura del hombre es casi realista y deja de lado la fibrosidad rígida y enfermiza de otras obra.

En esta tampoco se recrea en la crudeza de los genitales ni en la sexualidad ambigua de los modelos.

 

 " Abrazo" representa, para los críticos, la superación de la ansiedad sexual de Schiele.

La gama cromática, de tonos ocres, terrosos y amarillentos, es la habitual.

 

Se cree que la figura del hombre es la del pintor, quien, a lo largo de su carrera, hizo de su propia persona el protagonista principal de su obra.

 

Con todo ello consigue un lenguaje pictórico de enorme fuerza expresionista en la que contorsiones y deformaciones consiguieron hacer del cuerpo el elemento dominante.

 

 

Los temas y, sobre todo, los agresivos trazos de los desnudos del pintor, cargados de insolencia, deformidad y provocación, sobretodo de mujeres muy jóvenes en posiciones "inmorales", provocaron que en 1912 fuese acusado de difundir dibujos pornográficos y fuese condenado a prisión durante unas semanas, lo que se conoció como el Caso Neulengbach.

 

Para una sociedad cuyas ideas morales oficiales eran tan puritanas como mojigatas, los desnudos de Schiele tenían que convertirse en un escándalo. Por un lado a causa de su simple y agresiva desnudez, que no respondía a ningún código místico o histórico, sino que servía simplemente para el estudio obsesivo del cuerpo desnudo; pero quizá más a causa de su extremo estilo representativo, inquietante y abierto, que privaba al espectador de la posibilidad de mantener la distancia.

 

En este punto debemos recodar que el sexo era uno de los grandes temas de la sociedad vienesa de principios del siglo XX. Las teorías de Freud causaban furor y rechazo en las mentalidades burguesas decimonónicas, que dudaban entre la represión y la liberación a la hora de afrontar una nueva visión de la vida sexual.

 

 

En junio de 1915, un año después de estallar la Primera Guerra Mundial, es destinado a Praga tras un segundo reclutamiento. Ese mismo mes se casa con Edith Harms, hija de una familia acomodada.

 

 

 

 

"Retrato de Edith Schiele", 1918.

Desde finales de 1915, su arte expresionista cede ante un mayor acercamiento a lo natural, lo que se refleja especialmente en sus desnudos femeninos y retratos, cada vez más realistas.

 

En marzo de 1918, logra el éxito económico a raíz de la exposición 49ª de la Secesión vienesa: el artista obtiene lucrativos encargos de retratos y también aumenta la demanda de sus desnudos eróticos.

 

Algunos días antes de finalizar la guerra, el 28 de octubre de 1918, la esposa de Schiele, Edith, que estaba embarazada, muere por una devastadora epidemia de "gripe española". Tres días después, fallece Egon Schiele de la misma enfermedad.

 

 

En resumen podemos decir que:

 

 

La evolución estilística del artista va desde su formación en la Academia de Bellas Artes de Viena, pasando por las obras en las que la influencia de Gustav Klimt y el Modernismo vienés están muy presentes, hasta sus innovadores trabajos caracterizados por su ruptura con el naturalismo, que se distinguen por el radical empleo del color y la inclusión de nuevos y desconcertantes motivos, como el desnudo erótico explícito.

 

 

"Dos niñas sentadas", 1911 Lápiz, acuarela y blanco opaco, sobre papel japonés ".

"Egon Schiele desarrolló un estilo muy personal. El uso expresionista del lenguaje corporal, los gestos y la mímica responden a la influencia de la fotografía clínica que documentaba los síntomas de la “histeria” que manifestaban las pacientes del doctor Jean-Martin Charcot, del hospital de la Salpêtrière de París; también se inspiran en la fotografía erótica del estudio de Otto Schmidt. Schiele libera la representación erótica del desnudo femenino de las ataduras de la caricatura o de la finalidad pornográfica, eliminando el histórico antagonismo entre lo bello y lo feo y otorgando al desnudo femenino un nuevo y diferente protagonismo en el arte. También el cuerpo enfermo y la desintegración patológica de la personalidad se elevan en su obra a la categoría de arte."

 

 

Los rasgos expresionistas de Egon Schiele los observamos en sus dibujos, gouaches y acuarelas.

 

Los temas en los que se expreso son: paisajes, flores, representaciones de niños y niñas, desnudos, retratos y autorretratos.

 

Si contemplamos algunas de sus obras vemos: s oledad, miedo, angustia y desgarro en la expresión de sus anoréxicos personajes. Hombres, mujeres y niños de manos y brazos exageradamente alargados que muchas veces no parecen pertenecer al mismo cuerpo que el rostro.

 

En muchos de sus retratos, autorretratos y desnudos, hablan de la ausencia. ¿Dónde está la silla de Muchacha desnuda sentada (1910) y el instrumento de El violonchelista (1910)?

 

 

 

"Muchacha desnuda sentada"

 

Nos encontramos con la figura suspendida en el aire.

 

 

 ¿Gerti ante telas ocres (1910) está tumbada o apoyada en una pared?

 

 

 

Gerti ante telas ocres, 1910 Lápiz y colores opacos, sobre papel japonés.

Y así hasta llegar a las figuras ya no tan delgadas de 1914 y más relajadas de 1917.

 

 

Obras de estos años:

 

 

 

"Mujer reclinada con medias verdes" 1917.

 

Este cuadro pintado por el artista a los 28 años de edad, uno antes de su muerte, se ha convertido en una de las obras eróticas más famosas de Egon Schiele.

 

Los trazos gruesos, la figura retorcida y las abastractas salpicaduras de color, que no alcanzan a llenar la forma deseada, se identifican aquí como característicos de sus pinturas eróticas.

 

 

 

 

Ernst Ludwig Kirchner.

Pintor, grabador y escultor alemán; uno de los grandes representante del expresionista. Nace en 1880 en Aschaffenburg, Alemania.

Autorretrato. 1913.

Como consecuencia de la profesión de su padre, ingeniero, Kirchner pasa su infancia viajando de ciudad en ciudad, junto a su familia, hasta que en 1901 se establece en Dresde, donde comienza estudios de arquitectura y pinta de forma autodidacta.

 

En 1904 se traslada a Munich y estudia pintura en la Escuela de Bellas Artes; es cuando realmente comienza su contacto en el mundo del arte; es ahora cuando conoce la obra grafica de Durero, que tanto influirá en sus xilografías.

 

En junio de 1905, de nuevo en Dresde, funda junto a Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff el grupo " Die Brücke" ( El puente) con el que rechazan la pintura académica, y tratan unir las formas del expresionismo primitivo con el arte de su tiempo.

 

Sus visitas al Museo Etnográfico de Dresde despiertan su interés por el arte primitivo, influencia que se verá reflejada en su pintura y en los muebles y murales que fabrica para el estudio que compartía con Heckel en una antigua carnicería del barrio obrero de Friedrichstadt.

 

¿ Qué es el Die Brücke. Qué lo caracteriza?:

“El puente” ha sido uno de los grupos pictóricos más consolidados de las vanguardias y uno de los más significativos del movimiento Expresionista.

 

Lo crearon, en Dresde (1905), cuatro alumnos de arquitectura que tenían una pasión común, pintar; los cuatro dejaron sus estudios y crearon una comunidad de artistas a la que pronto se unieron más integrantes; el movimiento se da por finalizado en 1913. Los años 1905-1913, son el periodo que coincide con la exaltación de la nación alemana.

 

Los miembros más destacados del grupo fueron: Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel, Karl Schmidt; Rottluff, Fritz Bleyl, Max Pechstein, Otto Müller y Emil Nolde.

 

De forma resumida los rasgos que distinguen al grupo son:

• Temas generalmente escabrosos : prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados...
• Personajes esperpénticos se manifiestan a través de el color antinatural.
• Las obras son de base figurativa, pero no realista.
• Deforman las figuras que pierde, casi, la apariencia anatómica.
• Dibujan mediante trazos gruesos y angulosos como incisiones en madera. Fueron estos artistas los que recuperaron la técnica de la xilografía, de origen medieval.
• Las formas son más bien planas, con poco interés por los volúmenes.
• La perspectiva se violenta en escorzos imposibles.

 

Kirchner siguió viviendo en Dresde hasta 1911.

 

En octubre de 1911, Kirchner, se traslada a Berlín, donde pinta sus obras más significativas, en las que refleja la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. Comienza a tener un cierto éxito y es seleccionado para el Armory Show, exposición de arte europeo contemporáneo celebrada en Nueva York en 1913.

 

En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, es movilizado, sufre una grave crisis nerviosa y los licencian. A partir de este momento su estado mental no mejora, por lo que se traslada a Davos en suiza ciudad tranquila donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes alpinos, poco considerados por la crítica actual.

 

En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte los nazis lo calificaron como " arte degenerado" y destruyen muchos de sus trabajos. Estos acontecimientos y su precaria situación emocional lo llevan al suicidio en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.

Análisis de la obra:

 

Su obra abarca dibujo y grabado, pasando por la escultura, decoración de interiores, artesanía textil, trabajos de arquitectura y fotografía.

Un denominador común tanto en su obra pictórica, como en la fotográfica o en la escultura es la presencia de la figura humana.

 

En cuanto al los temas, en un principio pinta paisajes con o sin figuras y desnudos, más tarde se centra en reflejar el ajetreo de las calles berlinesas de las que pintó gran cantidad escenas, para regresar al paisaje, esto últimos de un creciente misticismo.

Su obra la podemos agrupar en varias etapas:

 

La primera de 1905 a 19911:

 

Estos años destaca por los colores fuertes en forma de manchas y pinceladas sueltas. La influencia fauvista es indiscutible.

 

"Calle de Dresde" 1908.

Cuando vemos los lienzos de estos años no podemos dejar de recordar a Matisse y a Van Gogh.

 

Para Fritz Schumacher, profesor de la Technische Hochschule , la exposición de Vincent van Gogh de 1905 impresiono a los miembros del Die Brücke , nos dice "cayeron en un entusiasmo frenético".

 

Si analizamos las obras de los miembros Die Brücke veríamos la influencia de Matisse y Van Gogh en que : consiguen las formas mediante la yuxtaposiciones de pinceladas cortas, gruesas y empastadas, y con fuertes y arbitrarios colores.

 

Miremos el retrato de " Doris con cuello alto" pintado por Kirchner en 1906, en el que se aprecia claramente la influencia de Van Gogh .

 

 

"Doris con cuello alto", 1906.

Óleo sobre cartón. Museo Thyssen Bornemisza

 

  Doris Grosse , fue la amante de Kirchner en sus años de Dresde hasta que se traslada a Berlín en 1911. No fue modelos no solo de él, sino también de vario de los componentes del grupo y la vemos en algunas escenas de desnudos en el estudio y en varias de las composiciones de bañistas pintadas 1909 y 1910.

 

 

En " Mujer yacente con camisola blanca " 1909, observamos también los rasgos que distinguían la pintura de estos expresionistas: el color chillón y antinatural, las formas, más bien planas, carentes de volúmenes, unos escorzos difíciles y unos contornos de fuerte trazo.

 

 

"Fränzi ante una silla tallada". 1910. Óleo sobre lienzo.

Fränzi, una joven modelo, aparece retrata de medio cuerpo sentada en una silla toscamente tallada, cuyo respaldo asemeja una silueta de mujer desnuda y pintada con color carne, dando un toque de erotismo al conjunto.

La joven en posición frontal nos mira fijamente y capta de inmediato nuestra atención. Es de toda la composición, el rostro la zona más trabajada, en colores verdosos, con algo de rosa y azul; en el conjunto destaca la baca de labios rojos muy perfilados y entreabiertos que le dan un matiz sexual.

 

Vemos claramente la influencia de los fauves y las características del grupo El Puente desde 1908: simplificación de las formas; la aplicación del color con pinceladas gruesas, formando grandes superficies delimitadas por líneas oscuras; colores arbitrarios.

 

De esta época y con características similares tenemos: " Joven con gato" 1910

 

 

 

Estudio de Kirchner en Dresde fue en un lugar de encuentro para los artistas que se sentían atraídos por el ambiente liberal. Fue descrito como:

 

". ... el de un verdadero bohemio, lleno de pinturas situadas por todas partes, dibujos, libros y materiales del artista, mucho más como alojamientos románticos de un artista que la casa de un estudiante de arquitectura bien organizado"

 

 

 

Como hemos visto sus obras se centran en desnudos y retratos femeninos con el ambiente natural y un énfasis en la espontaneidad, mientras que en su" fase de Berlín" se centrara más en las escenas de la calle.

 

 

Segunda etapa, Expresionismo en Berlín, 1911-1915:

 

 

La ciudad de Berlín fascinó a Kirchner y su pintura sufrió una transformación tanto temática como estilística.

 

 

 

Kirchner pintó numerosas escenas callejeras, que le han valido el merecido reconocimiento de pintor expresionista de la ciudad.

 

 

 

El artista deambulaba por la capital tomando rápidos apuntes de los  viandantes y de los numerosos seres marginales que habitaban en el viejo Berlín. Le fascinaron de forma especial los artistas de circo, las bailarinas de cabaret y las prostitutas, cuya existencia al margen de la sociedad pertenecía, en términos nietzscheanos, al mismo mundo que los artistas plásticos.

 

 

1913. Óleo sobre lienzo.

 

Al observar las imágenes apreciamos que en estos años anteriores a la guerra su obra se va a caracterizar por:

 

• Perspectivas distorsionadas.
• Figuras de formas angulosas.
• En cada obra nos encontraremos con una paleta de color poco numerosa pero muy intensa y muy contractada.
• Pincelada rápida creando grandes masas de color.

 

 

"Calle con buscona de rojo" 1914.

La parte central de la composición está dominada por la figura de la buscona llamativamente vestida de rojo, que es un símbolo a la vez burgués y antiburgués. Situada en la esquina de un cruce de calles se convierte en el punto de atracción de las miradas masculinas que aparecen en la escena junto a ella. La composición se somete a un orden geométrico que estructura toda la superficie del cuadro y está pintada en el estilo anguloso y deformado propio de su etapa berlinesa, con un espacio inestable de fuertes diagonales que nos recuerda a Munch y a la esquematización formal del cubismo.

 

 

"Retrato" 1914

Tercera etapa. Tiempos de crisis 1915- 1917.

 

Como consecuencia del modo de vida, del exceso de trabajo, con jornadas largas, poco descanso y abundancia de drogas, más el estallido de la Primera Guerra mundial ( 1914-18) sufre una crisis que desencadenara la enfermedad Siquiátrica que le acompañara el resto de su vida.

 

¿ Como influyo el estallido de la Guerra en el mundo del arte ?

 

Los artistas de los países participantes adoptaron frente a la guerra posiciones distintas:

 

O bien se identificaron con la visión que entendía la guerra como solución superadora de una condición moral determinada, como una acción higiénica y liberadora. En la que se encuentran sin duda los futuristas, pero también algunos expresionistas alemanes como Marc, Beckmann o el primer Dix.

 

O los que entienden como una reacción a los efectos más letales en la sociedad, denunciando a los inductores de una carnicería que habría de cambiar para siempre la historia de Europa. Aquí tenemos a algunos de los integrantes de "La nueva objetividad" alemana, que trabajan en los años críticos de la República de Weimar.

O los que sin una postura ideológica definida como Kirchner, reflejan en su obra el dolor atroz de la guerra, empezando por su propia figura, retratada con la expresión inconfundible del horror.

 

 

Tenemos que tener presente también que la guerra, en gran medida, fue la causante de un profundo cuestionamiento de los lenguajes vanguardistas por parte de muchos de sus protagonistas, que regresan la figuración clasicista. El fenómeno de la "vuelta al orden" está también lleno de matices, como se puede comprobar nada más comparar obras de este momento de Picasso (el Picasso neoclásico de por ejemplo "La siesta") con la de otros como Derain, pero este o aquel parecen dar la razón a los críticos que consideran que no están los tiempos para experimentaciones formales y sí, más bien, para una reconsideración de una tradición que ya se creía superada definitivamente.

 

 

En un pequeño paréntesis mostremos la obra de Picasso.

 

 

«La siesta» (1919)

El comportamiento de Picasso, que hace las delicias de críticos como el catalán Eugenio d’Ors, es más desconcertante si cabe si se tiene en cuenta que al mismo tiempo que realiza esta obra neoclásica sigue trabajando siguiendo las pautas de el cubismo sintético.

 

¿ Y el expresionismo alemán ?

 

Cuando estalla la I Guerra Mundial, en julio de 1914, el grupo expresionista alemán «Die Brücke» («El Puente») ya se había disuelto y los sus principales representantes seguían caminos muy distintos.

Se ha apuntado que la terrible realidad de la guerra sumió en un profundo silencio al expresionismo alemán, y que habrá que esperar años para que el arte reflejase el horror del momento, pero esta es una afirmación desmentida por el trabajo que conocemos de muchos artistas en estos años, como sucede con obras de Kirchner, que  lo que  plasma es un estado de ánimo de enorme desasosiego que va asociado a las vivencias de esos momentos terribles.

En la historia personal de Kirchner, la guerra supuso un acontecimiento tremendamente traumático. Alistado como "voluntario involuntario", según él mismo llegó a confesar, vivió su corta estancia en el ejército como una situación insostenible que le sumió en profundas depresiones. Kirchner, que en una ocasión llamó "carnaval de la muerte" a la guerra, consideraba ésta no solamente como una experiencia opresiva sino también esterilizante para un artista.

Como consecuencias de sus continuadas crisis nerviosas, a finales de 1915 inició su periplo por distintos sanatorio mentales alemanes hasta que, finalmente, en 1917, se traslada a Suiza.

 

Las de 1915 son las obras más representativas de este periodo de crisis personal y hundimiento psicológico. Si bien en ellas no encontramos aportaciones innovadoras desde un punto de vista formal, si constatamos, por el contrario, un tratamiento de los temas desde el ángulo de lo sombrío y desasosegante.

 

 

"Soldados en la ducha" 1915

En " Soldados en la ducha", los jóvenes desnudos se apiñan en un espacio claustrofóbico mientras un oficial contempla las escena y grita las órdenes. La atmósfera de represión es inconfundible.

 

Más representativo de esta situación de abatimiento personal es, su "Autorretrato como soldado" 1915.

 

 

 

 

 

En esta obra une el mundo del arte, a través de la representación del desnudo de la modelo, con su propia imagen, vestido como miembro del regimiento de artillería, con su mano derecha mutilada, mostrando el muñón ensangrentado.

 

Para Peter Selzes el significado de esta obra es : "con el muñón amputado, Kirchner declara no sólo la posibilidad temida de la destrucción física real o del daño, sino también la real “amputación” de sus talentos durante el tiempo de la guerra" .

 

Su paso por los distintos siquiátricos le llevan a que se centre en el retrato de médicos, cuidadores y enfermos, la mayor parte de ellos por la técnica de grabado.

 

 

 

"Tríptico de mujeres en el baño".

 

 

Óleo sobre lienzo.

Es una obra erótica e intimista. Kirchner consideró este tríptico una de sus mejores obras. La fechó en 1915, aunque en realidad esta obra, que modificó con los años y cuyos lienzos están pintados por ambas caras, es un testimonio de los diferentes cambios estilísticos del artista.

 

 

Cuarta Etapa. 1917- 1925. sus primeros años en Davos.

 

 

Kirchner llega, por primera vez, a Davos en 1917, le gusta la vida rural de los Alpes, y al año siguiente fija su residencia definitiva allí; y los Alpes será el tema central de esta etapa.

 

 

 

Pronto se aprecia un cambio, el cromatismo intenso y de trazo nervioso da paso a composiciones más planas, más sosegadas, con colores más claros y tamizados. Realiza un estilo denominado "tapiz", que se basa en la técnica del bordado y tejido rurales y consiste en la superposición de manchas de colores.

 

 

"El sendero de los Alpes". 1921

Kirchner no abandona nunca sus constantes expresionistas, pero las suaviza mucho, en unos más que en otros, llegando en algunos a parecer un pintor naif.

 

 

 

Quinta etapa. 1925-1938. Abstracción.

 

 

1925 Constituye un punto de inflexión en la vida del artista, adoptando a partir de ese momento un lenguaje abstracto, estático y ornamental, pero dominado por la fuerza del color que el siempre lo asoció a la alegría. Se nota una clara influencia de Picasso, Léger, le Corbusier y la Bahaus.

 

 

 

"Desnudo en naranja y amarillo", 1929-30

 

En su estilo sigue existiendo el predominio del color sobre línea.

 

Pero aunque retirado en Davos, sigue la actualidad y el movimiento nazi con preocupación. Al igual que muchos de sus compañeros expresionistas ve su obra retirada de los museos y él mismo es expulsado de la Academia de las Artes. La anexión de Austria a Alemania no hace más que aumentar esa inquietud. La sospecha de que Suiza puede ser invadida le lleva a suicidarse en 1938, no sin antes destruir una buena parte de su obra. Fue enterrado en Davos en dónde también se encuentra un museo dedicado a su obra.

Edvard Munch. 1863- 1944.

Pintor y grabador . Nace en Loeiten, Noruega.

 

 

 

Hijo de un médico castrense . Tuvo una infancia triste y difícil, su madre y su hermana murieron de tuberculosis , se educa en un ambiente dominado por un padre colérico, tendente a la depresión y dominado por principios morales . Quizás este ambiente trágico le influyo en su pintura, en las que nos da una concepción pesimista del destino humano. Llegó a decir :

" La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles negros que velaron mi cuna."

 

En 1880, a los 17 años, comienza ingeniería en la Escuela Técnica de Oslo, pero al año, lo deja para dedicarse a la pintura y se inscribe en la Escuela de Dibujo.
En estos años conoce la bohemia de la capital noruega, liderada por el escritor anarquista Hans Jaeger que apostaba por una ruptura de los principios de vida y moralidad burgueses. De esta época es su obra la "Niña enferma" ( 1886)


 

 

 

 

Un oleo sobre lienzo, catalogado como Expresionista y que se encuentra en la National Gallery de Oslo.

El tema es dramático, una niña enferma. Nos podemos preguntar, ¿es autobiográfica?

 

Si repasamos su biografía vemos que su madre vivió el drama de saber que su hija iba a morir. Y ella murió enferma de tuberculosis. El propio Munch estuvo muy enfermo física y psicológicamente. El hermano de Munch fallece al poco tiempo de casarse, y a su otra hermana le diagnosticaron una enfermedad psicológica. Su padre, tremendamente severo, le amenazaba y les atormentaba con el infierno. Quizás conocer estos datos de la infancia de Munch nos permita entender mejor esa insistencia en presentarnos temas dolor y enfermedad en sus cuadros.

 

Si analizamos la obra "Niña enferma" vemos que para dar dramatismo el tema se vale de recursos plásticos como son : el espacio angosto, la perspectiva forzada, el colorido sombrío donde dominan verdes y marrones que lo hacen aun más triste la escena.

 

En 1889 una beca le permite ir París, donde conoce las tendencias de la pintura contemporánea francesa. Entra en contacto con la pintura impresionista, y muy especialmente con los pintores post impresionistas, con Van Gogh, Gaugin y Tolouse Lautrec. Los dos primeros serán los que más le influyan .

Son los años en que se está produciendo en el arte, la evolución del impresionismo, que empieza a disgregarse, el paso al post-impresionismo y las distintas vías que surgen a partir de esa ruptura. En la primavera de ese año (1889), descubre el nacimiento de la corriente del simbolismo, que influirá tanto en su pintura. La obra que mejor lo manifiesta es" Día de primavera en Karl Johan" (1889).

 

 

 

Obra que venderá a un zapatero a cambio de un nuevo par de botas que necesitaba y de la que comentó:

"Un día soleado de primavera escuché la música bajando por la calle Karl Johan y me llenó de alegría. La primavera, el sol y la música mezclados hacían brotar mi placer. La música aumentaba los colores. Pinté un lienzo haciendo que los colores reverberasen con el ritmo de la música, tal como los vi en aquel momento. […] Al pintar colores, líneas y formas de ese modo tan rápido, buscaba que vibraran como un fonógrafo."

El tema recoge el atardecer como un momento simbólico en el cual los seres humanos cambian de aspecto, convirtiéndose en seres fantasmagóricos que sobrecogen al espectador por su falta de vida. Los colores intensos y muy contrastado acrecientan esta sensación.

 

A partir de aquí su obra ira girando hacia un simbolismo de carácter muy personal.

 

En sus lienzos y en sus estampas los motivos iconográficos reflejaran las inquietudes de las experiencias humana, como el amor, el dolor, la pasión, la muerte, la soledad o la pena, todo ello marcado por su concepción vital. Así nos encontramos con:

 

La soledad en" Melancolía" y " Desesperación ".

 

 

  “Melancolía”

 

 

Oleo sobre tela. 1894.

 

En el cuadro vemos a un joven ausente de lo que le rodea y reflexionando, posiblemente, sobre sí mismo y su mundo. Vestido de negro, lo que acentúa la idea de sobriedad y soledad que tantos latigazos tuvo que soportar el propio Münch a lo largo de su vida. El paisaje resuelto con formas ondulantes y muy sintetizadas, da un cierto dinamismo a la naturaleza que rodea al joven. La atmósfera es en cierto modo triste, parece el final de un día, el atardecer que tanto vemos representado en la obra de Münch.
 

 

 

"Desesperación"

 

 

 

" Melancolía"

 

 

 

Podemos ver en estas tres obras una gran similitud estética con la más famosa de sus obras "El Grito", casi un mismo paisaje y una paleta de colores muy similar.

 

 

 

Nada expresará mejor el sentido del " Grito" que las palabras del propio autor:

 

"Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza."

Sobre el origen del tema Sue Prideaux nos sugiere en su biografía de Munch, que como en esta zona se encuentra el principal matadero de la ciudad, también el sanatorio para enfermos mentales donde Laura, su hermana, estaba recluida, y que quizás el había ido a visitarla;  que el chillido de los animales del matadero junto con el griterío de los esquizofrénicos en el sanatorio bien podría haberse fundido en su mente produciendo esa reacción " sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza."

 

¿ Qué vemos en el cuadro?: 

En primer plano el rostro desencajado de un hombre, el protagonista, con las manos apretándo para evitar que le estalle la cabeza, cabeza  resuelta con forma de calavera. Lo colores, intensos y arbitrarios aplicados en bandas con pinceladas violentas nos trata de transmitir estado de ánimo del autor. En segundo plano y alejados , dos testigos, dos figuras negras poco definidas se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla.

 

  Angustia:

 

 

Las enfermedades psicológicas fueron una de las constantes en la vida y en la obra de Munch, que incluso llegó a ser ingresado en un hospital para enfermos mentales. Para el artista, la enfermedad era un motivo para pintar, y por lo tanto era algo que si perdiese, su obra se vería resentida, al faltarle el "sustento". Él mismo afirmó que "No hay sabiduría profunda sin la experiencia de la enfermedad, y la mayor salud debe alcanzarse a través de ella", entendiendo su pintura como un acto de "purificación" ante la amenaza de la enfermedad.

 

 

"Cenizas", óleo sobre lienzo. 1894.

Detengámonos un poco en el análisis de este cuadro, en él  podemos ver muchas de las característica del artista.

 

 

 

En un paraje natural representa una escena cuya composición está dividida en planos distintos, siendo el primero un hombre de negro y el último un bosque también oscuro. La parte central la ocupa una muchacha de mirada ausente y expresión desesperada. Pese a mostrar a dos figuras, éstas se hallan completamente separadas y no hay en el cuadro ningún elemento que las una, es como si formasen parte de dos cuadros distintos. Con esta composición el pintor no busca dar sensación de profundidad, sino una superposición de planos, el bosque del fondo y las rocas.

Los colores predominantemente oscuros en el fondo y en la figura masculina, rompen con el tono amarillento de la muchacha y el blanco de su vestido. Se combinan muy bien tonos marrones, negros y grisáceos con verdes, amarillos y blanco, con un toque de rojo, lo que ayuda a maximizar la sensación de desequilibrio y Angustia que Munch pretendía reflejar.

 

El drama se acentúa deformando las figuras, atacando directamente a las sociedades autoritarias y se plantea como una rebelión artística.

 

En este lienzo, vemos la desesperación en el rostro de la mujer que se lleva las manos a la cabeza mientras que el hombre ni siquiera se atreve a mirar al espectador.

 

La luz es unitaria en todo el cuadro, acentuada en el vestido de la muchacha. El primer plano es mucho más oscuro. Aquí no observamos una luz que da forma a los objetos como en los cuadros impresionistas, sino que emana propiamente de las figuras, como elemento que centra la atención del espectador.

 

Elemento importante es el color, en grandes manchas que definen los objetos y ambientes. No hay graduaciones tonales, y los colores son planos, pero vemos una clara división entre tonos oscuros, claros, cálidos y fríos.

 

Podemos ver en esta obra algunos vestigios en color de la última etapa de Van Gogh, combinados con el realismo de Toulouse – Lautrec. El resultado es mucho más inestable, y deja en el espectador sensación de intriga y desasosiego.

 

En cuanto a la significado del tema algunos críticos han querido ver una pareja rota, en la que ella se lamenta llevándose las manos a la cabeza frente a un cenicero, las cenizas son símbolo de lo que queda tras un fuego de una pasión apagada, mientras que el hombre no quiere mirar al frente y se hunde en su desesperación.

La muerte es otro de los temas que se repite en la obra de Munch :

 

 

  " Muerte en la habitación de la enferma" de 1895

 

 

 

Cuadro basado en su propia experiencia, la muerte de Sophie, su hermana mayor; en el grupo de la derecha, la figura que nos mira directamente, implicando en la escena al espectador, es Inger, y él mismo se pinta, de perfil.


La mujer también forma parte central de sus obras.

 

 

 

"Madonna" (1894-5)

Tema del que el artista realiza múltiples versiones, sobre todo en obra gráfica.

 

En lienzo de gran formato, casi tamaño natural, "vemos a una mujer en el momento crucial de la concepción, momento triunfante para ella, aunque percibido como pérdida para el varón que, cumplida su misión, queda relegado al papel de consorte. La imagen de la mujer medio desnuda, cortada justo por el pubis, los brazos hacia atrás, la barbilla orgullosamente alzada y la cabellos flotando y desparramados, envuelta toda la figura en un cálido halo ondulante, vaporoso, y un nimbo rojizo, como una media luna, resalta su cabeza. La mirada es turbia, los ojos hundidos, habituales en las pinturas de Munch". La modelo es Dagny, a la que admira y que despierta en él una pasión enfermiza.

  El erotismo: " Amantes "

"Joven y prostituta" .1893

 

 

 

 

" El beso" 1895

 

 

 

Otro de los temas que va a explorar con distintas técnicas es el de los amantes besándose.

La primera versión la realizo al aguafuerte, posteriormente usará la xilografía, y finalmente el óleo.

 

De hecho, creo que las versiones gráficas tienen más consistencia plástica que las de óleo, salvo en el   lienzo superior, (" El beso" 1895) en el que la pareja está colocada lateralmente junto a una luminosa ventana abierta   que nos permite ver lo que sucede en la calle, y un interior con el movimiento del viento entre las cortinas azuladas.

 

 

"El Beso II o los amantes"

 

 

 

En todas las versiones vemos representada, la pasión amorosa, donde la fusión de los cuerpos queda patente y nos transmite el fuego erótico y la fuerza de la atracción entre los sexos.

 

Es un tema muy tratado por multitud de artista a lo largo de la historia recordemos por ejemplo:

"El beso" Klimt 1908.

 

 

 

"El abrazo"  de Picasso, 1903.

 

 

 

El maravilloso " Beso"  escultórico de Rodin.

 

 

 

Quizás en los besos de Munch las figuras están mucho más unidas hasta el punto de formar una única forma, un único cuerpo.

Amor y angustia son polos magnéticos del arte de Munch.

El atardecer tiene para Munch connotaciones psicológicas y será tema de muchas de sus obras como:

 

"Atardecer" (1888), donde pinta a Laura, su la hermana . Laura fue su modelo en numerosas ocasiones.

 

 

 

En este caso, Laura, aparece sentada de perfil, junto a la casa del fiordo noruego en la que pasaron el verano de 1888. Su figura ocupa el primer plano, si bien se relega y recorta en la margen izquierda. Laura dirige su mirada hacia el fiordo que penetra por la derecha, ajena a los dos campesinos que recogen una barca en segundo plano.

 

 

"Inger en la playa" (1889) nos muestra el talento del pintor para la descripción lírica de un estado de ánimo, acorde con la corriente neorromántica del arte pictórico noruego.

 

 

 

Inger aparece sentada sobre unas rocas junto al mar, en actitud pensativa, vestida de blanco y con un sombrero en la mano.

 

En los dos cuadros, las figuras se encuentran a un lado, y cruzan su vista hacia el otro, hacia un lugar que no podemos ver, pero que probablemente se trate de un punto imaginario. Tiene la vista perdida, se encuentran absortas en sus pensamientos, y nada parece distraerlas.

 

¿ Como trata el paisaje?

 

"La Naturaleza es para Munch todo aquello que nos rodea, es decir, tanto lo físico como lo que no podemos percibir, tanto lo concreto como lo abstracto, tanto el mar, el sol o la luna como sus misteriosas fuerzas insondables." En palabras del propio artista," La naturaleza no es sólo lo que es visible para el ojo (muestra también las imágenes interiores del espíritu), las imágenes que se hallan atrás de la vista."

 

 

La representación de jóvenes muchachas y de puentes en paisajes veraniegos también es frecuente.

 

 

 

Observamos colores luminosos que son reproducidos con un sentido de fugacidad: se contratan momentos de suspensión con la contemplación, la belleza de la juventud en la plenitud de la existencia como inevitablemente efímeras.

 

 

 

La obra grafica:

 

Los grabados de Munch precursor del expresionismo, incluye litografías y xilografías de gran formato, fundamentalmente coloreadas a mano, aunque también hay prematuros experimentos de impresión sobre papel de color.

 

 

 

En sus comienzos, Munch recurre a las estampas por razones comerciales, pero pronto adquirió un gusto por las posibilidades técnicas del grabado, que le permitía desde jugar con los colores hasta experimentar con diversos materiales y soportes.

En estos trabajos gráficos, Munch utiliza una paleta de colores rica y sutil, un anticipo de la gama más radical y violenta, plagada de contrastes, de la que se adueñaron los expresionistas alemanes de 'El puente' o 'El jinete azul'. Sin embargo, en otras ocasiones, reduce su abanico cromático para condensar al máximo el poder expresivo de sus alegorías visuales.

La temática se repite:

 

" El beso" 

 

 

 

  'El grito'

 

 

 

'Madonna', de esta litografía realiza hasta seis versiones.

 

 

 

'Angustia', 'Melancolía' o 'El pecado", etc...

 

Impresas  en papel japonés o en cartón; y coloreadas con tiza o tinta.

 

Utilizo la piedras litográficas, planchas de madera y placas de metal.

 

 

 

Por último decir que una constante en la obra de Münch es la incansable búsqueda para reflejar la primera impresión del sentimiento, para lo que realiza diferentes versiones de una misma idea. Nos dicen que pintaba un cuadro a partir de otro y cada nuevo intento develaba algo más: un motivo diferente, un elemento distinto capaz de acercar la pieza a la imagen original. Por ello, su obra es una y todas a la vez. “Yo no pinto lo que veo, sino lo que vi”, decía el artista para explicar cómo el origen de sus obras descansaba en la memoria, en la reactivación del recuerdo.