Paul Klee (1879-1940).

Nació en Münchenbuchsee, ciudad suiza cercana a Berna, en una familia muy relacionada con la música, su padre es músico, su madre canta, él desde los siete años estudia violín, y se casa con la pianista Lilly Stumpf .

Amante del dibujo y enamorado de la línea se decide por la pintura; considera que en las artes plásticas puede ser capaz de producir un arte original, pero la música sigue siendo importante en su vida. Siempre que le era posible asiste a conciertos y representaciones de ópera. Sus músicos favoritos son Mozart y Beethoven. 

Nunca abandona la música; se cuenta que tenía la costumbre de tocar el violín antes de ponerse a pintar, la música favorecía su percepción de las formas.

Cuando lees comentarios sobre la obra pictórica de Klee es frecuente que te encuentres con términos como tono, armonía, ritmo, sonoridad, polifonía lineal y polifonía de planos. Es lógico porque Klee ve la composición de sus obras en términos musicales, definiéndola como la yuxtaposición de temas, estribillos y disoluciones.

 La obra de Paul Klee:

Al realizar un recorrido por la obra de Klee la podemos resumir diciendo que comienza con el estudio de la línea, a continuación trabaja el claroscuro, concediendo cada vez más importancia a la tonalidad y termina centrando sus investigaciones en el color. 

Es una obra en evolución constante, y es difícil de clasificar en un único estilo, pero se puede afirmar que se enmarca en las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX. 

Son obras de pequeño tamaño casi siempre, hecha con acuarela, más que óleo, y que parece susurrar más que hablar en voz alta y sugerir más que imponer; algunos autores hablas de la modestia de Klee. Picasso decía de Klee que era el rey de los pequeños formatos, como él lo era de los grandes.

Pero el análisis es más complicado y en su evolución podemos establecer tres grandes bloques:

El primero hasta 1914, año en el que viaja al norte de África, donde queda prendado y enamorado de los colores del Túnez, esto provocara un cambio en su obra pictórica.

El segundo, de 1914 a 1935, el más interesante, en el que la obra adquiere un carácter dramático y pesimista. 

El tercero desde 1935, en que se ve afectado por una enfermedad degenerativa, hasta el 29 de junio de 1940 en que muere.

 Recorrido por la Obra de Paul Klee: 

Paul Klee se nos muestra como un gran dibujante, en estos primeros años quiere ser dibujante de comics. 

Comienza su experimentación artística, como hemos dicho, en el campo de del dibujo y el grabado. 

Tras su viaja a Italia en 1901, en que visita Livorno, Pisa, Florencia, Nápoles, Milán, Génova y Roma donde tiene la ocasión de ver por primera vez una exposición de acuarelas y dibujo del Auguste Rodin, trabaja en una serie de aguafuertes conocidos como "Invenciones" ( serie de 15 grabados), es su primera obra importante. En estos grabados se observa la influencias del simbolismo y del modernismo, que se reconoce por el predominio de lo lineal y de lo gráfico; y la influencia de Blake y Goya.

 
 Fénix anciano (1904)

La temática de las estampas es la relación entre el hombre y la naturaleza, las relaciones sociales y la parodia de los héroes mitológicos, así como algunas de las características que se pueden ver en el resto de su obra: el sentido del humor, la ironía, la sátira, y la influencia de lo teatral y lo operístico. Ejemplo: Fénix anciano (1904) y Héroe alado (1905)

 

Desde 1907, terminada la serie de grabados , comienza el estudio del color, interesándose primero por el tono; en sus acuarelas aparece una preocupación por los valor tonales y la búsqueda de los volumen a través del contraste de luces y sombras. En las acuarelas en blanco y negro va aplicando los tonos capa por capa, elaborando poco a poco la profundidad. Este estudio es lo que ocasiono su preferencia por el uso de la acuarela y del pequeño formato. 

Interesantes recordar su cita:

 «Quiero darme por relativamente satisfecho con mis grabados –escribió en sus diarios-, sólo que no puedo seguir así, pues no soy un especialista. Por lo pronto no voy a resolver lo todo; trataré de encontrar el camino lógico. Surgió una esperanza cuando el otro día dibujé con un buril sobre un vidrio ennegrecido. Me había llevado a ello un juego con una pieza de porcelana. Pues bien: el medio ya no es la línea negra, sino la blanca. El fondo no es luz, sino noche; el que la energía sea clarificadora sólo responde al proceso en la naturaleza. Probablemente sea una transición gráfico-pictórica. Prefiero no pintar, por una modesta precaución. Ahora se trata, pues, de que “se haga la luz”. Y así me deslizo lentamente hacia el nuevo mundo de las tonalidades» 

De 1908 a 1911 conoce Van Gogh; la obra de Cézanne, a quien define como «su maestro por excelencia»; a Wassily Kandinsky, su amistad durara toda su vida; a Alexej von Jawlensky, Franz Marc y August Macke. Gracias a la relación con estos artistas accedió al grupo expresionista " El Jinete Azul", entrando a formar parte de la escena del arte contemporáneo de Munich. 

En 1911 ve cuadros de Delaunay, para Klee uno de los artistas contemporáneos más completos. 

Delaunay le ayudó a encontrar su camino hacia la luz, el color, el movimiento, el tiempo y el cromatismo, ya que se identificó con su acercamiento a la luz y el color. 

Pero el momento decisivo para él fue el viaje al norte de Africa en abril de 1914, y posteriormente en 1928. A partir de aquí optar definitivamente por la pintura.

 "El color se ha apoderado de mí. No necesito apropiármelo. Me ha tomado para siempre, lo sé... El color y yo somos uno. Soy pintor" 

 "Hasta entonces era sólo dibujante "

Esta experiencia norteafricana le hace también dar forma a su estilo, logrando equilibrio entre forma y color, y en el que conviven la abstracción con las alusiones figurativas: una casa reconocible, por ejemplo, puede aparecer integrada en una composición de formas y colores abstractos. 

Son los años en que comienza a emplear cuadrículas para estructurar sus composiciones, lo que le permite descomponer el color y las formas naturales en unidades más pequeñas, como si se tratasen de notas en una composición musical.

 

En esta obra el cuadrado, repetido serialmente, adquiera la independencia y el valor autónomo de un ideograma. Su iteración se eleva a estructura arquitectónica y al mismo tiempo a estructura de la composición, que se acerca cada vez más a una auténtica partitura musical. Klee ya no necesita figuras y formas realistas; tampoco se apunta aquí a una lejana posibilidad de reconocerlas.

El nivel de abstracción llega en 1914, al regreso del viaje a Túnez. Estos viajes también le permiten descubrir la importancia de la luz como creadora del movimiento de los colores, cuya libertad para organizarlos se logra mediante el concepto de Klee de «simultaneidad». 

Se puede detectar en sus acuarelas una influencia del cubismo en la división en cuadrados de la superficie de la obra, en la reducción de los objetos a la mínima insinuación de su forma (un semicírculo se convierte en una cúpula o un cuadro en una ventana) o el color (utiliza puntos verdes para indicar vegetación), consiguió representar el mundo objetivo mediante reducciones formales: cruces, arcos, campos de puntos, etc.

 

Es ahora cuando comienza a experimentar con distintos materiales, pinturas, pegamentos, tejidos y papel. Sus soportes incluyen desde los mejores papeles y linos hechos a manos, a papel de envolver y retales de algodón . Acuarelas y óleos pintados sobre fondos hechos con escayola, tiza o encáustica, cubiertos de gasa, tela o muselina y, a partir de 1920, emplea de forma más frecuente telas sin preparar ya sean finas telas de algodón, de seda o de yute, que tiene una textura más basta.

Entre 1915 y 1919 realizó una serie de esculturas, que se relacionan con los titeres que realiza para su hijo

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Mientras paseaba a orillas del río Lech, cerca de Ausburgo, encontró unos trozos de ladrillo pulidos por las aguas. Éstos le inspiraron para hacer unas esculturas: un toro sentado, un barco con una chimenea de hierro, etc. Estas piezas estaban muy influenciadas por Dadá y por el collage y el ensamblaje cubista. 

En 1920 es contratado como profesor de la Bauhaus, por Gropius . No tiene experiencia docente pero acepta por que le garantiza unos ingresos seguros.

 ¿Qué era la Bauhaus y que objetivos tenía en estos años?

Es un escuela de Artes y Oficios, que tenía por objetivo formar diseñadores y arquitectos que al contar con maestros artistas y técnicos serán capaces de realizar proyectos integrales con gran nivel artístico. Se intenta romper con la tradición de las Academias. 

Paul Klee trabaja en la Bauhaus durante diez años , son los años de la Republica de Weimar ( 1919-33). 

Su primera tarea como maestro en la Bauhaus será impartir las horas de" Practicas de composición" para las que consiguió gran numero de inscripciones. En 1921 le encargan " Teoría de la forma" y dirigirá los talleres: de dibujo, desnudo, metal e ilustración de libros. 

Con la llegada del nazismo abandona las clases, y se traslada a Düsseldorf para ocupar un cargo similar .

Durante estos años su investigación fue en la línea de una mayor abstracción. Su obra, decía él, se basaba en un principio de economía: la búsqueda de lo claro, lo preciso, sin que esto excluya la fantasía, su otro punto de apoyo. La ironía es un elemento clave dentro de la obra de Klee desde el principio y esto le aproxima a los surrealistas. Dos obras interesantes de este periodo son: 

El equilibrista ( 1923)

 

Es una linografía en color, que el propio Paul Klee en la conferencia " Teoría y plástica de la forma" describe al " equilibrista con su barra como....extrema...realización del símbolo del equilibrio de fuerzas" " la representación alegórica del equilibrio el ideal de una conciliación entre los esfuerzos expresionista y los constructivistas".

Al observar la imagen, vemos que el equilibrista realiza su acrobacia delante de una cruz luminosa, coincidiendo la línea sobre la que realiza la acrobacia con el brazo horizontal de la cruz. La línea de equilibrio se apoya en dos líneas verticales que parte de una especie de cara sin rostro. Es una obra en la que la sencillez del dibujo contracta con la sensación de ritmo, movimiento y equilibrio que la obra nos trasmite.

Las imágenes de equilibristas, acróbatas y marionetas aparecen una y otra vez en la obra de Klee. Se interpreta como una búsqueda interior de equilibrio.

Obra interesante es:

 "Angelus Novus" de 1920 dibujo a tinta china, tiza y acuarela sobre papel 

Walter Benjamin, En su ensayo "Tesis sobre la filosofía de la historia", inspirado por la lectura cabalística de su amigo Gershom Scholem,nos dice: 

 "Hay un cuadro de Klee que se llama Angelus Novus. En él se muestra a un ángel que parece a punto de alejarse de algo que le tiene paralizado. Sus ojos miran fijamente, tiene la boca abierta y las alas extendidas; así es como uno se imagina al Ángel de la Historia. Su rostro está vuelto hacia el pasado. Donde nosotros percibimos una cadena de acontecimientos, él ve una catástrofe única que amontona ruina sobre ruina y la arroja a sus pies. Bien quisiera él detenerse, despertar a los muertos y recomponer lo despedazado, pero desde el Paraíso sopla un huracán que se enreda en sus alas, y que es tan fuerte que el ángel ya no puede cerrarlas. Este huracán le empuja irreteniblemente hacia el futuro, al cual da la espalda, mientras los escombros se elevan ante él hasta el cielo. Ese huracán es lo que nosotros llamamos progreso."

El último período de su obra está marcado por la llegada de Hitler y sus problemas de salud. Son malos tiempos e influyen en su obra, hay un domino en los signos y líneas de gran espesor, monocroma, negra habitualmente. Los signos se superponen como formas independientes en superficies pintadas en ocasiones sobre fondos monocromos, otras sobre planos de color que sugieren la imagen de laberinto. Los signos recuerdan la escritura jeroglífica que había conocido durante su visita a Egipto. A pesar de todo aún mantiene su personal sentido del humor.

En Revolución del viaducto (1937)

 

Se trata de uno de los cuadros más célebres de Klee. En ella vemos un grupo de arcos multicolores de un puente, que salen de un fondo casi monocromo y avanza hacia el espectador. Muchas han sido las interpretaciones: desde la interpretación política identificándose con un movimiento de masas totalitario, observado con preocupación por Klee, a la premonición de futuras desgracias; desde elementos de un ejército cada vez más grande y peligroso hasta símbolos de una sociedad en progresiva degeneración y ruina. 

El rasgo característico de esta época es el agrandamiento de la línea, se vuelve mucho más ancha debido a la limitación de movimientos que le provocaba su enfermedad, se hace más pictórica por sí misma y gracias a ella alcanzó una estructura en la que la interrupción y la eliminación representa un papel igual a los componentes plásticos positivos. Utiliza el dibujo para construir y estructurar sus cuadros, pasando el color a acomodarse a la línea y no al contrario. 

Otra característica es los ritmos abiertos y las formas individuales desconectadas que se relacionan mediante los intervalos. Adquieren sus signos un aspecto de monumentalidad, aunque sean pintados en pequeñas superficies. A la vez que es una obra de una gran simplicidad y claridad, sus signos son de una gran polivalencia y con unos pocos cambios permite pasar de un tema a otro. 

El color se ha vuelto más sustancial que nunca y sus signos parecen escritos sobre barro. Los títulos se vuelven enigmáticos, no dan pistas sobre los objetos.

Hay dos temas que caracterizan la obra de este período: los músicos y los ángeles. Entre los primeros destaca el Timbalero (1940)

 

En 1939 pintó 28 ángeles y cuatro más al año siguiente. Son una metáfora del paso al lado de lo invisible y emblemas de una última transformación. Las figuras aladas habían sido una constante en su obra, representan un punto intermedio entre este mundo, entre los hombres, y Dios, el lugar donde vida y muerte se unen

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